¡Buen día songbirds! Bienvenidos a un día más de música aquí en Friday Songbird, el blog que está haciendo lo posible para no perder el ritmo 😅. Hoy les traemos hasta sus oídos una canción que tiene algo del hipnótico encanto del Medio Oriente. Con ustedes, Tamino.

El artista: Con solamente 22 años, Tamino-Amir Moharam Fouad posee un talento innegable, visible sobre todo en el dominio de una voz que es capaz de emocionar al más duro, y que, según relata el equipo de NPR Music en esta edición de los Tiny Desk Concerts, dejo a muchos con la boca abierta. Nacido en Bélgica con ascendencia egipcia y libanesa, el talento al parecer le viene de familia: su abuelo fue Muharram Fouad, un actor y cantante egipcio conocido como "el sonido del Nilo". El resultado de este talento natural y de su entrenamiento en el Amsterdam Royal Conservatory es un único álbum, titulado Amir, en el que colabora tanto con Colin Greenwood, bajista de Radiohead, como con un colectivo de músicos árabes basados en Bélgica conocidos como Nagham Zikrayat. Y bueno, puede que sea solamente un álbum por el momento, pero el talento está allí, y promete mucho.

La canción: fue lanzada primero como un single en el 2017, y luego pasó a formar parte del álbum Amir, lanzado al año siguiente. La sencillez inicial de la canción - solamente el rasgueo de una guitarra eléctrica a la que unos versos más adelante se le unen las notas de un piano - sirve para resaltar la increíble voz de Tamino, que inicia con una fuerza modesta que aún así hace valer cada sílaba, y esta ondulación en el último verso de cada estrofa. Esta increíble voz nos lleva de paseo a dar un par de vueltas antes de elevar la canción hasta su punto más alto, desde el cual el (aún más increíble, si cabe) falsetto de la parte final nos devuelve gentilmente a tierra, dejándonos con la impresión de haber escuchado algo fuera de este mundo. Todo esto con el trasfondo de una letra que alguien, en aquella fuente de sabiduría que es la sección de comentarios de YouTube 😆, describió como "lo más cercano a la poesía árabe en una canción".

¿cómo la descubriste?: Me la recomendó un amigo en un grupo de WhatsApp, así que allí va un punto más para las recomendaciones personales 😉.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: ah, complicada pregunta 😅 . La melodía es hermosa, la calidad vocal de Tamino es impresionante, la canción entera tiene esta capacidad de evocar la calma nostálgica de una noche tranquila, de ser melancólica sin ser excesivamente sentimental, de tener más bien la fuerza de una emoción verdadera.

¿algo más?: claro, siempre 😉 Aún no he escuchado el álbum Amir en su totalidad, así que acompáñenme a hacer la tarea, y juzguen luego por ustedes mismos.

Eso es todo por el día de hoy, amigos. Espero les haya gustado la canción, y que la música los acompañe 🤘🏼🤘🏼🤘🏼.

¡Buen día songbirds! Bienvenidos sean a una edición más de Friday Songbird, el blog que no andaba muerto, estaba de parranda 😅. Para nuestro regreso, hemos elegido un homenaje pendiente desde hace varios meses a un dúo muy influyente en la música electrónica que este año dejo de existir como tal. Sin más preámbulos, con ustedes, Daft Punk.

El dúo: Considerados uno de los actos más influyentes en la música dance de las últimas décadas, Daft Punk se formó allá por el año 1992, cuando Guy-Manuel de Homem Christo y Thomas Bangalter, que se conocieron cinco años antes en la secundaria, desbandaron la banda de rock de la que ambos formaban parte, llamada Darlin', y decidieron empezar a experimentar con sintetizadores y baterías electrónicas. (El nombre "Daft Punk" les vino gracias a una crítica no muy positiva de un par de temas que sacaron con Darlin' en un EP recopilatorio de varios artistas; la crítica calificó su música de daft punky thrash). En el 95, grabaron Da Funk, su primer éxito comercial, y debido a este éxito empezaron a buscar un manager y una disquera para apoyar sus siguientes creaciones, siempre procurando mantener el control creativo. Durante la segunda mitad de los 90s, hicieron muchos shows en vivo, siempre usando disfraces - según comentarían más tarde, aquello empezó como un poco de timidez y una forma de quitar el foco de su imagen y ponerlo sobre la música, pero terminó siendo un elemento característico de la banda y una oportunidad para jugar con el público y con su imagen. En el 97, vería la luz su primer álbum, Homework, muy esperado y bien recibido por la crítica, quienes consideraron que el álbum revivió la música house pero apartándose de la fórmula del género Eurodance. El mismo año salieron en la gira Daftendirektour para promover éste álbum en diversas ciudades alrededor del mundo.

Cuatro años después de su debut, en el 2001, vería la luz Discovery, su segundo trabajo, con un estilo más cercano al synthpop que sorprendería a sus fans de ese entonces y les haría ganar una nueva generación de fans. Este es el álbum que contiene uno de sus mayores éxitos tanto en los clubs como en el mainstream, One More Time; es también el álbum que les vería estrenar los disfraces robóticos que se volverían su imagen más reconocible. Ese mismo año se asociaron con el animador japonés Leiji Matsumoto para crear Interstella 5555, un film animado creado para acompañar la música del álbum; los primeros 4 "episodios" (correspondientes a las primeras 4 canciones del álbum) se estrenaron el mismo 2001, y el film terminado salió para DVD en el 2003.

Después de una espera de la misma duración que la anterior, el dúo lanzó en 2005 su tercer álbum, Human After All, que fue recibido con críticas mixtas. Un año después estrenaron una película en el festival de Cannes, Daft Punk's Electroma, un film de ciencia ficción que narra la búsqueda de dos robots por volverse humanos. Luego, durante el 2006 y parte del 2007, realizaron un tour de 48 fechas llamado Alive 2006/2007, con gran aclamación de la crítica, quienes consideraron que sirvió para acercar la música dance a una audiencia más amplia, en especial en América del Norte; su presentación en París como parte de este tour fue luego lanzada como un álbum en vivo, Alive 2007, y éste álbum les valió un Grammy en el 2009.

Ese mismo año se anunció que el dúo había compuesto las 24 pistas que formaban el soundtrack de la película Tron: Legacy, y a fines del 2010 se lanzaron estas pistas como un álbum. Tres años después, Daft Punk anuncia que se encuentran trabajando en su cuarto álbum, titulado Random Access Memories; el álbum vería la luz en Mayo del 2013, con canciones interpretadas en colaboración con una multitud de artistas, como Pharrell Wiliams, Julian Casablancas de The Strokes y Giorgio Moroder, y se convertiría en uno de los álbumes más exitosos del dúo, llevándose a casa tres Grammys y dos más por el single Get Lucky (fácilmente el más popular del álbum). En el 2016, colaboraron con the Weeknd en sus singles Starboy y I Feel It Coming, en lo que sería uno de sus últimos trabajos musicales; cinco años después, a inicios del 2021, subieron un video a su canal de YouTube titulado "Epilogue", que consistía en una escena de su película Electroma seguida del texto "1993-2021"; ese mismo día, su publicista anunció la separación del dúo, quienes seguirían adelante con sus carreras musicales por separado.

La canción: forma parte del muchas veces galardonado álbum Random Access Memories, aunque no llegó a ser tan conocida como la famosa Get Lucky o la creada en colaboración con el vocalista de The Strokes, Instant Crush. Es una pista que va más por la línea del funk tal vez, con un ritmo marcado por una percusión sólida, y la voz de Todd Edwards, perfectamente acompañada por los aullidos electrónicos de los sintetizadores, nos habla de aquellos momentos que quisiéramos que duraran para siempre y de aquellos lugares en los que quisiéramos quedarnos por siempre pero que, al no ser posible esto, solamente nos queda "seguir reproduciendo (playing back) / estos fragmentos de tiempo" porque "dondequiera que vaya / estos momentos brillarán".
(Lo curioso es que incluso llegan a colar parte del nombre del álbum en la letra, en aquella parte que dicen if I had my way I would never leave / keep building these random memories. Maravillosa jugada 😄)

¿cómo la descubriste?: Estoy casi seguro que fue recién a inicios de este año, debido a la 'partida' de Daft Punk, pero no recuerdo bien si fue sugerencia de Spotify o mi propia curiosidad la que me llevó a este track. Sea como fuere, fue una decisión acertada 😉.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: Aparte de ser una no muy conocida del conocidísimo Random Access Memories 😄, me gusta que el elemento de electrónica es un poco más sutil aquí, y además la letra me atrajo mucho... Tal vez tenga que ver el hecho de que este es el primer verano de muchos que lo paso casi enteramente en casa - debido a las restricciones por la pandemia del coronavirus y a que estoy haciendo home office - y los últimos veranos que recuerdo haber pasado tanto tiempo en casa son los veranos de mi adolescencia, y creo que resonó conmigo esa parte en que dice "haciéndome sentir como si tuviera 17", y el tema de estar creando buenos recuerdos y no querer que se acaben.
(bueno, 17 años no son precisamente la adolescencia 😅, pero se entiende la idea)

¿algo más?: claro, siempre 😉. Si son hijos de los 90s entonces seguramente recuerdan a Daft Punk, así que vayan a recorrer la autopista del recuerdo con alguno de sus temas más conocidos, y después denle play al Random Access Memories y elijan su pista favorita. Y si son más jóvenes y no los conocían tanto, pues ya tienen tarea: les recomiendo el Discovery, que tiene las pistas más celebres de la carrera del dúo, como Harder, Better, Faster, Stronger o One More Time, y de pasada les recomiendo también Something About Us: es menos conocida y tiene un estilo más tranqui y una letra un toque más romanticona.

Por ahora, eso es todo. Espero que hayan disfrutado este pequeño homenaje, y espero que podamos estar de vuelta más seguido por aquí. Por ahora, tengan una gran semana, y que la música los acompañe 🤘🏼🤘🏼🤘🏼.

¡Buen día songbirds! Perdonen nuestra prolongada ausencia: el fin del 2020 nos mantuvo tan ocupados en otros asuntos que recién nos estamos recuperando 🙈. Siendo que ya estamos en verano, aquí les traemos una canción acorde con la estación: una versión de Lana del Rey de una popular canción de jazz de los años 30. Sin más preámbulos, aquí vamos con Summertime...

La artista: ¿Qué podemos decir que no hayamos dicho ya de Lana del Rey? 😁 Solamente podemos añadir que sigue deleitando a sus fans con más música, que su álbum más reciente, Norman Fucking Rockwell!, fue nominado a un Grammy por Álbum del Año, y que este último año de pandemia la vio publicar un libro de poesía titulado Violet Bent Backwards Over the Grass, seguido muy de cerca por un álbum hablado del mismo nombre (se le podría considerar un audiolibro? 🤔😄). Su lanzamiento más reciente aterrizó hace poco más de un mes, un sencillo titulado Chemtrails Over The Country Club que anuncia la llegada de un álbum del mismo nombre, según dicen los que saben 😉.

La canción: En esta ocasión, Lana del Rey eligió versionar una canción compuesta en los años 30, una aria compuesta por George Gershwin para la ópera Porgy and Bess, que luego se convertiría en un jazz standard - una canción muy conocida e importante en el repertorio de los intérpretes de jazz y reinterpretada muchas veces. Siendo una canción de jazz, del Rey eligió adoptar para su interpretación la típica percusión cadenciosa del jazz, a la que primero se suman las notas muy sutiles de una guitarra, y después de unos compases un piano que también hace recordar a composiciones del estilo del smooth jazz, todo esto puntuado con la intervención de un coro de voces de fondo que le dan un aire misterioso a la canción.

¿cómo la descubriste?: Debe haber sido el algoritmo de Spotify el que la puso en mi camino, pero la curiosidad me animó a escucharla: resulta que yo había escuchado otra interpretación de la misma canción, pero a cargo de Janis Joplin, y con un estilo completamente diferente, pero que me había gustado mucho cuando la descubrí. No hubo necesidad de pensarlo mucho entonces 😁

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: Aparte de la hermosa voz de Lana del Rey 🙈, me gusta mucho que se acerque más al estilo del jazz, y el coro de voces de fondo que le dan ese aire como de misterio. Como comentaba, la única referencia que tenía yo de la canción era una interpretación de Janis Joplin, con su particular estilo - su voz desgarradora sobre el fondo de una guitarra con distorsión - y encontrar una versión mucho más melódica me ha gustado sobremanera.

¿algo más?: claro, siempre 😉. Si les da curiosidad, la versión de Janis Joplin está por aquí: Spotify / YouTube. Es completamente diferente, quedan advertidos 😁. Y para complementar, una más similar al estilo original en que fue compuesta la canción, esta vez a cargo de Billie Holiday: Spotify / YouTube.

Eso es todo por esta semana. Cuídense mucho songbirds, no salgan a menos que sea necesario, y que la música los acompañe 🤘🏼🤘🏼🤘🏼

¡Buen día songbirds! Sean bienvenidos a una semana más de música, y sepan disculpar nuestra ausencia; otros hobbies y ocupaciones nos mantuvieron alejados, pero aquí venimos nuevamente. En esta ocasión, les traemos la música con sabor mediterráneo de Manu Chao y su banda, así que, sin más preámbulos, escuchemos...

El artista: Nacido en Francia de padres españoles, Manu Chao no solo creció bilingüe, si no también bajo la influencia - en sus años de adolescente - de la escena punk del otro lado del Canal de la Mancha. En aquellos años formó parte de varias bandas, antes de formar, con un primo suyo, Mano Negra, una banda que se manejaba más como un colectivo artístico, sin un manager. Si bien esto les dificultó las cosas al querer hacerse conocidos en los EE.UU., tanto en Europa como en América del Sur su estilo multicultural pero fuertemente influenciado por el punk (como el de The Clash) les hizo ganar seguidores, y en el 92 iniciaron un tour por Latinoamérica bastante peculiar, viajando en bote con actores y un circo y tocando en ciudades portuarias en las costas tanto del Pacífico como del Atlántico, en ocasiones con la asistencia de grupos de guerrilla locales 😲.
En el 95, Mano Negra regresa a España y Chao forma otro grupo, llamado Radio Bemba Sound System, con músicos tanto de Mano Negra como de fuera de la banda (dicen algunos que esto causó algo de incomodidad y condujo finalmente a la separación de la banda). Poco después, Chao regresó a Latinoamérica y empezó a dar vueltas con su guitarra y a grabar temas en distintos lados; el resultado de este proceso de creación itinerante fue el álbum Clandestino, lanzado entre el 98 y el 99, al cual pertenece la canción que estamos escuchando en este momento.
Un par de años después, recién arrancado el nuevo milenio, Chao lanzó su siguiente álbum, Próxima Estación: Esperanza, mucho más influenciado por los sonidos del Caribe; de este álbum recuerdo mucho la canción Me gustas tú, que estuvo sonando seguido en las radios locales de la época allá por el 2001 - 2002. En el 2004, lanzó su primer álbum enteramente en francés, Sibérie m'était contéee, y 3 años después vería la luz Radiolina, su último álbum de estudio hasta la fecha.

La canción: forma parte del primer álbum de Manu Chao, Clandestino, y tiene este ritmo contagioso, marcado fundamentalmente por la guitarra, con un estilo que se podría llamar mediterráneo, o incluso tropical. La entrada, casi a mitad de la canción, de los instrumentos de viento (no sé si trompetas o trombones) no hacen si no reforzar esta sensación de fiesta, de carnaval, de 'jaleo' como dice la misma canción, que aprovecha todos estos recursos para colarnos su mensaje de rebelión popular.

¿cómo así la descubriste?: Buscando otra canción 😆. Como comentaba, a inicios de los 2000s el single Me gustas tú daba vueltas por todos lados, pero yo recordaba una canción de Manu Chao mucho más interesante (a mis oídos). Adelantemos la película unos 14 años, y con las facilidades de Spotify, encontré la canción (Clandestino, primera pista del álbum con el mismo nombre) y, como manda el deber 😆, me escuché todo el álbum... lo cual fue decididamente una buena idea, porque aparte de encontrar la canción perdida, encontré como 4 más que me llamaron mucho la atención, entre ellas la que estamos escuchando en este momento.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: Definitivamente, el ritmo, sencillo pero muy pegajoso, conducido principalmente por la guitarra; también la letra, que es casi un juego de palabras. Y hay un detalle más: las 5 primeras canciones del álbum tienen un estilo muy similar, las 4 primeras hasta se podrían escuchar como un mismo tema, continuo, que solo va variando ligeramente entre canciones. En esta, en cambio, se siente un quiebre del estilo, es mucho más animado, cambia completamente el mood del disco.

¿algo más?: claro, siempre 😉 Las 2 primeras pistas del álbum son también de mis favoritas, totalmente recomendadas. Por otro lado, este año Manu Chao ha colaborado con otros artistas para sacar este año el tema Fire Inna Streets, con un ritmo definitivamente más cercano al reggae; denle una escuchada que está interesante.

Eso es todo por ahora, amigos. Espero que tengan una buena semana, y que la música los acompañe 🤟🏼🤟🏼🤟🏼

¡Buen día songbirds! Sean bienvenidos a un fin de semana más de música. En esta ocasión, tenemos a un grupo que viene desde Reino Unido, con un estilo variado pero con tintes rockeros. Sin más preámbulos, aquí está Foals.

La banda: Foals se formó en Oxford, Inglaterra, en la segunda mitad de los 2000s, por iniciativa de Yannis Philippakis (en la guitarra) y Jack Bevan (en la percusión), a quienes unía una larga amistad. A ellos se unieron Jimmy Smith en la segunda guitarra y Walter Gervers en el bajo para completar la alineación del grupo; inicialmente también se les unió Andrew Mears en la voz, pero después de grabar un single con ellos, se separó del grupo para concentrarse en otro proyecto, y Philippakis asumió también el rol de vocalista. Poco después se les uniría Edwin Congreave - a quién Philippakis conoció mientras trabajaba en un bar - para tocar el teclado, a pesar de que nunca antes había tocado dicho instrumento ni formado parte de una banda. Con esta formación, empezaron a trabajar en perfeccionar su sonido tocando en fiestas locales, y poco después firmaron con la disquera Transgressive Records, con quienes lanzaron sus primeros singles - Hummer y Mathletics - en el 2007. El mismo año viajaron a Nueva York para grabar su primer álbum completo, Antidotes, lanzado al mundo al año siguiente. Dos años después, en el 2010, llegó su segundo álbum, Total Life Forever; su lanzamiento estuvo acompañado por teasers y rompecabezas en su sitio web que hacían referencias a las canciones del álbum, y sus pistas fueron luego usadas como fondo musical de múltiples series de televisión e incluso de un videojuego.
En el 2013 regresaron con el álbum Holy Fire, el primero en tener reconocimiento más allá de Europa (de hecho una de las primeras canciones que recuerdo haber escuchado de ellos en una radio local, My Number, es parte de este álbum). Fue un disco con mucho reconocimiento del público y algunos momentos poco convencionales en su creación (como la recolección de huesos de animales para obtener un sonido "primitivo" en la percusión 😆 y los productores grabando a la banda sin que se dieran cuenta mientras ensayaban, en un esfuerzo por obtener un sonido más desinhibido). Un par de años después, llegaría el siguiente álbum, What Went Down, y al año siguiente - 2016 - la banda emprendió una gira por el Reino Unido y Europa, seguida por otra en los Estados Unidos, para promocionar las pistas de este nuevo álbum.
Su último trabajo llegó recién el año pasado, Everything Not Saved Will Be Lost, lanzado en 2 partes, la primera en Marzo y la segunda en Octubre, ambos lanzamientos precedidos por la liberación de algunas canciones en servicios de streaming.

La canción: es el tercer single de la primera parte de su más reciente disco, y es una canción que comienza cadenciosa, con la voz de Philippakis llenando el espacio de un tema que se sostiene sobre una percusión y unos teclados que hacen sentir su presencia sin robar protagonismo, que más bien contribuyen a crear la atmósfera de la canción. Como a tres cuartos de transcurrida la pista, ésta vira a un ritmo mucho más animado y dinámico, para regresar, en los segundos finales, al mismo ritmo pausado del inicio, y cerrar con un par de notas finales que se pierden en la inmensidad del espacio creado por los minutos anteriores.

¿cómo la descubriste?: No recuerdo bien, pero estoy casi seguro que esta es un punto para Spotify y sus mixes o playlists de descubrimiento semanal; en alguno de ellos la encontré, y me atrapó.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: Si bien ya conocía a la banda por un par de sus temas tempranos (como My Number o Mountain At My Gates), este año - por alguna razón - se han quedado conmigo 3 temas de Foals, que creo que son una muestra representativa de lo variado de su estilo: Late Night (que escuchábamos la semana pasada por Facebook), Like Lightning, y este tema. Y donde Late Night tiene un sonido más oscuro y un poco más de hard rock, y Like Lightning es también rockera pero con más potencia, este tema tiene este ritmo más pausado, sin perder la potencia rockera que caracteriza a la banda, y además tiene este giro interesante casi al final. Eso, sumado a una melodía que describiría como soñadora, es lo que más me gusta de la canción.

¿algo más?: claro, siempre 😉 No dejen de chequear los otros temas de la banda: mis favoritos personales son los del párrafo anterior, y sus otros temas conocidos (como My Number o Mountain At My Gates) son también muy interesantes.

Eso es todo por esta semana. Sigan cuidándose, y que la música los acompañe siempre 🤟🏼🤟🏼

Link a la misma canción en YouTube

¡Buen día songbirds! Aquí estamos, al filo de la semana, trayendo una nueva canción para que puedan iniciar la nueva semana con algo nuevo para sus oídos. En esta ocasión, un dúo muy original nos trae su propia versión de una canción francesa de los años 50s. Con ustedes, Pomplamoose.

Los artistas: Pomplamoose es el nombre artístico del dúo formado por Jack Conte y Nataly Dawn, ambos residentes en los Estados Unidos, que describen su forma de trabajo del siguiente modo: todos los meses vuelan a Los Angeles para grabar 4 temas en un solo día ("con un puñado de músicos súper talentosos", en sus propias palabras), y luego todas las semanas del mes sueltan las canciones - 1 por semana - vía sus canales de YouTube y Spotify.
Lo que su breve biografía en Spotify no menciona es la originalidad de dichas canciones, y la razón por la cual se han ganado el corazón de sus seguidores: éstas suelen ser mashups de canciones que generalmente tienen poco que ver entre sí, pero que gracias a su talento se convierten en armoniosas combinaciones en lugar de mezclas impasables. Un buen ejemplo es un favorito de esta casa, una combinación entre Stayin' Alive de los Bee Gees y Virtual Insanity de Jamiroquai que nos parece una genialidad, y que pueden escuchar por aquí.

La canción: la escuché por primera vez interpretada por Pomplamoose, quienes la presentan como un cover de Édith Piaf, famosa cantante francesa de la primera mitad del siglo pasado. Pero investigando un poco más (básicamente porque no encontré el título de la canción en la discografía de Piaf 😅), encontré que la canción fue compuesta originalmente para una película francesa del mismo nombre, estrenada en el año 1951, y que primero fue interpretada (en la película) por el actor y cantante Jean Bretonnière; en el mismo año, fue interpretada también por Juliette Gréco, y más adelante por otros artistas, como Édith Piaf, lo cual contribuyó a que se popularizara la canción y se convirtiera en un símbolo de París.

¿cómo así la descubriste?: Si no me falla la memoria, ésta sí se la debo al algoritmo de Spotify, que me la recomendó en alguno de los playlists de descubrimiento o novedades semanales. Debe haberse dado cuenta de cuando busqué a Pomplamoose (porque inicialmente solo los conocía por su canal de YouTube).

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: No se mucho francés - apenas pude discernir que el título significa "Bajo el cielo de París" - así que fijo no es la letra porque no la entiendo 😆. No sabría discernir tampoco si es una balada o un vals, pero su cadencia me gusta mucho, tiene un ritmo que te va atrapando, y una atmósfera, creada por los instrumentos, que te envuelve por completo. Si a esto le sumamos la prodigiosa voz de Nataly (que además, según los comentarios en YouTube, canta en un francés impecable), tenemos como resultado una canción de ensueño.

¿algo más?: definitivamente 😉 Asegúrense de pasar por el canal de YouTube de Pomplamoose, les aseguro que no se van a arrepentir. Además, tienen su cuenta en Patreon, y creo que sus patrons pueden votar por canciones para que ellos les hagan cover, así que si les gusta mucho el proyecto, esa es una forma de colaborar.

Eso es todo por ahora. Espero que les haya gustado la canción, que tengan una excelente semana, y que la música los acompañe siempre. ¡Hasta la próxima!

¡Buen día songbirds! Bienvenidos a esta mañana de Domingo, con algo de frío y mucha música. El día de hoy escucharemos algo de nostalgia noventera traída por talento peruano. Con ustedes, 16 Bits.

La banda: 16 Bits se formó hace tan solo 5 años en la cuidad de Trujillo, en la costa norte peruana; según nos cuentan en su perfil de Spotify, la banda la integran 5 miembros, André Alfaro, Alonso Castillo, Giancarlo Díaz, Mateo Novoa y Kevin Pantoja, quienes se juntaron para hacer música que les ayudara a expresar y desahogar los sentimientos que por ese entonces experimentaban, eligiendo como estilo el rock indie, con algo de pop-punk en la mezcla. Un par de años después de formados, colaboraron en un split de 2 canciones con Kill Amigo, banda peruana de similar estilo, y al año siguiente, en el 2018, se mudaron a Lima y lanzaron su primer single, precisamente la canción que estamos escuchando. A fines de ese mismo año, lanzaron su primer álbum, El Mundo Acaba Contigo.
Musicalmente, se nota su estilo pop-punk en este primer trabajo, pero además apelan mucho a cierta nostalgia noventera (podríamos decir incluso nostalgia millenial): desde el nombre de la banda hasta la elección de cover art, pasando por los nombres de las pistas (como "Starfox", "DK Bajo la Lluvia", "Gameboy RIP" o el nombre de la canción que hoy estamos escuchando). Ese particular estilo les asegura seguidores entre quienes recordamos con cariño aquellas épocas en que el Super Nintendo reinaba en el mundo de las consolas :')

La canción: es el primer single de la banda, y la última pista de su primer álbum. Las guitarras y la percusión dominan; las primeras sueltan notas que suenan algo más melancólicas y oscuras que las primeras pistas del álbum, lo cual aunado a las voces más bien graves dan como resultado una canción que suena como un buen cierre para un álbum.

¿cómo la descubriste?: Por Instagram (como corresponde a los tiempos 😆). Un amigo lo puso en sus stories y me llamó la atención tanto el título como el cover art; le di una escuchada por curiosidad y me gustó el estilo.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: Su estilo sencillo, la forma en que las guitarras y un poco de efectos llenan la canción, y esa mezcla agridulce entre el ritmo pop-punk animado y la melodía con notas un poco más apagadas, medio melancólica.
(Tengo que admitir, también, que me hace mucha gracia el título de la canción y cómo apela a la nostalgia noventera; no podría asegurarlo, pero estoy casi seguro que es una referencia a aquellas partes de Super Mario World donde, para llegar a ciertos sitios muy altos, era necesario montar sobre Yoshi, el compañero/mascota de Mario, saltar y luego desmontar de él... lo cual a veces resultaba en que el pobre Yoshi caía a un agujero mientras Mario llegaba con éxito a la parte escondida de algún mundo. Pobre Yoshi 😅)

¿algo más?: claro, siempre 😉 Recomendado escuchar el álbum completo de estos muchachos, si te gusta el rock indie o el pop-punk o eres un hijo de los 90s 😆. Y ya que están por ahí, hay otras bandas en el circuito local que demuestran que hay para todos los gustos, como Kill Amigo (con quienes 16 Bits ha colaborado), Suerte Campeón o Mundaka (a quienes también hemos escuchado por aquí).

Eso es todo por ahora. Sigan cuidándose, y que la música los acompañe 🤟🏼🤟🏼🤟🏼

¡Buen día songbirds! Sean bienvenidos a un nuevo fin de semana de música. En esta ocasión, nos vamos hasta el Reino Unido para escuchar una canción que, con su contradictoria mezcla de melodía alegre y letra... no tan alegre 😅, puede servir de necesaria catarsis en los tiempos que transcurren. Con ustedes, The Smiths.

La banda: Formados en Manchester en el año 1982, The Smiths nació de la sociedad entre Johnny Marr y Steve Morrisey; según cuenta la historia, el primero decidió aparecer sin previo aviso en la casa del segundo para proponerle formar una banda, y en la conversación que siguió se dieron cuenta que compartían gustos musicales en gran medida. Más adelante se unirían Mike Joyce en la percusión y Andy Rourke en el bajo, y la banda iniciaría su carrera como tal dando conciertos, primero en su natal Manchester y luego en Londres, y grabando sus primeros singles. Pasarían 2 años antes de su primer álbum completo, The Smiths, al cual siguieron un par de singles que no formaron parte de un álbum en particular, entre los cuales se encuentra la canción que estamos escuchando. A inicios del año siguiente (1985), lanzaron su segundo álbum, Meat Is Murder, más vocal y político que su debut (comenzando por el título); no pasó mucho tiempo para que lanzaran el tercero, The Queen Is Dead, en Junio del 86. Lamentablemente, las tensiones dentro del grupo, en especial por las diferencias artísticas entre Morrisey y Marr, llevaron finalmente a la disolución del mismo; para cuando su cuarto álbum, Strangeways, Here We Come, vio la luz - setiembre del 87 - la banda ya se había separado.
Morrisey inició una carrera como solista que continúa al día de hoy, contando hasta el día de hoy con 13 álbumes; por otro lado Johnny Marr se tomó un breve descanso y regresó unos años después a la música con el grupo Electronic, del cual también formaba parte Bernand Summer - vocalista y guitarrista de New Order - y Neil Tennant - co-fundador de Pet Shop Boys. Mike Joyce y Andy Rourke siguieron trabajando juntos en otros proyectos, colaborando con músicos y bandas como Sinéad O'Connor, The Stone Roses y Oasis.
A pesar de su relativamente breve carrera como banda, The Smiths tiene el mérito de haber renovado la música británica del momento, con un estilo cuya fusión de rock y post-punk iba en dirección totalmente contraria al estilo new wave de la música pop de aquel entonces. Y tal vez debido a este nuevo sonido es que llegaron a tener una amplia influencia en la música venidera: grupos tales como The Stone Roses y Oasis admiten haber sido inspirados e influenciados por The Smiths, y su influencia sobre muchas de las bandas de la movida Britpop es evidente, a pesar de que, irónicamente, la filosofía opositora y anti-establishment de la banda fuera totalmente contraria a los orígenes completamente comerciales del Britpop.

La canción: es un single que más tarde apareció en una recopilación titulada Hatful of Hollow, y en ella se aprecia el peculiar estilo vocal de Morrisey, suave, controlado y melancólico, apoyado por una guitarra que llena la canción de un ritmo muy animado. El gran contraste de la canción lo aporta la letra: la historia de una persona desesperanzada, a quien ni el alivio temporal del alcohol ni él éxito en la búsqueda de un trabajo logran aliviar; una letra desesperanzada, hasta se podría decir existencialista, que no coincide para nada con la entusiasta música de la canción.
(Puede sonar extraño, pero me parece que este marcado contraste le da un poco más de encanto a la canción)

¿cómo la descubriste?: La verdad no recuerdo muy bien 😅: creo que allá por el 2013 la escuché porque alguien en el trabajo la estaba escuchando, pero estoy casi seguro que ya la había escuchado antes. Sin embargo, fue por el 2013 cuando la canción realmente se quedó conmigo, tanto así que recuerdo haberla posteado en el ya desaparecido This Is My Jam. Lo otro que recuerdo fue que me pegué con la canción en un momento en el que me sentía exactamente opuesto a lo que describe la letra: recuerdo haber pasado por esa época por unos cuantos fines de semana agotadores pero bonitos, y me llamó mucho la atención pegarme con una canción cuya letra describía exactamente lo contrario.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: Su ritmo, y cómo la guitarra lleva ese ritmo y llena la canción; también ese particular estilo de canto que tiene Morrisey. No podría decir que la letra en sí me gusta; más bien creo que lo que me agrada es ese contraste que hace con la música de la canción. Creo que una combinación así puede resultar en una buena catarsis, puede ayudarnos a bailar o cantar las penas, a liberarlas en lugar de quedarnos con ellas.

¿algo más?: siempre 👍🏼 Otra clásica de los Smiths (y favorita personal también) es There Is A Light That Never Goes Out, que también tiene este contraste entre melodía y letra, solo que el tema de la letra va más por la rebeldía adolescente. Y ya que están por ahí, los Smiths tienen varios discos recopilatorios, con muchos de sus singles que no formaron parte oficial de ningún álbum, así que pueden tomar uno de ellos si quieren ahondar en su trayectoria musical.

Eso es todo por este fin de semana. Espero que hayan disfrutado la canción, y que la siguiente semana los trate muy bien. Que la música los acompañe 🤟🏼🤟🏼🤟🏼

¡Buen día songbirds! Aquí estamos, en este mi blog, su blog, nuestro blog 😆, que ha vuelto a las andadas musicales porque sin la música, la vida sería un error. Este fin de semana hemos escogido una artista que ha sabido animar a sus seguidores (y a quien quisiera escucharla) en esta época de aislamiento social, con lo mejor que sabe hacer: su música. Con ustedes, Sophie Ellis-Bextor.

La artista: Nacida en Londres en el año '71, Sophie Ellis-Bextor comenzó su carrera en el año 96 como vocalista del grupo indie Theaudience, el cual lanzó al mundo un solo álbum y logró colocar un par de singles en los charts de Reino Unido. Tres años después, el grupo se separó y Ellis-Bextor se tomó un descanso de un año antes de intentar un camino como solista; iniciando el nuevo milenio, se asoció con el DJ italiano Spiller poniéndole voz a un track titulado Groovejet. La canción ya tenía algo de popularidad en su versión instrumental, pero con la adición de la voz de Ellis-Bextor se disparó hasta el primer lugar de los charts ingleses. Un año después, lanzó su primer álbum, Read My Lips, del que forma parte la canción que estamos escuchando en este momento; esta, junto con Murder on the Dancefloor, llegaron a alcanzar el segundo lugar en los charts del Reino Unido, mientras que los siguientes dos singles, Get Over You y Music Gets the Best of Me llegaron hasta el tercer y decimocuarto lugar de los charts ingleses, respectivamente.
Dos años después de éste éxito arrollador, vio la luz su segundo álbum, Shoot from the Hip, que logró colocar 3 canciones en el top 10, a pesar de que Ellis-Bextor decidió no promocionar el álbum para tomarse un descanso debido a que esperaba a su primer hijo. Por la misma razón, pasarían 4 años hasta que fuera lanzado su tercer álbum, Trip the Light Fantastic. A partir de ese momento, y a pesar de tener ya una vida familiar, se ha mantenido liberando álbumes cada 2 o 3 años, llegando a la cantidad de 6 álbumes de estudio antes de lanzar The Song Diaries, un recopilatorio de sus mejores éxitos en versiones orquestadas, lanzado recién el año pasado; en suma, una carrera musical bastante activa.

La canción: es uno de los singles de su primer álbum, y acabo de leer que en realidad es una nueva versión de una canción del mismo título de Cher. Tiene el estilo propio de toda la música de Sophie Ellis-Bextor, que mezcla el ritmo característico de la música disco con la alegría y sencillez del pop; esto da como resultado un ritmo contagioso sobre el cual se apoya la voz de Ellis-Bextor, melodiosa y dulce sin ser muy aguda ni muy fina. El producto final es una canción muy pegajosa, difícil de soltar e idear para levantar los ánimos.

¿cómo la descubriste?: Honestamente, de Sophie Ellis-Bextor solo recordaba Murder on the Dancefloor, que se puso muy de moda allá por el inicio de los 2000s, y haber visto el video de Get Over You un par de veces y el de esta canción una que otra vez, en aquellas épocas en que MTV aún pasaba música (mirada nostálgica 😆). De ahí, le perdí el rastro hasta el día de hoy, en que unos amigos con quienes comparto algunos gustos musicales me compartieron un video de Sophie Ellis-Bextor cantando sus mejores éxitos desde la comodidad de su hogar 😄, en una serie que ha dado por llamar Kitchen Disco ("cocina disco" o "discoteca en la cocina"). Y aparte de la forma en que logra plasmar su música y el estilo disco desde su hogar - con lo cual se nota mucho un aire de "hecho en casa" - me atrapó la tonada de esta canción, pegajosa y divertida.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: Si bien no es un género que me afane mucho, me gusta el ritmo contagioso que tiene, además de la voz de Ellis-Bextor, que tiene este registro no tan agudo que le da algo de elegancia, sin perder la dulzura.
(Me gusta también su iniciativa de Kitchen Disco, tanto como su propia forma de apoyar dada la crisis sanitaria actual - que también ocasionó que se decretara una cuarentena en Reino Unido -, como una forma de compartir con el resto del mundo ese pequeño mundo que es su hogar: aparte de que los videos son filmados en la sala de su casa, acondicionada con una bola de luces propia de una discoteca, en varios de ellos se puede notar a sus hijos desde participando en los videos hasta simplemente cruzándose o incluso demandando su atención. En cierto modo, la muestra humana y cercana a su público.)

¿algo más?: claro, siempre 😉 Si les gusta su música, no dejen de chequear los videos de la serie Kitchen Disco por aquí. Casi siempre repite sus temas más populares 😅, pero aún así logra colocar sorpresas, como un cover de Madonna en uno de ellos.
(Y chequeando su canal de YouTube para pegar ese enlace, acabo de descubrir que además tiene un podcast, Spinning Plates, donde entrevista a mujeres que compaginan la maternidad con el trabajo. Esta chica no para 😄)

Eso es todo por ahora. Manténganse seguros, y que la música los acompañe 🤟🏼

¡Buen día songbirds! Bienvenidos a una edición más de este musical blog, que algún día volverá al día que indica su nombre, pero que por el momento hace lo que puede 😁. Éste fin de semana traemos a sus oídos a una de las bandas latinoamericanas más importantes de las últimas décadas, que nos ha sorprendido con un tema muy profundo. Con ustedes, Café Tacvba.

La banda: Asociar a Café Tacvba con los hits que sirvieron de música de fondo de mi generación sería, la verdad, hacerles flaco favor, además de tirar por la borda una extensa carrera que ya va abarcando 3 décadas e ignorar la huella que han dejado en la música latinoamericana contemporánea. La banda se formó allá por los años 80, tocando en un garaje de Ciudad Satélite, en México, con un lineup que hasta ahora se mantiene, salvo adiciones para colaborar en la grabación de nuevo material o en las giras: Rubén Albarrán en la voz y la guitarra rítmica, Emmanuel del Real en los teclados, y los hermanos José Alfredo (Joselo) y Enrique (Quique) Rangel, en la primera guitarra y el bajo, respectivamente. Saltaron a los escenarios en el año 1989, dando sus primeros conciertos en el club El Hijo Del Cuervo y recorriendo luego Ciudad de México con su sonido. Es en estos primeros conciertos donde su música captura la atención del productor y compositor Gustavo Santaolalla, quien les ayuda a conseguir un contrato con Warner Music para el lanzamiento de su primer álbum, Café Tacvba, en el año 1992. Si bien este álbum se promovió como "rock en español", dicha etiqueta no le hacía justicia a la variedad estilística de su música, que se desplazaba sin temor entre géneros como el punk, ska, hip-hop, e incluso géneros típicos mexicanos como el norteño o la ranchera. Esta audacia estilística y capacidad para saltar de un género a otro se vería reforzada y amplificada en su segundo álbum, Re, que vería la luz dos años después, en el 94, y que traería consigo muchos de sus éxitos más recordados, como La ingrata, Las flores y El baile y el salón. Sin detenerse ante su gran éxito, dos años después lanzaron Avalancha de Éxitos, un mini-álbum compuesto de covers de canciones conocidas de varios artistas latinoamericanos, como Juan Luis Guerra y Leo Dan, al más puro estilo de Café Tacvba, estilo el cual ya empezaba a tomar forma, a pesar del eclecticismo de la banda.
Tendrían que pasar 3 años esta vez hasta la siguiente creación de la banda, Revés / Yo soy; este plazo más amplio obedeció primero a que la banda se tomó un breve descanso antes de encerrarse en el estudio a experimentar con música electrónica ambiental, y luego a que su disquera, Warner Music (aún), no estuvo de acuerdo en sacar un álbum únicamente de música experimental, y finalmente acordó con la banda lanzar un álbum doble: un disco compuesto de la música experimental que pretendían sacar en un inicio, y un segundo disco con temas más convencionales, para el cual echaron mano de material que habían compuesto pero que aún no había visto la luz. El resultado final les dio tanto a la crítica como al público mucho que disfrutar y discutir, y le dio a la banda un Grammy latino como Mejor Álbum de Rock.
El siguiente trabajo de la banda, Cuatro Caminos, vería la luz cuatro años después (graciosa coincidencia 😄) y los vería entrar con el pie derecho en el nuevo milenio; no contentos con una gran entrada, estos muchachos han sabido mantenerse activos y sumar hitos, años y álbumes a una carrera que acaba de superar las tres décadas, si empezamos a contar desde sus primeros conciertos en Ciudad de México, y que los asienta como uno de los actos más influyentes en la música latinoamericana.

La canción: es parte de su último álbum de estudio, Jei Beibi, y tiene una cadencia muy lenta, una introducción con notas muy suaves de la guitarra y una percusión muy sutil, que luego dan paso a una letra casi susurrada; no es sino casi hasta la mitad de la canción que ésta toma vuelo y nos lleva en un viaje similar al de la flor titular, sobre el viento de la melodía de la canción. Todo esto sirve como apoyo a una letra profunda e introspectiva, una grata sorpresa para quienes recordamos más a Café Tacvba por temas más ligeros como los de su segundo disco.

¿cómo la descubriste?: Gracias, nuevamente, a los Tiny Desk Concerts de NPR; mientras buscaba música para acompañar el home office, encontré en la lista de videos de la cuenta en YouTube de NPR, un video que correspondía a la presentación de Café Tacvba en este segmento organizado por esta radio pública estadounidense. Curioso y gratamente sorprendido, le di a "reproducir", y después de la movida Olita de Altamar, vino este gran tema, que me atrapó casi de inmediato y casi por completo.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: Me gusta mucho la melodía, lo cadenciosa que es la canción, casi solemne; pero lo que más me agrada - y lo que más me sorprendió - fue la letra: para alguien que recordaba a Café Tacvba principalmente por sus letras juguetonas y despreocupadas de sus éxitos de los 90s, encontrar una letra tan profunda e introspectiva ("quiero guardar silencio para escucharme bien / dejar de ser un sordomudo de mi propio ser / poder vivir en armonía otra vez") fue una muy grata sorpresa.

¿algo más?: obvio 😆 La abundante y variada carrera de los Tacvba tiene suficiente material para dejarlos entretenidos por un buen rato; si además son de la generación en la que MTV pasaba música 🤣, les agradará saber que Café Tacvba es el primer grupo latinoamericano que ha grabado 2 conciertos en el conocido formato unplugged; ambos se encuentran en Spotify (que no nos auspicia pero algún día lo hará 😆), y si no, seguramente podrán encontrarlos en alguna otra plataforma.
Y si les interesa escuchar su participación en los Tiny Desk Concerts, el video en cuestión está aquí.

Eso es todo por este fin de semana. Tengan una gran semana, y que la música los acompañe 🤟🏼.

¡Buen día songbirds!
Lamento que este blog haya estado ausente por tanto tiempo; el home office, los pendientes (que ni siquiera estando en casa dejaron de acumularse) y otros hobbies 😅 me mantuvieron distraído. Pero ya estamos de vuelta, seguimos con la música, la única que nos puede hacer viajar sin salir de casa, y que esta vez nos lleva (nuevamente) hasta Australia con un psicodélico proyecto musical. Con ustedes, Tame Impala.

El artista: Kevin Parker, multi-instrumentista australiano, es la persona detrás de éste proyecto musical, y es quien se encarga de componer, interpretar, grabar y producir toda la música que sale del estudio hacia el mundo bajo el nombre de Tame Impala. El proyecto nació allá por el 2007, en la ciudad australiana de Perth, como un proyecto casero y un par de pistas subidas a MySpace; estas pistas llamaron la atención de algunos sellos discográficos independientes, y fue finalmente Modular Recordings con quienes Parker firmó al año siguiente. Poco después de esta firma, el primer EP, titulado Tame Impala, vería la luz, alcanzando los primeros puestos en varios charts locales y buena rotación de algunas de sus canciones en la radio australiana Triple J.
Para llevar la música a su público, Parker enlistó la ayuda de Dominic Simper en el bajo y Jay Watson en la percusión (quienes hasta la fecha lo acompañan en las presentaciones en vivo) y se lanzó a girar, primero como telonero de bandas como MGMT o The Black Keys y en festivales locales durante el 2008, y durante el 2009 en giras propias que tuvieron lugar tanto en Australia como en Reino Unido. Es en una de estas giras en Reino Unido donde aprovechan para grabar su primer single como tal, Sundown Syndrome, en Marzo del 2009; para la segunda mitad del año, ya de vuelta en casa, siguen con las giras nacionales en apoyo a su primer single.
Sería recién en el 2010 que su primer álbum completo, Innerspeaker, vería la luz, siendo bien recibido por el público y la crítica - el magazine online Pitchfork lo nombró como Mejor Nueva Música de aquel año, y la radio nacional Triple J lo eligió como Álbum del Año. Afortunadamente, los álbumes que han seguido han sabido mantener esa buena recepción tanto con el público como con la crítica: Lonerism en el 2012, Currents en el 2015 (al cual pertenece la canción que estamos escuchando en este momento), y el tan esperado por los fans The Slow Rush, que llegó recién a inicios de este año, después de unos 5 años de espera. A través de estos álbumes, Parker ha sabido explorar diversos rincones de la música psicodélica, creando pistas que nos conducen a paisajes sonoros que parecen de ensueño y melodías envolventes que parecen de otro mundo.

La canción: forma parte del tercer álbum de su discografía, Currents, y comienza con unos poderosos golpes de bajo que arman el ritmo de una canción que el mismo Parker describe como entre disco y funk. El mismo potente ritmo acompaña la totalidad de la canción, sirviendo de base a la voz de Parker, a la cual las distorsiones del vocoder le dan el aire psicodélico que forma parte del estilo inconfundible de la banda.
Si bien leo por ahí que, musicalmente, el álbum utiliza mayormente los ritmos y progresiones armónicas del rhythm and blues, tengo la impresión de que ésta canción es la que tiene el ritmo más contagioso; se podría decir que hasta es bailable.

¿cómo la descubriste?: No recuerdo bien, la verdad 😅, pero, por la fecha de lanzamiento del álbum, debo haberla escuchado por una de mis radios locales favorita, o vía Internet. Pero sí recuerdo cómo llegó a mi hace unos meses: recorriendo por ahí los videos relacionados en YouTube, llegué a una versión en vivo grabada para la radio australiana Triple J, y me sorprendió un poco como, a pesar de ser una canción cuidadosamente grabada en estudio, ésta versión en vivo sonaba muy similar. Así que dije "es hora de que todos conozcan a estos muchachos" 😆, y aquí estamos.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: el ritmo, la verdad, tiene uno muy contagioso, ese bajo súper potente hace mucho por la canción. Y en general, la canción es bien upbeat, muy animada.

¿algo más?: Claro, siempre 😉. La canción tiene un video; haciendo honor al estilo musical de la banda, dicho video es bastante psicodélico, e incluso muy extraño por momentos 😄.
(Y por otro lado, acabo de escuchar su primer single, Sundown Syndrome, y la verdad que está muy bueno, denle una escuchada)

Eso es todo por hoy, amigos. Cuídense mucho, sigan manteniendo la distancia social, y que la música los acompañe.

¡Buen día songbirds! Sean bienvenidos a un fin de semana más de música, en este mi blog, su blog, nuestro blog 😆, que aprovecha la calma del Domingo para entregarles algo de música. En esta ocasión, ponemos los reflectores sobre una joven artista con un explosivo talento musical. Con ustedes, desde Australia, Tash Sultana.

La artista: Desde que recibió una guitarra como regalo de su abuelo a la edad de 3 años, Tash Sultana (nacida en Melbourne como Natasha Sultana) comenzó a desarrollar su talento musical y un estilo muy peculiar, creando canciones envolventes que ponen a prueba los límites de lo que se puede hacer con los diversos instrumentos que domina y su particular estilo de canto. Inició su carrera musical tocando en las calles y en noches de micrófono abierto, y del 2008 al 2012 fue vocalista de la banda Mindpilot, con quienes ganó múltiples ediciones de Battle of the Bands en su ciudad natal. En el 2016, compartió en redes un video hecho en casa de Jungle, la canción que estamos escuchando en este momento, que llegó al millón de visitas en 5 días solamente; tal éxito le hizo merecedora de diversos premios a nivel local en Australia e hizo despegar su carrera, llevándola primero a tocar en diversos festivales en Australia y luego a un tour internacional que llegaría a Nueva Zelanda, el Reino Unido y Europa. Su primer álbum de duración completa, Flow State, vendría recién en el 2018, con el correspondiente tour promocional al año siguiente, y colaboraciones con artistas como su compatriota Matt Corby y los alemanes de Milky Chance (con muy buenos resultados, déjenme decirles 😉).
Todas sus actuaciones hasta ese momento habían estado a cargo únicamente de Sultana, hasta inicios de este año, en que decidió reclutar miembros para una banda que la apoye a tocar en vivo; en Abril de este año se completó esta alineación, y su primer resultado fue el single Pretty Lady.

La canción: fue la que se volvió viral en las redes sociales y prácticamente le dio fama a nivel mundial, y además forma parte del EP Notion. En ella, las múltiples formas en que Tash Sultana puede hacer cantar a su guitarra eléctrica se fusionan en una canción envolvente, con un poderoso ritmo, además de servir como gran apoyo para su estilo vocal, melodioso pero potente a la vez.

¿cómo así la descubriste?: En realidad, de Tash Sultana solo había escuchado el nombre hasta hace un par de semanas, cuando elegí escuchar la edición de los Tiny Desk Concerts de NPR en la que se presentaba. Me dio curiosidad su nombre 😅, y como me parecía ya haberlo visto antes, quise darle una escuchada: el resultado no decepcionó para nada 🤩. La primera canción del concierto era, justamente, Jungle, así que fue una maravillosa primera impresión.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: Las distintas formas en que participa la guitarra eléctrica, y cómo éstas van construyendo la canción, capa por capa; el potente ritmo rockero que posee, y la forma de cantar de Tash Sultana, melódica pero cruda, acercándose por momentos al rap por la rapidez con la que vocaliza. Todo eso crea una canción que te termina arrastrando con su fuerza.

algo más: Claro, siempre 😉. Si quieren revivir mi experiencia, les animo a escucharla en esta edición de Tiny Desk Concert, que fue la que me impresionó. Y después de eso, están más que invitados a recorrer su discografía, que tiene un estilo más bien variado, como para que no se aburran 😄.

Eso es todo por este fin de semana. Cuídense mucho, y que la música los acompañe 🤟🏼. ¡Nos vemos el otro finde!

¡Buen día songbirds! Bienvenidos a una semana más de música aquí en Friday Songbird, el blog que ya cumplió 2 años pero aún no cumple con postear los Viernes 😅. En esta ocasión, tenemos de vuelta a una artista que fue parte del lado B de nuestro recuento de la década pasada, y que ha regresado este año con un nuevo disco que promete. Con ustedes, La Roux.

La artista: La Roux fue inicialmente el nombre del dúo formado por la cantante británica Eleanor "Elly" Jackson y el productor Ben Langmaid. Su álbum debut, La Roux, vio la luz en Junio del 2009, e incluyó pistas como In for the Kill y Bulletproof, que alcanzaron posiciones altas en los charts del Reino Unido y les hicieron ganar no solo seguidores, si no hasta un Grammy por Mejor Álbum de Electrónica / Dance en el 2011. Su segundo álbum, Trouble in Paradise, vino en el 2014, y en él se incluye la canción Let Me Down Gently (la que formó parte del lado B de nuestro recuento de la década). Éste segundo álbum mantuvo el estilo rítmico, medio dance de su debut, pero, en palabras de Elly Jackson, es un álbum "más sexy"; de hecho, un comentario que hizo ella acerca de la música que se supone que tiene un contenido sexual explica muy bien la esencia del álbum:

Mucha de la música que es algo sexual es agresiva, pero la música en sí no suena sexy—suena a gente gritando '¡Mira mi trasero! ¡Mira!' Eso no me excita, me aterra

(De hecho, es una de las razones por las que Let Me Down Gently es una de mis favoritas: no es explícita, pero suena muy sensual, el sonido mismo de la canción es sexy)

El segundo álbum también marcó la separación de Langmaid del dúo; en adelante, La Roux sería solamente el nombre artístico de Jackson. Ella sola emprendería la creación de su más reciente álbum, Supervision, que vio la luz a inicios de este año, y del cual forma parte la canción que hoy estamos escuchando; un álbum que conserva en algo la sensualidad del disco anterior, pero un poco más movido, muy rítmico.

(Como dato curioso, el nombre "La Roux" es un juego de palabras en francés que mezcla la palabra para 'rojo' en masculino (roux) con el artículo femenino; el resultado sería algo así como decir "la rojo", y hace referencia a la apariencia andrógina de Elly Jackson en el escenario)

La canción: fue el segundo single promocional del último álbum y está listado al final del mismo. Con una duración de poco más de 7 minutos, es una canción bastante extensa, y se notan como dos partes de la misma, que mantienen en común la percusión electrónica, que le da un ritmo bastante contagioso a la canción, y las notas del piano, que sirven como apoyo perfecto a la voz de Elly Jackson, no solo melodiosa si no también con estos quiebres y aderezos que le dan el toque sexy a la canción.

¿cómo la descubriste?: Por recomendación en realidad: resulta que yo sigo en Instagram a Bryan Lee O'Malley, un autor de novelas gráficas como la serie de Scott Pilgrim, y hace unas semanas él publicó un dibujo que hizo con el nombre de la canción, y dijo que desde que la escuchó se había obsesionado con la canción. Y yo, obviamente, no pude con la curiosidad 😁 y la busqué... y corrí la misma suerte, me pegué con la canción 🤩.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: La forma en que canta Jackson - no solo su voz, si no la forma en que canta, sabe darle un toque sexy a su canto, lo cual, junto con el ritmo contagioso de la canción, la convierten en una que se puede escuchar una y otra vez sin cansarse.

algo más: claro, siempre 😉. No podemos dejar de recomendar el resto de la discografía de La Roux; son solo 3 discos, así que no hay excusa para recorrerla en su totalidad.

Eso es todo por esta edición de Friday Songbird. Cuídense mucho, y que la música los acompañe 🤟🏼🤟🏼🤟🏼.

¡Buen día songbirds! Sean bienvenidos a un fin de semana más de música. Hoy hemos llegado (por fin!) al final de nuestro recuento musical de la década, y para cerrar, tenemos a una leyenda del grunge que regresó a fines de la década pasada para regalarnos nuevamente algo de su talento. Con ustedes, Chris Cornell.

El artista: Nacido en Seattle a mediados de las 60s, Cornell inició su camino en la música cuando era adolescente, tocando batería en una banda local de covers. Dejó la secundaria y trabajó un tiempo como cocinero antes de comenzar a formar Soundgarden, que pasaría a ser una de las bandas más notables e influyentes de la escena grunge de finales del siglo pasado, y la primera en firmar con una disquera mayor, A&M, con quienes sacaron Louder than Love en el 89. Después de algunos cambios de alineación, Soundgarden continuó su producción musical, con 3 discos más que afianzaron el lugar de la banda y vieron mejorar la calidad vocal de Cornell. Mientras tanto, su talento se expandía a otros proyectos, como Temple Of The Dog, banda con un único álbum del mismo nombre, creada como tributo a la muerte de Andrew Wood, y compuesta por los miembros de Mother Love Bone, la banda en la que éste último cantaba antes de su fallecimiento.

Para cuando Soundgarden se separó, en Abril del 97, Cornell ya había desarrollado suficiente talento para lanzarse a un proyecto solista; dos años mas tarde, vería la luz Euphoria Morning, un trabajo en el que deja un poco de lado las potentes guitarras de su época con Soundgarden y le da más énfasis a su voz. Al año siguiente, en el 2000, decide unir fuerzas con los ex-miembros de Rage Against The Machine - despues de la partida del vocalista Zack de la Rocha - para formar Audioslave, banda que alcanzó gran popularidad a inicios del nuevo milenio. Después de 3 álbumes de gran éxito, Cornell dejó el proyecto en el 2006 y regresó a su carrera solista al año siguiente, con dos álbumes, en el 2007 y el 2009, que lo vieron explorar otras direcciones musicales.

En el 2010, Soundgarden se reuniría para regresar a los escenarios, encabezando el festival Lollapalooza y sacando un par de álbumes recopilatorios. Un par de años después - y luego de un breve regreso a su carrera como solista - un nuevo disco de Soundgarden vería la luz, King Animal. Cornell regresaría nuevamente a su carrera solista para grabar Higher Truth, lanzado en el 2015, antes de volver con Soundgarden en el 2016.
La banda preparaba nuevo material cuando, lamentablemente, Cornell se quitó la vida a mitad del tour que realizaban por Estados Unidos en el 2017. A manera de tributo, al año siguiente se lanza el recopilatorio Chris Cornell, con los mejores temas de su carrera.

La canción: formó parte originalmente del soundtrack de la película Grandes esperanzas (IMDB), y en ella, a diferencia del estilo de Soundgarden o Audioslave, hay predominio de instrumentos acústicos, con solo unos cuantos efectos de sonido para complementar la melodía, y una dosis justa de guitarra eléctrica y percusión rockera al final, para dar de potencia al tema. Aunque, siendo justos, mucha de la potencia del tema la pone el espectacular desempeño vocal de Chris Cornell.

¿cómo así la descubriste?: Si mal no recuerdo, Spotify me la sugirió des pues del lanzamiento del recopilatorio póstumo Chris Cornell; eso fue como a finales del 2018, pero me gustó tanto la canción que se quedó conmigo durante la primera parte del 2019. (Y para fortuna de este recuento 😄, no la llegué a postear aquí, así que ahora la comparto con ustedes)

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: Yo conocía a Chris Cornell más que nada por su participación en Audioslave y Soundgarden (en ese orden), así que me gustó mucho encontrar una canción con otro estilo, tal vez más calmado, pero en toda la potencia de su voz, la misma potencia que ayudó a hacer de Soundgarden y Audioslave grandes bandas.

¿algo más?: claro, siempre 😉. Les recomiendo el recopilatorio Chris Cornell para un buen recorrido por su carrera; ya les tocará a ustedes decidir cuál parte es su favorita.

Así llegamos al final de este recorrido musical por la década de los 2010s. Pero... la música sigue, así que manténganse en sintonía, y sobre todo, manténganse en sus casas, y que la música los acompañe 🤟🏼. ¡Nos vemos!

¡Buenos días songbirds! Bienvenidos sean a un episodio más de Friday Songbird, el único blog que les permite viajar durante la cuarentena... sobre las alas de la música 😉.
El día de hoy hemos llegado a un punto especial de nuestro recuento de la década: el 2018, año en que se inició este blog 🎉🎉🎉. Y por ello... la tuvimos difícil al momento de elegir la canción, porque casi todas nuestras canciones notables del 2018 fueron ya posteadas en los inicios de este blog 😅. Afortunadamente, hemos encontrado una joya oculta, que no llegamos a compartir en su momento: desde Suecia, llega Lykke Li para encantarnos con su estilo de indie pop.

La artista: Lykke Li es el nombre artístico de Li Lykke Timotej Zachrisson, cantante, compositora y modelo nacida en Suecia allá por el año 1986. Nació en el seno de una familia artística - su madre es fotógrafa y su padre forma parte de la banda de punk-reggae Dag Vag - e itinerante - pasaron algunas temporadas en Portugal, Marruecos, Nepal e India - lo cual posiblemente ha influenciado en su decisión de armar una carrera musical y en su estilo. Cuanto contaba con 21 años de edad, graba su primer EP, titulado Little Bit; un año más tarde, en el 2008, graba su primer álbum de extensión completa, Youth Novels, que resulta siendo un éxito a nivel internacional. Su segundo álbum, Wounded Rhymes, lanzado en el 2011, cuenta con canciones muy rítmicas y efectos vocales que crean música que te envuelve, y se convirtió en otro éxito tanto en Escandinavia como en los Estados Unidos, en cuyo Top 40 se colaron algunos singles como I Follow Rivers o Youth Knows No Pain. Después de un tour por Europa y Norteamérica, apariciones en festivales y colaboraciones en otros proyectos, Lykke Li regresó al estudio en el 2013 para grabar su tercer álbum; al año siguiente, vería la luz I Never Learn, un álbum descrito como más "introspectivo", centrado además alrededor de una ruptura amorosa, y bastante bien recibido por la crítica. En el 2016, hizo equipo con otros artistas suecos y estadounidenses para formar el grupo Liv, con quienes llegó a sacar 4 singles antes de retomar su carrera como solista en el 2018. so sad so sexy, lanzado ese mismo año, la ve tomar una dirección diferente a sus trabajos anteriores, colaborando con otros músicos e incorporando elementos del trap y sonidos propios de las tendencias de final de la década.

La canción: es parte del último trabajo de Lykke Li, y en ella colabora con Aminé, cantante y rapero estadounidense, para crear un tema que comienza muy apacible, con solo unas notas de piano y la voz de Li, pero que luego va incorporando algunos efectos, primero, que aderezan la canción, y luego una base rítmica que le da - valga la redundancia - ritmo a la canción, un ritmo que se va intensificando hasta su calmado estallido con la intervención de Aminé, con la cual la canción desemboca en el trap, para luego terminar, del mismo modo en que empezó, solo con la voz de Li poniéndole un suave fin al tema.

¿cómo la descubriste?: no recuerdo bien 😅, pero sospecho que vía Spotify, que me la debe haber colado en los playlists de Descubrimiento semanal o Radar de Novedades, porque ésta sí fue lanzada en el mismo año que la descubrí.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: Me gusta cómo comienza solo con notas de piano y la voz de Lykke Li, y luego de a pocos va añadiendo todos estos otros elementos, hasta que al final la intervención de Aminé le da un cierre que encaja perfecto con la energía que se va construyendo de la canción, y como - a manera de broche de oro - la canción comienza justo donde empezó.

algo más: claro, siempre 😉. Si les gusta el estilo de esta canción, les recomiendo el último disco, del cual son también muy interesantes jaguars in the air o sex money feelings die. Si les da curiosidad el resto de la carrera de Lykke Li, pueden escoger cualquier de sus discos anteriores: para muestra, pueden comenzar con I Follow Rivers (del segundo álbum) o No Rest For The Wicked (del tercer álbum). Además, el año pasado se lanzó still sad still sexy, un EP con remixes de algunas canciones del último álbum y un par de temas inéditos (tiene un remix de la canción de este post que suena interesante).

Eso es todo por este fin de semana particularmente extenso. Sigan en sus casas, sigan cuidándose, y que la música los acompañe 🤟🏼.

¡Buenos días songbirds! Bienvenidos a un nuevo fin de semana de música en este blog, que espera que todos se encuentren en sus nidos y que la estén pasando bien, dentro de lo que permiten las circunstancias. Siguiendo con el recuento de la década pasada, este fin de semana tenemos el último trabajo de un grupo canadiense que no teme explorar y combinar diferentes estilos para crear su música. Con ustedes, Arcade Fire.

La banda: Formados a inicios de los 2000s en Montreal, Arcade Fire está compuesto por Win Butler, Régine Chassagne, William Butler (hermano de Win), Richard Reed Parry, Tim Kingsbury y Jeremy Gara, y su trabajo es difícil de encajar en un solo género musical, debido a las diversas influencias que sus miembros aportaron a la música de la banda. Para el año 2003 lanzaron un EP que llevaba el mismo nombre de la banda, grabado en Maine, Estados Unidos, y que llamó la atención de la disquera indie Merge Records, con quienes firmaron contrato para su primer álbum completo. Al año siguiente, vería la luz Funeral, un álbum con una temática sombría (fue inspirado por las muertes de familiares cercanos de varios miembros de la banda), pero con una energía y un estilo que les valieron tanto el éxito comercial como la aclamación de la crítica, llegando a figurar en muchas listas top 10 del año 2004. Este éxito trajo consigo un año agotador para la banda, quienes se encontraron casi constantemente haciendo tours y llegando a participar en festivales de la talla de Lollapalooza y Coachella, sin contar la oportunidad de cantar con el gran David Bowie (quien se confesó fan de la banda) y hacer un tour con U2.
Después de este agotador año, la banda se retiró a las afueras de Montreal para trabajar en su segundo álbum; en marzo del 2007, fue lanzado Neon Bible, un álbum ambicioso, que incorporó elementos tales como un órgano de pipas, un coro militar y una orquesta completa. Para promoverlo, la banda volvió a hacer un tour que terminaría a inicios del 2008; después de unos cuantos shows en apoyo de la candidatura presidencial de Barack Obama, volverían al estudio para dedicarse a su tercer álbum, The Suburbs, que también sería muy bien recibido tanto por el público como por la crítica, y cuyo éxito se vería reflejado en llenos totales en los múltiples conciertos que dieron alrededor del mundo para promocionar el álbum.
De vuelta al estudio a fines del 2012, la banda lanzó Reflektor en octubre del 2013, y mantuvo su racha de éxitos tanto comerciales como críticos; desafortunadamente, esta racha se rompió con el álbum Everything Now, del 2017, que por primera vez recibió críticas más bien tibias; daba la impresión que la banda se había enredado un poco en su propio estilo.

La canción: es el single promocional del último álbum, del mismo nombre, y es la única que recibió críticas positivas del álbum. Tiene un inicio con notas de piano que nos muestra desde ya la energía de la canción, y un ritmo contagioso y alegre que contrasta un poco con la temática de la canción: una crítica a la sociedad moderna y al modo de vida en que todo está disponible y en el que la sobreabundancia, lejos de brindarnos felicidad, nos aleja cada vez más de ella.

¿cómo así la descubriste?: Irónicamente, por las facilidades de la vida moderna 😅: siempre me gustó mucho otro tema de Arcade Fire, Wake Up (de su primer disco), y entonces el algoritmo de Spotify tuvo a bien poner en mi radar el nuevo lanzamiento de la banda allá por el 2017. Y esta vez acertó 🤖👍🏼.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: Musicalmente, me gusta mucho su energía: desde las notas del piano del inicio, la canción te arrastra con toda su potencia, y tiene un ritmo que no te deja descansar si no hasta el final de la canción, en el que sientes que toda esta corriente frenética tiene por fin un descanso, un final.
Ahora bien, personalmente... 2017 justo fue también el año en que descubrí a The Minimalists, y en que pude leer uno de sus libros, Everything That Remains, y empecé a seguir su camino de simplicidad, de eliminar lo superfluo para quedarse solo con lo esencial, para tratar de ordenar mi propia vida; fue una curiosa coincidencia que una de mis canciones favoritas del año tratara justamente de lo contrario, de cómo el querer tenerlo todo y no perderse de nada al final hace que no disfrutemos de nada.
(Y demás está mencionarlo: una filosofía de vida que te ayuda a quedarte solo con lo esencial es de gran ayuda para las circunstancias actuales)

¿algo más?: Cómo no 😉. No lo mencioné en la reseña de la banda, pero Arcade Fire siempre han estado muy involucrados en activismo, en especial en apoyo a Haití, ya que Régine Chassagne es de ascendencia haitiana; en numerosas ocasiones, han realizado shows en beneficio de asociaciones de ayuda o han donado parte de los ingresos de sus conciertos a dichas organizaciones.
Y si quieren conocerlos más, musicalmente hablando, les recomiendo mi favorita personal, Wake Up, del disco Funeral; tiene una energía arrolladora que nunca deja de gustarme. Y ya que están por allí, aprovechen para escuchar el disco entero, y juzguen por sus propios medios.

Eso es todo por este fin de semana, songbirds. Quédense en casita, cuídense mucho, y que la música los acompañe 🤟🏼.

¡Buen día songbirds! Bienvenidos a un fin de semana más en este blog, que apoya el aislamiento social quedándose en casa y recomendado música nueva para que puedan escuchar desde sus respectivos hogares. Este fin de semana seguimos recorriendo musicalmente la década pasada, esta vez acompañados con una banda que se quedó en nuestro recuerdo del 2016. Con ustedes, Temples.

La banda: Temples se formó allá por el 2012 en Kettering, Inglaterra, cuando se juntaron James Bagshaw (voz y guitarra) y Tom Warmsley (bajo) para emprender lo que inicialmente sería un proyecto de home studio. Subieron 4 canciones producidas por ellos mismos a YouTube, y terminaron llamando la atención de la disquera independiente londinense Heavenly Recordings, quienes aceptaron lanzar su primer single - justamente la canción que estamos escuchando en este momento - en Noviembre del 2012. Poco después, reclutaron la ayuda de Samuel Lloyd Toms para la batería y Adam Smith para los teclados, de modo que pudieran completar una alineación que les permitiera tocar sus canciones en vivo. Una vez completa su alineación, se lanzaron a tocar en varios festivales en Reino Unido y Europa, y tuvieron la oportunidad de ser teloneros de bandas como Kasabian y The Vaccines; con esta experiencia acumulada, en Octubre del 2013 iniciaron su primer tour por Reino Unido. Al año siguiente, en Febrero del 2014, vio la luz su primer álbum, Sun Structures, y en apoyo al mismo, se embarcaron en otro tour por Europa, América del Norte y Australia, llegando incluso a tocar en vivo en show como The Tonight Show Starring Jimmy Fallon y The Ellen Degeneres Show. Después de este primer álbum, los muchachos de Temples han seguido activos, sacando singles y tocando en festivales europeos hasta el lanzamiento, en 2017, de su segundo álbum, Volcano. Hasta donde sabíamos, ese era su último álbum... hasta que revisamos su perfil en Spotify para escribir este post, y nos enteramos que a fines del año pasado sacaron otro álbum, titulado Hot Motion; será ocasión de darle una escuchada.

La canción: es el primer single de la banda, y además la primera pista de su álbum debut, Sun Structures. Comienza con unas notas de guitarra eléctrica muy simpáticas, con un efecto de distorsión que a mí me suena como a rock antiguo, de los 60s tal vez; si le hacemos caso a la Wikipedia, diríamos que es un efecto característico del rock psicodélico. Las voces, que entran varios tiempos después, refuerzan este estilo, con los ecos y el sonido medio lo-fi que contribuyen a crear esta sensación medio de ensueño propia de la psicodelia.

¿cómo los descubriste?: Resulta que esas primeras notas de guitarra eran la cortina de un comercial de Radio Doble Nueve allá por fines del 2015 / inicios del 2016, y me llamaron mucho la atención. De ahí, no recuerdo si fue en la misma Doble Nueve o en Spotify donde escuché la canción completa, pero apenas supe cuál era, la añadí a mi playlist de aquella época, y se quedó como una del recuerdo del verano del 2016.

¿qué es lo que te gusta de la canción?: Tiene como este aire a rock antiguo, psicodélico, con esto de las guitarras distorsionadas y las voces con eco, y a la vez tiene buen ritmo, es upbeat, es una canción ideal para animarse.

algo más: Claro, de todas maneras 😉. Del mismo álbum debut, otro tema que me gusta es Keep in the Dark, y del álbum siguente, Volcano, una que me agrada es Certainty, que es más acelerada, tiene un estilo un poco diferente. Y ya que acabamos de descubrir que estos muchachos sacaron un nuevo álbum a fines del año pasado... acompáñennos a descubrirlos.

Eso es todo por este fin de semana. Cuídense, manténganse en casa, y que la música los acompañe.

¡Buen día songbirds! Bienvenidos a un fin de semana más de música en este modesto blog, que apoya como puede y les recomienda buena música para que puedan escuchar desde sus casitas 😄. Hoy retomamos el recuento musical de la década con una canción de un álbum lanzado en el 2014, pero que representó algo especial para nosotros en el 2016. Con ustedes, The War On Drugs.

La banda: Alguna vez, The Hype Machine describió el sonido de The War On Drugs como "el rock clásico del mañana, hoy"; no sabemos qué tan acertadas resulten sus predicciones, pero desde que escuchamos el álbum al que pertenece esta canción, les damos la razón.
Este sonido nació allá por el año 2003, cuando Adam Granduciel y Kurt Vile se conocieron en una fiesta y descubrieron su mutua admiración por Bob Dylan, lo que los motivó a empezar a trabajar juntos en material para formar una banda. Dos años más tarde, con suficiente material, nació The War On Drugs; después de algunas idas y venidas, la formación final quedó con Granduciel en la voz, la guitarra y los teclados, Vile en voz y guitarra, Charlie Hall en órgano y batería, Dave Hartley en el bajo y Kyle Lloyd en batería y percusión. Con esta alineación, se empezaron a hacer conocidos en la escena musical de su natal Filadelfia y a ganarse algunos fans en Nueva York con uno que otro show por allá. En el 2007 armaron un EP de cinco canciones titulado Barrel of Batteries; esto, junto a la potencia de sus shows en vivo, llamaron la atención del sello independiente Secretly Canadian, con quienes lanzaron su primer álbum completo, Wagonwheel Blues, en el 2008. A fines de ese mismo año, Vile, Hall y Lloyd dejan la banda (Vile posteriormente se enfocaría en su carrera como solista); para seguir adelante, The War On Drugs recluta al baterista Mike Zanghi, y con su apoyo sacan otro EP, titulado Future Weather y lanzado al público en el 2010. Un año después, se les une Robbie Bennett en la guitarra y los teclados, y sacan su segundo álbum completo, Slave Ambient.
Tres años después, la banda lanza el álbum Lost in the Dream, que refleja el proceso de depresión por el cual había pasado Granduciel después de regresar de gira y tras haber terminado una relación de varios años; el álbum recibe críticas muy favorables y no hace si no aumentar la exposición de la banda. Tras tres años más y algunos cambios de alineación adicionales, la banda lanza en el 2017 su cuarto álbum, y último hasta la fecha, A Deeper Understanding, un éxito también si consideramos que se llevaron el Grammy a Mejor Álbum de Rock al año siguiente.

La canción: es el octavo track del álbum Lost In The Dream, y tiene el sonido rockero que caracteriza un poco al álbum, la base de la batería y la guitarra complementada con el sonido del teclado, pero con un tono más animado que las canciones anteriores. Sucede que, como comentábamos en la historia de la banda, Lost In The Dream es un álbum que refleja la depresión por la que pasó Granduciel, al regresar de la gira que hizo en apoyo a su anterior álbum a una ciudad que ya no sentía como suya, y a una relación sentimental de años que terminó por romperse. Muchas de las canciones reflejan este sentir; sin embargo, Burning es la canción que lo ve encontrar una luz al final del túnel, que lo ve transformar la quemazón (burning) del dolor en una luz para iluminar la oscuridad de su depresión, y todo eso se ve reflejado musicalmente.

¿cómo la descubriste?: No recuerdo exactamente 😅, pero sí recuerdo que el álbum lo descubrí al año siguiente de su lanzamiento, si no fue vía Spotify fue vía la radio Doble Nueve. Y recuerdo también que de todas las canciones que descubrí del álbum, esta fue la que menos se quedó conmigo originalmente. Regresó a mi radar cuando la escuché como parte del soundtrack de la película Ciudades de Papel, porque me pareció genial que una canción no tan conocida pero que yo sí reconocía formara parte del soundtrack de una película.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: A nivel musical, me gusta cómo la canción es más animada, más upbeat que las otras canciones que me gustaron del álbum, cómo se nota esa fuerza rockera y ese cambio de humor, a lo cual contribuyen la percusión y la guitarra, más animadas en esta canción.
Ahora bien... a nivel personal, a finales del 2015 yo pasaba por circunstancias parecidas a las de Adam Granduciel - aunque mucho menos fuertes - y escuchar esta canción en el verano del 2016, mientras salía a correr frente a la playa, fue alucinante, hizo que la canción pasara de ser una canción que simplemente me agradaba a ser casi un himno, un testimonio a mi recuperación, a los malos ratos que estaba dejando atrás; es por eso que hasta el día de hoy sigue siendo una de mis favoritas.

algo más: Claro, siempre. Después del Lost In The Dream, The War On Drugs lanzó otro álbum más, A Deeper Understanding, cuyo single, Holding On, también me gustó mucho porque mantiene el estilo rockero de la banda, así que si les gustó este track de seguro les agradará ese también.

Eso es todo por este fin de semana. Cuídense mucho, manténganse seguros, lávense bien las manos, traten de no salir de casa, y que la música los acompañe 🤘🏽.

¡Buenos días songbirds! Sean bienvenidos a un fin de semana más de música. Hoy vamos a retomar nuestro recuento musical de la década con una canción lanzada en la primera década del siglo, pero que, por azares de la vida, llegó a nuestros oídos recién casi llegando a la segunda mitad de la década pasada. Con ustedes, Noisettes.

La banda: Formados en Londres en el año 2003, Noisettes se forma cuando se juntan Dan Smith - a cargo de la guitarra - y Shingai Shoniwa - encargada de la voz y el bajo; después de haber visto en televisión a Jamie Morrison encargándose de la batería de la banda Willis, Smith decide reclutarlo para completar la banda. Después de unos años causando sensación en la escena local londinense, gracias a su aguerrido estilo de índice rock con toques garajeros y de punk, y de grabar un EP que atrajo las miradas de varias bandas locales, se deciden en el 2007 a lanzar su primer álbum, What’s the Time Mr. Wolf?, en el cual conservan todavía la energía rockera que los hizo notorios en sus primeros años. Un par de años después, lanzan el single Don't Upset The Rhythm, que pasaría a formar parte del álbum Wild Young Hearts, que vio la luz al año siguiente y que vio a la banda lanzarse en una dirección totalmente diferente, mucho más pop y con influencias de la música disco; a ese álbum pertenece la canción que estamos escuchando hoy. Ese mismo año (2010), Morrison deja la banda, y el dúo de Smith y Shoniwa siguen adelante con el proyecto, grabando un cover de la canción Ever Fallen in Love (With Someone You Shouldn't've) de los Buzzcocks y volviendo a grabar una canción de su primer disco para el soundtrack de una de las películas de la saga Crepúsculo. Su álbum más reciente, Contact, fue lanzado en el 2012 y vio a la banda lanzarse en direcciones más variadas aún, cruzando múltiples barreras de género musical.

La canción: forma parte de su segundo álbum Wild Young Hearts, y se trata de una canción con una cadencia lenta, casi una balada, que sin embargo no pierde en fuerza: las notas claras de la guitarra eléctrica son apoyadas por una percusión muy sutil y hacen un gran contrapunto con la voz fiera y potente de Shoniwa. Si le añadimos a eso unos cuantos efectos de sonido, tenemos esta canción que podría considerarse como una power ballad, por esa forma que tiene de entregar toda esa fuerza a pesar de ser una canción con un ritmo más bien pausado.

¿cómo así la descubriste?: no recuerdo 😅 Solo recuerdo un par de cosas: que la descubrí vía Spotify, y que lo único que recordaba de la canción después de la primera escuchada, es que me gustaba 😆. Tanto así que creo que regresé al mismo playlist para encontrar la canción, y luego la escuché tantas veces que Spotify me hizo roche en mi resumen anual con una frase tipo "no te cansabas de escucharla, ¿cierto?" 😆

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: en definitiva, 2 cosas, que fueron las que más llamaron mi atención: las notas de la guitarra eléctrica, cómo inician la canción, y cómo luego se une la voz de Shoniwa, con todo ese color y esa fuerza; es algo digno de ser escuchado.

¿algo más?: claro, siempre 😉 Dados los peculiares cambios de estilo de la banda, hay para todos los gustos: el What’s the Time Mr. Wolf? si prefieren algo más rockero (o el EP Three Moods Of The Noisettes, que lo estoy escuchando y está buenazo), o el más pop Wild Young Hearts.
(Leí unos reviews de su tercer álbum muy interesantes, pero no lo encuentro en Spotify, habrá que buscarlo por otros lares)

Eso es todo por este finde. Síganla pasando genial, y que la música los acompañe siempre 🤘🏽.

¡Buen día songbirds! Sean bienvenidos a un fin de semana más de música. Hoy, para continuar con el recuento de la década, tenemos a una banda británica que causó sensación en estas 2 primeras décadas del siglo, y uno de sus últimos materiales, que vio la luz en el 2013. Con ustedes, los Arctic Monkeys.

La banda: Originarios de Sheffield, en el Reino Unido, los Arctic Monkeys iniciaron su carrera cuando Alex Turner, vocalista de la banda, se junto con sus compañeros de la secundaria, Jamie Cook (guitarra), Matt Helders (batería) y Andy Nicholson (bajo), para tocar en shows locales. Poco después, grabarían una serie de demos y empezarían a distribuirlos por Internet, siendo una de las primeras bandas en aprovechar el boca a boca online; esto les permitió hacerse rápidamente de seguidores sin la ayuda de un sello discográfico. Para cuando les tocó elegir uno, se decidieron por Domino Records, un sello más independiente que tenía entre sus artistas a Franz Ferdinand; esto, aunado a su creciente popularidad, hicieron de su disco debut, Whatever People Say I Am, That's What I'm Not, el disco que se vendió más rápido en la historia británica, superando al Definitely Maybe de Oasis (otras leyendas del rock británico). Cruzando el charco, el álbum también tuvo relativo éxito en Norteamérica, suficiente como para animar a la banda a realizar un tour por los Estados Unidos; para ello convocaron a Nick O'Malley como bajista en reemplazo de Andy Nicholson (un reemplazo temporal que terminó siendo permanente).
Desde ese entonces, estos muchachos no hicieron más que aumentar su fama, y no se detuvieron hasta el año 2013, en que lanzaron el álbum AM; después del tour correspondiente para promoverlo, se tomaron una pausa algo extensa para dedicarse a proyectos personales, y no regresaron hasta 5 años después, cuando lanzaron Tranquility Base Hotel & Casino, un álbum con un sonido algo más suave que sus trabajos anteriores.

La canción: fue lanzada en el 2012 vía el canal de YouTube de la banda, posteriormente lanzada como single y finalmente incluida en su penúltimo trabajo, AM. Se trata de una canción que comienza con toda la fuerza, con unos golpes de percusión potentes que se mantienen a lo largo de todo el tema y le permiten mantener esa fuerza con la que inicia; a ello se le suma una guitarra reverberante que redondea la potencia de la canción, y unas voces que le hacen un contrapeso interesante - según leo, fue la primera vez que se aprecia el uso del falsetto en una canción de la banda (este estilo de cantar de forma muy aguda, similar al de los Bee Gees), y esto es algo que se puede apreciar en el resto de pistas del AM.

¿cómo la descubriste?: En mi trabajo anterior, allá por el 2013, uno de los muchachos con los que trabajaba era fan de los Arctic Monkeys y tocaba en una banda que hacía covers de ellos; entonces, apenas lanzado el AM, la oficina se llenó de la música de los Monkeys - no sé si por su calidad de fan o porque necesitaba escuchar los temas para luego tocarlos (o ambas cosas 😆) - y eso bastó para que me interesara en su música, y para que este track en particular quedara como uno de mis recuerdos del 2013.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: todo el power que tiene 🤘🏽. La percusión agresiva y el sonido crudo de las guitarras y el bajo le dan una potencia espectacular, que sin embargo por momentos se dosifica, cuando como a mitad de la canción se escuchan cada uno de estos elementos en solitario, para luego volver a combinarse con la misma potencia.

¿algo más?: claro, siempre 😉 Con 6 álbumes de estudio, hay abundante material como para entretenerse escuchándolos; yo personalmente los descubrí con el AM y luego fui retrocediendo en su discografía, así que me permito sugerir ese mismo camino, o el opuesto, comenzando desde sus primeros álbumes.
(He escuchado el comentario de que el AM es un poco más comercial y los anteriores más independientes, por si quieren una opinión para ayudarles a elegir)

Eso es todo por este fin de semana. Sigan disfrutándolo, y que la música los acompañe siempre 🤘🏽🤘🏽🤘🏽.

¡Buen día songbirds! Sean bienvenidos a un fin de semana más de música. En esta ocasión, vamos a continuar con nuestro recuento musical de la década, con un talentazo del rock que, en el 2012, se lanzó a la aventura como solista con un disco que quedó en nuestro recuerdo. Con ustedes, el único e inigualable Jack White.

El artista: Nacido como John Anthony Gillis en Detroit allá por el año 75, Jack White comenzó a tocar batería desde pequeño, y de hecho comenzó su incursión en la escena musical local como baterista de Goober & the Peas, una banda de Detroit que se disolvió en el 95. Mientras seguía colaborando como baterista en otras bandas, conoció a Meg White, con quien primero contrajo matrimonio (tomando él el apellido de ella, contrario a lo que suele hacerse en los Estados Unidos) y luego formó la banda The White Stripes. En este recién formado dúo, Jack asumió el rol de primera guitarra, tal vez animado por un interés que se remontaba a la adolescencia y por su admiración por músicos de blues como Son House y Blind Willie McTell. El sonido punk y crudo de la banda los hizo un componente importante en el regreso del garage rock que se dio a inicios del nuevo milenio, y su carrera continuó hasta bien entrada la primera década del siglo XXI, sobreviviendo incluso a la separación de Jack y Meg como pareja.
Sin dejar a un lado a los White Stripes, el buen Jack se lanzó a formar otra banda, The Raconteurs, quienes debutaron en el 2006 con el álbum Broken Boy Soldiers. Mientras hacía un tour para promover el segundo disco de the Raconteurs, Jack contrajo una bronquitis que en ocasiones lo dejaba sin voz, por lo que Alison Mosshart, vocalista de The Kills - la banda que los acompañaba en la gira - debía subir al escenario a suplirlo, con tan buenos resultados que ocasionaron que se creara un nuevo proyecto musical, The Dead Weather (al parecer al buen Jack le cuesta trabajo mantenerse quieto 😅).
Aún manteniendo activos estos dos últimos proyectos, Jack inicia su carrera como solista con Blunderbuss, un disco donde se nota una marcada influencia del blues, lo cual no es impedimento para notar ciertas pistas en las que participan instrumentos de viento o cuerdas menos habituales en el rock. Un par de años después viene su segundo disco solista, Lazaretto, que en mi opinión es más eléctrico, más loco. Al año siguiente, regresa con los Dead Weather para lanzar su tercer álbum, Dodge and Burn, y hace un par de años ha vuelto a las andadas como solista con Boarding House Reach, y luego de vuelta con los Raconteurs el año pasado, para lanzar Help Us Stranger, también el tercer álbum de la banda.
(Actividad no le ha faltado al hombre 😆. Además anunció que iba a colaborar con Finneas y Bilie Eilish en un par de pistas así que... ahí lo ven, no para para nada 😆)

La canción: es parte de su primer trabajo como solista, Blunderbuss pero se desvía un poco del estilo bluesero que caracteriza al álbum para entregarnos una canción mínima, escueta, que sabe utilizar solo los elementos justos y necesarios para sorprendernos con su energía. La letra toma un tema tan explorado en la música - y en las artes en general - como el amor y le da su propio toque, su giro inesperado, al hablar de cómo el amor puede ser a la vez hermoso y peligroso, sin por ello tener un tono melancólico o de sufrimiento.

¿cómo la descubriste?: No recuerdo exactamente cómo, pero me enteré del disco solista que iba a lanzar Jack White - a quien solamente conocía por su trabajo en los White Stripes - y me llamó la atención. Siendo el single promocional del disco, esta canción vio la luz primero, y apenas la escuché, me quedé pegado.
(Se podría decir que fue amor a primera escuchada 😆)

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: La potencia que tiene, a pesar de ser muy sencilla: no tiene percusión, solo son una guitarra acústica, las voces de Jack White y su segunda voz, y un par de instrumentos más que puntúan la canción en los momentos precisos, y a pesar de esa sencillez - o tal vez justamente debido a ella - la canción tiene una fuerza que nos toma desprevenidos al inicio para llevarnos a grandes alturas musicales y luego dejarnos justo donde habíamos comenzado.
(Me gusta especialmente la parte después del primer coro, en la que solamente se escuchan ambas voces, nada más - porque nada más es necesario para sostener la canción)

algo más: claro! Como les comentábamos, al buen Jack le cuesta mantenerse quieto 😆, y tiene una producción musical de una abundancia tal que nos complica recomendar un punto de partida. Peeeero... si tuviéramos que elegir, serían 2 puntos: su carrera como solista, o sus inicios con los White Stripes. Partiendo de allí, si les agrada lo que escuchan, tienen material de sobra para seguir disfrutando.

Con nosotros será hasta el siguiente fin de semana, para continuar con el recuento musical. Tengan un gran fin de semana, y que la música los acompañe 🤘🏽.

Buenos días songbirds!! Sean bienvenidos a un fin de semana más de música, en este blog intermitente pero persistente 😆. Hoy, continuando el recuento musical, tenemos para ustedes una canción lanzada en el 2009 pero que descubrimos recién en el 2011, de la mano de unos grandes del rock. Con ustedes, U2.

La banda: Formados en la ciudad de Dublin, en Irlanda, allá por el año 76, cuando sus miembros aún estaban en la secundaria, U2 tendría que pasar todavía por algunos años formativos en relativo anonimato (y unos cuantos álbumes lanzados) antes de que el álbum War los pusiera camino al estrellato, con canciones como Sunday Bloody Sunday y New Year's Day, con un mensaje político bastante marcado que se volvería una característica de la banda y una inspiración para muchos otros grupos. Su despegue definitivo fue en el 87 con el álbum The Joshua Tree, que trajo pistas memorables como With or Without You y I Still Haven't Found What I'm Looking For. Luego de tamaño éxito, la banda supo mantenerse vigente en la siguiente década reinventándose y aceptando influencias de la música electrónica y dance (y jugando con la idea de no tomarse muy en serio y ser más sueltos de huesos, sin perder del todo su activismo político). Al entrar al nuevo milenio, probaron regresar un poco a sus raíces, aceptando algunas influencias contemporáneas, lo cual les dio buenos resultados con el álbum All That You Can't Leave Behind, que produjo pistas memorables como Beautiful Day o Elevation (esta última parte del soundtrack de la película Tomb Raider, con Angelina Jolie - lo recuerdo clarito 😁). Ya bien entrado el siglo XXI, han sabido mantenerse en actividad, lanzando álbumes cada lustro más o menos, tal vez no con el éxito de sus primeras décadas, pero que les ha permitido permanecer vigentes.

La canción: es parte del álbum No Line on the Horizon y es una muestra de que, si bien el álbum no logró tener ningún single con éxito arrasador como en sus mejores épocas, sí que tenía buen material. La guitarra de the Edge, con su eco y sus múltiples distorsiones, crea una atmósfera energizante que, unida a la percusión que entra luego, le dan una potencia única a la canción, convirtiéndola casi en un himno.

¿cómo la descubriste?: Hace mucho tiempo había un proyecto llamado un día una canción (ahora ya inactivo) que, como su nombre lo proponía, cada día mostraban una canción diferente, con su correspondiente comentario (mucho más ambiciosos que este blog, y mucho más cumplidos también 😅). En uno de los días en que pasé por allí, justo estaban presentando esta canción, y apenas la escuché me agradó sobremanera, sobre todo por lo enérgica que sonaba.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: pues lo enérgica y luminosa que sonaba. Por aquel entonces, el invierno era una estación que no me agradaba mucho: el clima aquí en Lima la gris, si bien no es extremo, no contribuye tampoco a mejorar los ánimos. Y sucede que el invierno del año anterior no había sido muy clemente conmigo. Felizmente, el invierno del 2011 me trató mucho mejor, y esta canción, con su ritmo upbeat y su melodía alegre y enérgica creo que reflejaban muy bien eso, e incluso creo que ayudaron un poco a que ese invierno quedara en mi recuerdo como uno más bien bueno.
La letra, si bien me parece que son una serie de versos que no tienen mucho en común, tiene sus momentos: me agrada mucho la parte en la que dice is it true that perfect love drives out all fear? ("¿es cierto que el amor perfecto aleja todos los miedos?"), que según leo está basada en unos versículos del Nuevo Testamento de la Biblia. El título de la canción, que también es parte de la letra, me agrada bastante también: es como una invitación a ceder ante la locura de la buena, antes que la locura de la mala haga estragos en nosotros.

¿algo más?: claro, siempre 😉. Con una carrera larga y variada como la de U2, hay material de sobra para que puedan conocer a la banda: queda en ustedes decidir si les gusta más el estilo rockero del U2 de los 80s, su incursión en el dance y la electrónica de los 90s, o su vuelta a las raíces de los 00s. Y además, el Vitamin String Quartet hizo un cover de esta misma canción solamente con instrumentos de cuerda, que pueden escuchar por aquí; hacen un gran trabajo estos muchachos al hacer que la canción no pierda nada de su energía al pasar a instrumentos de cuerda.

Eso es todo por esta semana, muchachos y muchachas. Nos vemos la próxima semana para continuar con el recuento musical; mientras tanto, cuídense, y que la música los acompañe 🤘🏽.

¡Buenos días songbirds! Sean bienvenidos a un fin de semana más de música. En esta ocasión tenemos algo especial: vamos a hacerle caso a la mitad del mundo que dice que la década ya ha terminado 😁 y, más o menos por lo que dura el verano, vamos a hacer nuestro propio repaso musical de la década, compartiendo canciones que hayamos descubierto en cada uno de los años de la década, desde el 2010 hasta el 2019.
(También nos estamos copiando de Spotify, pero no le digan a nadie 😆)

Disclaimer: mi viaje personal de descubrimiento musical me condujo, en los primeros años de la década, por peculiares caminos que no coinciden siempre con la música creada en la época, por lo que es probable que las primeras canciones de este repaso no sean ni siquiera de este siglo 😅. Prometo que serán interesantes, de todos modos.

Para comenzar con el recorrido, tenemos a una banda de yo recién descubrí en el 2010, pero que pertenece a la década de los 70s. Con ustedes, Joy Division.

La banda: Formados en Manchester a inicios del 77, Joy Division llega a la escena musical inglesa justo cuando iniciaba la explosión del punk rock; sin embargo, su estilo rápidamente empezó a virar a lo que luego sería conocido como post-punk, caracterizado por generar una atmósfera oscura, cargada y melancólica. En el caso de Joy Division, lo lograban resaltando el sonido del bajo y añadiendo sintetizadores (algo casi prohibido en el punk), lo cual unido a la voz barítona del vocalista Ian Curtis y sus letras cargadas de tristeza y melancolía dan como resultado temas que pueden generar desde descontrol hasta una sensación de opresión.

Los miembros fundadores de la banda fueron Bernard Sumner, quien se encargó de la primera guitarra, y Peter Hook, a cargo del bajo. La búsqueda de un vocalista a través de un anuncio dio como fruto la incorporación de Ian Curtis a la banda, y de manera similar se unió Stephen Morris, en reemplazo del baterista anterior, que no encajaba bien con el grupo. Con esta alineación, la banda cambió su nombre del original Warsaw a Joy Division (para evitar confusiones con la banda londinense de punk Warsaw Pakt) y lanzaron su primer EP, An Ideal For Living. El resto de la década los vio alcanzar notoriedad, con apariciones en la TV inglesa y en programas de radio; lamentablemente, la carrera de la banda se vería afectada por la salud de Curtis, quien sufría de una epilepsia que se manifestó recién a finales del año 78 y que empeoraría a medida que el trabajo con la banda se volvía más demandante. La depresión que también lo aquejaba sería la que, fatalmente, terminaría con la carrera de la banda, al conducirlo a cometer suicidio justo antes de su primer tour por Norteamérica. El resto de integrantes de la banda, que cambiaron su nombre a New Order (habían pactado mucho antes que si alguno de los miembros dejaba la banda, se cambiarían de nombre), siguieron haciendo música, y si bien al inicio les costó escapar de la sombra de Joy Division, hecha más grande por la imagen casi de héroe trágico que adquirió Curtis después de su muerte, finalmente alcanzaron mayor éxito comercial al cambiar su sonido a uno más upbeat, más apto para el baile.

La canción: formaba parte originalmente del primer álbum de la banda, Warsaw (en el tiempo en que aún llevaban ese nombre); sin embargo, la labor de post-producción no le agradó a la banda y decidieron cancelar el lanzamiento del álbum. Al año siguiente, después de haber lanzado su primer álbum, Unknown Pleasures, volvieron a grabar este tema y lo lanzaron como un single; esta es la versión que estamos escuchando en este momento. En ella se pueden apreciar dos de las marcas características del estilo de la banda: el prominente sonido del bajo, que más allá de dar una base a la canción cobra cierto protagonismo, y la voz barítona de Curtis; ambos elementos, sumados a los riffs ocasionales pero desgarradores de la primera guitarra, crean una canción de cuyo ritmo descontrolado es difícil escapar.

¿cómo la descubriste?: Un amigo de la universidad me prestó, a finales del 2009, la película Control, un biopic acerca de Ian Curtis basado en la biografía escrita por su esposa; cuando vi la película, quede impresionado por la música, y me conseguí el recopilatorio The Best of Joy Division (era la época en que aún no era popular Spotify, y la música había que bajársela). Allí descubrí otras tantas canciones de la banda, pero que no pudieron superar la primera impresión de las que escuché en la película, entre las cuales estaba Transmission.

¿qué es lo que más te gusta?: que nunca antes había escuchado música así 😲. En primer lugar, me llamó mucho la atención como el bajo prácticamente arma la canción; creo que nunca había escuchado una canción donde tuviera tanto protagonismo. La primera guitarra, antes que guiar la canción, solamente la puntúa con unos riffs desgarradores, que casi nunca se cruzan con la voz de Curtis; esto, antes que hacer que la canción parezca incompleta, hace más bien que ambos elementos se complementen y el efecto sea más poderoso todavía. Y finalmente, la voz de Curtis, que comienza moderada y termina en poderosos gritos, sin con ello perder su calidad de barítono; creo que tampoco había escuchado antes una canción cantada en ese registro.

¿algo más?: claro, siempre 😉. Les recomiendo el recopilatorio The Best of Joy Division, para que descubran ustedes mismos sus favoritas; las mías, personalmente, son esta, Shadowplay, She's Lost Control y New Dawn Fades. Y, si pueden, véanse la película Control, que también me pareció muy buena.
(Ah, y The Killers hicieron para esa película un cover de Shadowplay que, a mi juicio, les quedó alucinante, así que ese también pueden buscarlo).

Así iniciamos nuestro recorrido musical por la década; nos vemos la próxima semana para continuarlo. Que la música los acompañe 🤘🏽

Buen día songbirds!! Bienvenidos una vez más al blog que no estaba muerto, andaba de parranda 😆. Las últimas semanas del año nos han cogido desprevenidos, pero aquí estamos, regresando justo antes que termine el año para dejarles una última canción antes de despedir el 2019 (y la década, si le hacemos caso a la mitad del mundo que cree que la década acaba en el 2019 😁). Y tal honor le corresponde a una artista que, a pesar de su corta edad, ha tomado al mundo de la música por sorpresa con su gran talento. Con ustedes, Billie Eilish.

La artista: Con tan solo 17 años, Billie Eilish ya ha conquistado el mundo con su innegable talento, el cual salió a relucir por primera vez allá por el 2015, cuando subió la canción Ocean Eyes a Soundcloud y se ganó la atención de la fanaticada con su voz suave, fina y casi susurrada. Después de este debut, su carrera no ha hecho más que ir en ascenso, con single tras single, los cuales fueron recopilados luego en el EP dont smile at me. Su primer álbum de estudio, WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?, vio la luz recién este año, pero ya ha batido todos los records habidos y por haber en la industria de la música.

Pero más allá de todos los logros, premios y records batidos, lo que más nos gusta en esta casa es que todas sus producciones han nacido en un ambiente hogareño, un poco alejado de la industria musical convencional. El productor de Billie es Finneas, su hermano, quien también ha compuesto algunas de sus canciones y toca con ella en sus shows en vivo; y tal como se puede apreciar en esta edición del segmento Carpool Karaoke de The Late Late Show with James Corden, su primer álbum de estudio en realidad nació en la habitación de Finneas, en la casa que aún comparten con sus padres. Yo creo que eso, unido a su talento indiscutible, le dan un toque único a su música que, espero, no se pierda con el tiempo.

La canción: es parte de su primer EP, dont smile at me, y en ella se destacan, aparte de la voz de ensueño de Billie, una guitarra acústica y una percusión que le proporcionan un ritmo bastante simpático al tema, acercándose peligrosamente a géneros rítmicos como el latin pop. Todo esto sirve de fondo a una letra bastante peculiar, que habla sobre el sentimiento de culpa pero desde la perspectiva de un psicópata asesino, que se arrepiente de serlo pero que al final no le importa. Según cuenta Billie, al componer algunas canciones, a ella y a Finneas les gusta crear personajes ficticios y meterse en ellos para idear la letra; el resultado son locuras como esta 😳.

¿cómo la descubriste?: En realidad, solamente había escuchado Bad Guy, uno de los singles promocionales de su último álbum, pero ya no recuerdo cómo ni dónde 😅: solo sabía que era una artista nueva, y que ese era su single promocional, que para ser sincero, no me llamó mucho la atención. Cuando se lo comenté a un amigo mío que sí sigue su carrera desde que comenzó, me dijo que a él tampoco le gustaba mucho porque pensaba que la canción no aprovechaba bien todo el rango vocal de Billie, y me dijo "escucha este par de canciones, porque te estás perdiendo de algo" 😆. Seguí su recomendación escuchando los tracks indicados y... efectivamente, le di la razón: la calidad vocal de Billie es mucho mejor aprovechada en sus otras canciones.
(Fue en ese momento en que me convertí en fan 😁. Bueno, eso y el Carpool Karaoke, que tienen que ver de todas maneras)

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: De las que me recomendó mi amigo, elegí bellyache para este post porque me gustó como explora un ritmo diferente, y porque me parece que tiene un balance entre los instrumentos acústicos y los efectos de sonido.
(Aparte, claro está, de la voz de ensueño de Billie 🤩)

¿algo más?: claro, siempre 😉. Les diría que se escuchen todo el EP y luego el nuevo álbum de estudio de Billie, pero por si les da pereza 😆, las que me recomendó mi amigo fueron idontwannabeyouanymore y ocean eyes, del EP al cual también pertenece la canción que estamos escuchando, y ilomilo, del nuevo álbum de estudio.
Y... si les interesa un poco más la historia detrás del éxito de Billie, y parte del entorno que le ayudó a desarrollar su talento, además del Carpool Karaoke les recomiendo que vean este video, que le da una mirada al espacio desde donde ella y Finneas crean la magia musical que ahora está arrasando con el mundo entero.

Eso es todo por hoy, y por este año. Tenemos algo preparado para el verano del 2020, pero por ahora, esto ha sido todo. Nos vemos el año que viene! 😆

Buenos días songbirds!! Sean bienvenidos a un día más de música, después de una prolongada ausencia provocada por unas semanas especialmente atareadas 😅. Por aquí quisimos hacer algo especial por el Día de la Canción Criolla, pero se nos recontra pasó la fecha; sin embargo, aprovechando que tuve que acompañar a mis padres a hacer unas compras, decidí explorar un género musical que hasta ahora no ha pasado por este blog, pero que es uno de los favoritos de ellos, en especial de mi papá: el bolero. Así que, sin más preámbulos, les presento a Los Panchos, por vía de mis padres.

Los artistas: El trío Los Panchos se fundó allá por el año 1944 en Nueva York, cuando se juntaron los mexicanos Alfredo Bojalil Gil (más conocido como "el güero Gil") y José de Jesús Navarro Moreno (más conocido como "Chucho" Navarro) y el puertorriqueño Herminio Avilés Negrón (conocido artísticamente como Hernándo Avilés). Su álbum debut, titulado Mexicantos, estuvo compuesto en su mayoría por temas de música mexicana, y solamente incluyó un bolero, Hasta mañana; sin embargo, bastó con este único tema para que se dieran cuenta que con éste género alcanzarían gran popularidad. Tal vez parte del éxito en este género se debió inicialmente a cómo se complementaban como trío: Avilés poseía una voz de tenor que se desempeñaba muy bien como primera voz, y se complementaba perfectamente con las voces de Gil y Navarro (como segundas voces). Para acompañar, Avilés tocaba la guitarra y Gil y Navarro tocaban el requinto, una guitarra más pequeña con un sonido más agudo, muy prominente en sus canciones.
Durante su larga carrera, Los Panchos cambiaron muchas veces de primera voz: después de la salida de Avilés en el 51, hasta 7 cantantes distintos ocuparon el puesto, en algunas ocasiones con desagradables batallas legales de por medio. Y si bien, para quienes son aficionados a su música (como mi papá), se nota la diferencia entre las etapas de Los Panchos con sus diferentes vocalistas, es innegable la huella que el trío ha dejado en la música popular latinoamericana.

La canción: es un hermoso bolero, grabado por el trío hasta en 2 ocasiones, y en donde se puede apreciar todas las características del estilo del trío: las voces en perfecta armonía, que solo puedo describir como dulces, a pesar de ser voces masculinas, y las notas del requinto completando las pausas de las voces. A esto se suman algunas características propias del género: la cadencia de la percusión, que se nota que tiene algo de estilo tropical, y una letra que solo podemos calificar de poética.

¿cómo la descubriste?: La historia es la siguiente: aprovechando que acompañaba a hacer compras a mis padres, les invité un café y, mientras compartíamos, les conté acerca del blog y cómo a veces he tenido invitados, y que yo sabía que a ambos les gustaba el bolero, en especial a mi papá, y les pedí que escogieran una canción de Los Panchos, cuyos boleros yo sabía que eran los favoritos de mi papá. Lo extraño fue que mi mamá fue la que escogió la canción 😄: me contó que a ella los boleros siempre le hacen recordar a su papá, pero que los conoció más cuando conoció a mi papá, y que si tuviera que elegir uno que le haga recordar a mi papá, sería el que estamos escuchando ahora.
Para complementar la conversación (y saber de qué canción estábamos hablando), la busqué en Spotify (la magia de la tecnología 😄); en cuanto la encontré y le di al play, mi papá dijo que esa no era la versión original, que tenía el ritmo un poco más acelerado y el que cantaba no era la primera voz original de Los Panchos. Mi mamá hizo luego el comentario de que ella, al inicio, no apreciaba la diferencia, y le parecía hasta un poco exagerado que mi papá se diera cuenta, hasta que escuchó la versión original, y cayó en cuenta de la diferencia y del estilo de la primera voz original.
(Mientras me documentaba para escribir este post, hice el intento de buscar la versión interpretada por el trío original en YouTube, y afortunadamente la encontré; es la versión que estamos escuchando en este momento. Si pueden, búsquenla en Spotify, y escuchen atentamente: notarán la diferencia... En mi humilde opinión, esta versión es mejor)
Cuando les hice la misma pregunta que estamos respondiendo en este momento, mi mamá contestó lo que ya he mencionado: que ella llegó a los boleros de Los Panchos primero por su papá, y luego por mi papá. Lo curioso fue la respuesta de mi papá: yo pensé que él los había escuchado porque eran de su época, pero resulta que llegó a ellos porque uno de sus tíos, que vivía en la casa en la que él pasó su juventud, era seguidor de la música de Los Panchos; mi papá los descubrió porque su tío los escuchaba. Y luego, mientras me documentaba para escribir este post, descubrí que Los Panchos se formaron incluso antes que mi papá naciera 😅. Su afición por su música vendría a ser, más o menos, como la afición que yo o alguien de mi generación tiene por los Beatles: es música de una generación anterior a la nuestra, pero a la cual nos aficionamos porque reconocemos su calidad.

¿qué es lo que más te gusta?: Tanto mi papá como mi mamá coinciden en las dos cosas que más les agradan de la canción, la primera de las cuales es la letra: es prácticamente un poema, no solo por su estructura si no también porque emplea algunas palabras bonitas (o tal vez que suenan bonitas porque ya no se usan tanto, y eso les da un aire de distinción). Lo curioso fue un comentario que hizo mi papá acerca de la letra: comentó que siempre las letras de los boleros (por lo menos de Los Panchos) van dedicadas al amor romántico, al amor de pareja, y que siempre van dedicadas de un hombre a una mujer, casi nunca a la inversa... lo cual era un poco machista. Todo esto fue producto de la época, una época con roles de género muy definidos y donde temas más actuales como la igualdad de género no estaban en la mente de las personas, pero me sorprendió que mi papá haya trascendido un poco la forma de pensar de una época que fue la época en que creció, y se haya dado cuenta de este detalle subyacente.
El otro punto que a ambos más les agrada de la canción, es la calidad vocal del trío, y sobre todo la armonía casi perfecta que hay entre las voces que originalmente formaron parte de Los Panchos. Y en mi humilde opinión, la calidad se hace mas notoria con el hecho de que, al ser primera y segunda voz, no cantan exactamente las mismas notas, pero estas notas se complementan, reitero, de forma casi perfecta.
(Aquí mis papás me comentaron también que Los Panchos hablaban, medio en serio medio en broma, acerca de una "maldición" que tenían con su primera voz, dada la cantidad de veces que había cambiado la persona que ocupaba dicho lugar en el grupo).

¿algo más?: Cuando les hice esta pregunta a mis papás, me dieron una respuesta que justamente coincide con algo que creemos y siempre hemos tratado de resaltar en este blog: la música y las canciones siempre tienen una historia detrás, y una historia diferente para cada persona, y son medios muy poderosos para traer de vuelta los recuerdos.
(Por ejemplo, las canciones que acompañaron a mi papá durante su juventud y su época universitaria son las del grupo Los Doltons, pertenecientes a la movida musical conocida como la Nueva Ola, y las que acompañaron a él y a mi mamá durante su época de enamorados eran las de los baladistas españoles como Julio Iglesias y Manolo Otero).

Y así terminamos nuestra edición especial de Friday Songbird dedicada al bolero. Si tienen a alguien cercano que haya escuchado boleros, me permito sugerirles que le pregunten acerca de ellos: de hecho dará para una conversación interesante. Lo que es nosotros, nos despedimos hasta la semana que viene (lo prometemos!). Tengan una gran semana, y que la música los acompañe 🤘🏽🤘🏽🤘🏽

Buenos días songbirds!!. Bienvenidos a una edición más del único blog que nunca le hace caso a su nombre 😅. En esta ocasión, para ponernos a tono con Halloween, les traemos un cover de una canción sesentera que forma parte del soundtrack de una película de terror. Con ustedes, la voz de Lana del Rey en un tema de Donovan.

El artista: Siendo la tercera vez que tenemos por aquí a Lana del Rey (se nota que somos fans? 😆), nos queda poco que contar sobre ella; solo resaltaríamos que aparte de los dos singles que ha sacado este año, ha trabajado también en un álbum (que incluye ambos singles) titulado Norman Fucking Rockwell! (y que dicen por ahí que es su álbum más favorablemente recibido por la crítica)(gran álbum, por cierto 😉), y que ha colaborado en un par de soundtracks: el de la nueva versión de Los ángeles de Charlie (en alianza con Ariana Grande y Miley Cyrus - una alianza bastante diversa) y la canción que estamos escuchando, que forma parte de la película de terror Historias de miedo para contar en la oscuridad.

Sin embargo, esta canción no es original: se trata de un cover de una canción de los 60s, interpretada por Donovan Leitch (más conocido simplemente como Donovan). Nacido en Escocia allá por el año 46, a los 18 años ya estaba grabando su primer demo, y poco después lanzó su primer single, titulado Catch the Wind, que llegó a estar en el Top Five del Reino Unido y originó también las primeras comparaciones con Bob Dylan. Estas comparaciones resultaron ser meramente superficiales: si bien compartían el look, la música de Dylan siempre se caracterizó por su realismo crudo y su introspección (y por un tono de protesta en los 60s), el estilo de Donovan acogía por completo el optimismo del movimiento flower power y el estilo psicodélico característico de la década. Este estilo diferente al de Bob Dylan se puede apreciar claramente en su primer álbum, Sunshine Superman, del cual nace el tema que estamos escuchando.

Después de disfrutar del éxito de varios de sus temas hasta bien entrada la década de los 70s, parecía que Donovan se retiraba de la música; si embargo, en el 91 el grupo Happy Mondays nombró una canción en su honor, y él se animo a girar con la banda por un tiempo; cinco años después, lanzó el álbum Sutras, y luego se tomó otro largo descanso para regresar el 2004 con Beat Café, compuesto casi en su totalidad por canciones originales, más un par de covers y una declamación del poema Do Not Go Gentle de Dylan Thomas.

La canción: es parte del primer álbum de Donovan, de su época psicodélica, y eso se hace notorio en el sonido de la canción. La letra hace referencia a "la temporada de la bruja", la época del año que antecede a Halloween y es reconocida por algunas corrientes neopaganas; esto, sumado al estilo que le pone Lana del Rey a su versión, la hacen un soundtrack apropiado para la película (que, además, se desarrolla durante la década de los 60s, así que mejor todavía).
Sin embargo, según leí mientras revisaba la letra de la canción, la frase season of the witch estaría haciendo alusión a algunos problemas mentales que lo estarían aquejando en aquella época, en la que fue detenido por posesión de marihuana y por ello impedido de asistir al Monterey Pop Festival, un icónico festival de música de los 60s que lanzó a la fama a figuras como Jimi Hendrix o Janis Joplin. (interesante 🤔)

cómo la descubriste?: La canción original ya la había escuchado un par de veces en la sección de rock clásico de una radio local, y me había parecido buena, pero no la busqué ni la agregué a ningún playlist. Habrá sido hace cuestión de un mes que fui a ver Historias de miedo para contar en la oscuridad, y ahí escuché primero la original, y luego el cover al final. Pensé que quedarían geniales para una edición de Halloween de este blog, así que... aquí estamos 😁.

qué es lo que más te gusta de la canción?: La verdad, el estilo psicodélico, el ritmo sostenido que tiene, cómo la canción despega en la parte del coro, pero luego vuelve al mismo ritmo constante y relajado. Y además me gusta el toque que le pone Lana del Rey en su cover.

algo más?: claro, siempre 😉. No estaría de más que se den una vuelta por la discografía de Donovan, en especial si les atrae la música de la época. Y si son tan fans de Lana del Rey como lo somos en esta casa, de todas maneras tienen que chequear su nuevo disco 👍🏽.

Eso es todo por esta semana. Tengan un gran inicio de semana, y que la música los acompañe 🤘🏽.

Buen día songbirds!! Bienvenidos a una semana más de música, y perdonen nuestra ausencia, ocasionada por una malvada gripe 🤧. Hemos tenido que recurrir a la medicina, y justo la canción que escuchamos hoy habla de medicina para el alma... en un sentido más oscuro del que se acostumbra a usar esta metáfora. Con ustedes, Eels.

El artista: Eels es el nombre del proyecto creado por el cantautor y multi-instrumentista Mark Everett, conocido artísticamente como E. Es una banda de rock indie formada en California allá por el año 1995, después de una breve carrera como solista por parte de Everett. Como banda en realidad el único miembro fijo ha sido el propio Everett, quien después de pasar por una serie de graves reveses durante su adolescencia (como el fallecimiento de su padre y problemas de adicción), encontró en la música su tabla de salvación, y aprendió por sí mismo a tocar guitarra para luego, ya en sus veintes, comenzar a componer su propia música. Su peculiar sonido, a veces de baja fidelidad y con algunos elementos de pop, le dan a algunas de sus canciones un ritmo y melodía bastante animados, lo cual contrasta con sus letras usualmente enfocadas en los aspectos más oscuros de la experiencia humana. Como Eels, su primer álbum fue Beautiful Freak, al cual pertenece la canción que estamos escuchando; su segundo álbum, Electro-Shock Blues, se siente más oscuro y con más fuerza, a consecuencia de las muertes de su hermana y su madre, muy próximas entre ellas.
Después de estos dos primeros álbumes, Eels ha seguido adelante con su carrera tanto desde el estudio como haciendo giras; de los múltiples álbumes que componen el repertorio de la banda, podemos destacar Hombre Lobo, un álbum cuyo tema central es el deseo y que tiene ese toque un poco más rockero que en esta casa encontramos agradable.

La canción: fue el single promocional del primer álbum de la banda, y como tal alcanzó cierta popularidad en el circuito de música alternativa de la época. Tiene ese contraste entre melodía y letra del que hablábamos al inicio: una canción que comienza con las notas de un piano y tiene un ritmo muy animado, y sin embargo habla de alguien que se manifiesta golpeado por la vida, en permanente contradicción con ella, y que busca algo para adormecerse y calmar el dolor. El propio título de la canción lo hace evidente: la novocaína es un anestésico utilizado para tratar el dolor en un área localizada; "novocaína para el alma" sería, por tanto, algo que anestesie o adormezca el alma para evitar sentir dolor.

cómo la descubriste?: pues allá por el invierno del 2011, quince años después de lanzado el álbum, recién la descubrí vía Ricardo Liniers, uno de mis dibujantes favoritos, que compartió en Twitter la canción como "música para despertarse". Me pegué casi instantáneamente con el ritmo pop pegajoso, y no fue hasta que busqué más detalles de la letra por curiosidad que descubrí el lado más oscuro de la canción.
(La _re_-descubrí porque en el disco de tributo a Daniel Johnston que comentamos por aquí hace unas semanas, Eels contribuye con una canción, lo cual me trajo a la memoria la primera canción que escuché de ellos - ésta)

qué es lo que te gusta de la canción?: Esa fuerza pop que tiene, como comienza solamente con notas de piano y luego la percusión le brinda toda su potencia a la canción; también el sonido de un instrumento de cuerda que suaviza un poco la canción, en contraste con la fuerza de la percusión.
(En esos casos, la letra pasa a un segundo plano 😁)

algo más?: claro, siempre 😉 Novocaine For The Soul es el primer track del álbum; si les agrada, aprovechen que están con viada y continúen con el álbum debut de Eels 😄. Y como comentábamos al inicio, otro álbum que encontramos agradable es Hombre Lobo, que tiene una vibra más rockera.

Eso es todo por esta semana. Tengan un gran inicio de semana, y que la música los acompañe 🤘🏽

Buen día songbirds! Sean bienvenidos a un fin de semana más de música, y perdonen que nos hayamos salteado el fin de semana anterior, la vida real se interpone en nuestros planes de compartir buena música 😅. Este fin de semana nos toca compartir algo de los grandes y únicos Beatles, para celebrar (aunque sea tarde) los 50 años desde que viera la luz uno de sus mejores discos, el Abbey Road. Sin más preámbulos, aquí vamos...

El artista: Ya los hemos tenido por aquí con anterioridad - y si no los conocen necesitan hacer su tarea 😆 (Wikipedia es un buen punto de partida) - así que en esta ocasión les contaremos algo de la historia de The Beatles alrededor del álbum del cual proviene la canción que estamos escuchando.

Allá por el año 1969, las diferencias entre los miembros de la banda ya estaban haciendo efecto en la unión del grupo, y en las sesiones de grabación del álbum Let It Be (que se suspendieron sin dar como resultado un álbum listo para su publicación) se percibía una gran tensión en el ambiente. Dadas estas condiciones, Paul McCartney le propuso a George Martin, productor musical de la banda y muchas veces considerado como el quinto Beatle, reunir nuevamente al grupo para grabar un álbum "tal como antes". Martin aceptó, con una sola condición: que le permitieran producir el álbum del mismo modo en que había producido álbumes anteriores, y con la misma disciplina. La banda accedió, y las grabaciones iniciaron en febrero del 69.

Las sesiones de grabación continuaron a lo largo del año, con algunas pausas por compromisos previos de algunos de los miembros de la banda, y la última sesión se llevó a cabo el 20 de Agosto, la última vez que los Fab Four estuvieron juntos en un estudio de grabación. Nadie estaba seguro de que fuera la última vez que grababan algo juntos, pero cuenta la historia que George Harrison dijo que "se sentía que ya estaban llegando al final del camino", y lamentablemente fue así: si bien el álbum Let It Be se lanzó al año siguiente, los Beatles no volvieron a juntarse para grabar otro álbum, y días antes del lanzamiento del Abbey Road John Lennon anunció su retiro al resto de miembros de la banda.

Comercialmente, Abbey Road fue un éxito total apenas fue lanzado, alcanzando el primer lugar en los charts tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido. Musicalmente, es considerado como uno de los mejores discos de la banda, y en particular como el despegue de George Harrison como compositor: sus dos contribuciones al álbum están consideradas como las mejores canciones que escribió para el grupo, y son precisamente Here Comes The Sun (que ya la escuchamos por aquí más o menos a la misma altura del año pasado) y la canción que estamos escuchando en este momento.

La canción: fue el lado A del single promocional de la banda, y la primera vez que el lado A de un single no era compuesto por Lennon o McCartney. Y lo tuvo bien ganado: es considerada por muchos como una de las mejores composiciones de Harrison, y entre esos muchos está el mismísimo John Lennon, que consideraba que Something era la mejor canción del álbum. Harrison se inspiró en una canción de James Taylor titulada Something In The Way She Moves (que también es muy bonita, pueden escucharla en YouTube) para componer una canción de amor que inicialmente dijo que estaba dirigida a su esposa (en ese entonces), Patti Boyd.
(Más adelante cambió su versión, comentando que se inspiró en un amor universal, llegando incluso a negar su versión anterior; no queremos ser maliciosos, pero presumimos que su separación de Boyd tuvo algo que ver 😅)
El ritmo tranquilo y el gran trabajo de la guitarra contribuyen a hacer una hermosa canción, tan querida que es la segunda canción de los Beatles que más covers tiene, superada solamente por Yesterday.

cómo la descubriste?: ya no recuerdo bien 😅, pero creo que fue en una edición especial de Jammin', un programa musical del cable local, que solía hacer ediciones especiales con bandas haciendo covers de los Beatles con ocasión del aniversario del fallecimiento de John Lennon... lo cual quiere decir que probablemente haya sido una de las primeras canciones de los Beatles que haya escuchado.
(No podía haberlo deseado de otro modo 🤩)

qué es lo que más te gusta de la canción?: pues... todo 😆. Cómo comienza con un par de golpes de percusión, los acordes iniciales de guitarra que describen casi toda la canción, cómo luego la guitarra (esta guitarra rítmica con algo de distorsión) llena toda la canción, el increíble solo de guitarra a la mitad de la canción, la voz de Harrison... Todo contribuye a crear una canción asombrosa.

algo más?: claro! Mientras me documentaba un poco para escribir este post, recordé que Paul McCartney toco una versión de esta canción cuando vino a dar su concierto del 2011 en Lima, y que fue una de mis canciones favoritas del concierto, sobre todo porque la canción inició solamente con sir Paul cantando y tocando un ukulele, y de pronto, en el puente de guitarra de en medio, toda la banda entra con toda la fuerza para tocar la versión original de la canción.
(En serio amigos, fue muy emocionante, casi lloro de la emoción :') )

Eso es todo por este fin de semana. Espero hayan disfrutado la canción, y nos vemos el siguiente fin de semana.

Buenos días songbirds! Sean bienvenidos a un fin de semana más de música; esta vez nos pondremos a tono con el día Domingo para poner una canción con 'Domingo' en el título 😁. Los elegidos esta vez son, directamente desde Detroit, The Raconteurs, con su gran dosis de garage rock. Vamos a ver qué tienen para nosotros...

La banda: The Raconteurs ('los narradores') se formaron en el 2005 al juntarse Jack White, ya famoso por ser una mitad de The White Stripes, con Brendan Benson, quien para ese entonces ya tenía una carrera sólida como solista. Entre los dos compusieron lo que luego sería el primer single de la banda, Steady, As She Goes; al parecer el resultado les agradó tanto que se decidieron a completar un cuarteto para grabar la canción. Para ello, reclutaron a Jack Lawrence en el bajo y Patrick Keeler en la batería, ambos originalmente miembros de la banda The Greenhornes.
Con la formación ya completa, lanzaron al año siguiente Broken Boy Soldiers, su primer álbum, en el cual la banda muestra un estilo propio, al contrario de quienes pensaban que sería solamente una extensión de The White Stripes - el proyecto anterior de Jack White - y que hace gala de toda la fuerza del garage rock. Un par de años después lanzan Consolers of the Lonely, con un exito que incluye dos nominaciones al Grammy (una de las cuales resultó en el premio para la banda), y luego deciden tomarse un descanso, con una reunión puntual en el 2011 para tocar en algunos festivales. Para alegría de sus fans, deciden volver al ruedo lanzando un single el 2018, como adelanto al álbum completo que lanzarían este año, titulado Help Us Stranger; ese single es la canción que estamos escuchando en este momento.

La canción: tal como mencionábamos, es el single que marca el regreso de la banda después de poco más de una década de pausa, y es una muestra de que estos muchachos no han perdido su toque: toda la fuerza del garage rock sigue ahí, en un track que desde el inicio golpea con la potencia de las guitarras eléctricas y que en algún momento de la canción también aprovecha la distorsión para darle un toque especial. Por su parte, el particular estilo vocal de Jack White combina muy bien con esta potencia.

cómo la descubriste?: pues si mal no recuerdo, me la sugirió Spotify como a fines del año pasado (estoy viendo que le di 'me gusta' a la canción por esa época); debe haber adivinado de mi gusto por los proyectos musicales de Jack White.

qué es lo que más te gusta de la canción?: Que tiene toda la potencia y el estilo del garage rock: potentes guitarras eléctricas, gran percusión, y todo eso que hace que provoque agitar la cabeza mientras escuchas la canción 🤘🏽🤘🏽.
(Además, como decía antes, siempre me han gustado los proyectos musicales de Jack White, y esta no es la excepción)

algo más?: claro, siempre 😉. Help Us Stranger es un disco reciente, así que pueden escucharlo mientras aún está fresco 😆; si les agrada, les animo a escuchar los otros 2 álbumes de estudio de The Raconteurs, que tienen el mismo estilo rockero.

Eso es todo por este fin de semana; sigan disfrutándolo, y nos vemos la semana que viene. Que la música los acompañe 🤘🏽.

Hola a todos! Bienvenidos sean a una edición más de Friday Songbird, el blog que no posteó en Viernes por enésima vez por encontrarse rodeado de cumpleaños durante el fin de semana 😅. En esta ocasión traemos a sus oídos una canción agridulce, de un artista que hace poco dejó este mundo, y dejó además la evidencia de su talento, un talento que se sobrepuso a una condición mental nada favorable. Con ustedes, Daniel Johnston.

El artista: Nacido en Sacramento en 1961, Daniel Johnston comenzó a crear música desde muy pequeño, con la ayuda de una radio grabadora y un piano o un órgano de cuerdas; esta forma inicial de grabar sus composiciones, limitada al inicio por lo que un niño de 10 años podía conseguir, terminaría por convertirse en parte inconfundible de su estilo, uno de sencillez, baja fidelidad y voz que por lo levemente disonante le da un aire de autenticidad a sus canciones. Después de mudarse a Austin, Texas, su música empezó a llamar la atención, en parte gracias a sus propios esfuerzos (solía repartir cintas con sus temas grabados). A mediados de los 80s gano algo de exposición gracias a algunas secuencias grabadas para MTV; sin embargo, fue en la época de la banda grunge Nirvana que se hizo popular con el público en general, ya que Kurt Cobain solía aparecer en público vistiendo un polo adornado con la portada del disco Hi, How Are You, grabado por Johnston en el 83. A mediados de los 90s ya había una competencia entre disqueras por ver quién produciría el siguiente álbum de Johnston.

Sin embargo, el talento que tanto atraía a las disqueras tenía una contraparte oscura: Johnston sufría de trastorno bipolar, y de hecho en la época en que las disqueras comenzaban a pelearse por él, él estaba internado en un hospital psiquiátrico después de un episodio psicótico que puso en riesgo su vida. En el documental del 2005 The Devil and Daniel Johnston, se retrata vívidamente su trastorno bipolar, el cual, lejos de limitar su arte, lo hace lo que es: la estética lo-fi y el estilo descarnado de su voz son tal vez un reflejo de su condición. Como cuenta Gustavo Faverón en este gran post en Facebook, Daniel Johnston "no interpretaba sus canciones: sus canciones interpretaban su mente".

La canción: forma parte del álbum Fun, del año 1994, y tiene el estilo vocal característico de Johnston acompañado por una guitarra acústica y por momentos un violín puntuando una canción que suena muy alegre y upbeat, pero que paradójicamente habla de un fin de semana terrible, en el que no encontramos a los amigos, la gente nos mira mal y los teléfonos suenan, pero cuando corremos a contestarlos no hay nadie del otro lado.
(Inevitable pensar que esta contradicción no es mas que un pequeño reflejo de la gran contradicción que formaban el talento de Johnston y su enfermedad mental)

cómo así la descubriste?: pues la verdad que no recuerdo, porque fue hace mucho tiempo 😅, pero si recuerdo haber compartido el video de la canción allá por el 2012; si tuviera que hacer un esfuerzo, diría que la encontré vía Twitter, que en ese tiempo se convirtió en una fuente inesperada de buenas canciones.

qué es lo que más te gusta de la canción?: Me encanta su ritmo sencillo y alegre, y cómo el violín le suma a ese sonido y la hace aún más alegre, pegajosa; es una canción que provoca cantar. Pero también me llama mucho la atención como detrás de toda esa onda alegre hay una letra que habla de algo feo, como un fin de semana desastroso; es casi como si la alegría de la canción fuera un antídoto frente a las malas circunstancias, una forma de procesarlas.

algo más?: claro, siempre 😉 Aparte de bucear en su abundante discografía, pueden buscar el álbum The Late Great Daniel Johnston: Discovered Covered, que tiene en la primera mitad covers de las canciones de Johnston por artistas como Eels, TV on the Radio y Beck, y en la segunda mitad las canciones interpretadas por él mismo.

Eso es todo por esta semana, que espero que les esté tratando bien. Que la música los acompañe, y nos vemos la próxima semana! 🤘🏽🤘🏽

Hola a todos! Buenas noches y bienvenidos a una edición más de Friday Songbird, el blog cuya afición por la música solo es superada por su impuntualidad 😅. Éste fin de semana nos acompaña la música de uno de los grandes del rock 'n roll, conocido como El Jefe, en una canción de la última década, pero que lleva el sentimiento de los temas que lo llevaron a la fama. Con ustedes, Bruce Springsteen.

El artista: Con una carrera musical que ya bordea lo legendario, Bruce Springsteen se ha convertido en uno de los representantes mas notables del rock 'n roll. Su estilo de rock cercano a los orígenes del género y sus letras, que exploran de forma poética tanto temas personales como comentario social y los altibajos de la clase obrera en los Estados Unidos, le han valido el calificativo de "poeta del rock 'n roll". Su carrera comenzó allá por los años 70, con el álbum Greetings from Asbury Park, N.J.; sin embargo, sería su tercer álbum, Born to Run, el que lo lanzaría a la fama. La década siguiente sería la que vería nacer su álbum más popular, Born in the U.S.A., uno de los más vendidos de todos los tiempos, con pistas como la que le da el título al álbum o la celebérrima Dancing in the Dark. Después de ello su carrera, lejos de terminar, ha continuado hasta la actualidad, si bien ha tenido altos y bajos, y le ha valido 20 Grammys, un Oscar, un premio Tony y el ingreso al Salón de la Fama del Rock and Roll (que no es poca cosa).

La canción: pertenece al álbum Wrecking Ball, que vio la luz en el 2012, y al más puro estilo de El Jefe, su letra tiene un fuerte contenido social: bajo el disfraz de una canción patriótica, hay una fuerte crítica al gobierno de turno de los Estados Unidos, y en especial a su mal manejo del desastre del huracán Katrina (ocurrido en el 2005). Este hecho, junto con su coro pegajoso y su sonido casi de himno hizo que algunos críticos pensaran en ella como en una versión de Born in the U.S.A. para el nuevo milenio.

cómo la descubriste?: Gracias a una radio local (la genial Doble Nueve), que debe haber sido la única radio local que empezó a pasar los singles del Wrecking Ball con ocasión de su lanzamiento... mientras que el resto de radios de rock seguían (y siguen) distraídas con Dancing in the Dark 🙊
(Eso dice tanto del mérito de la canción como de lo actualizadas que están la mayoría de radios de rock locales 🙊🙊🙊)
Ahora, cómo me volví a conectar con la canción es otra historia: el fin de semana pasado fui a ver la película La música de mi vida, acerca de un muchacho ingles de ascendencia pakistaní que descubre la música de Bruce Springsteen y cómo eso afecta su vida y sus sueños de ser escritor, y aparte que me gustó mucho, me hizo recordar la canción que estamos escuchando en este momento, más que nada porque recuerdo que fue la primera que escuché de Springsteen que no fuera Dancing in the Dark, y su estilo despertó mi curiosidad hacia su música.

qué es lo que más te gusta de la canción?: Que de verdad parece un himno: la percusión le da una gran potencia, tiene una melodía y un coro pegajosos, y la voz y el sentimiento con que la canta El Jefe no hacen si no darle más potencia todavía a una canción que llega a ser explosiva.
Y por otro lado, si bien no fue lo primero que me llamó la atención, me he dado cuenta que la letra, si bien hace una crítica al gobierno de Estados Unidos, lo hace con lirismo, con imágenes que apuntan a un sentimiento más universal, a algo con lo que otras personas que estén pasando por lo mismo pueden identificarse, y eso también me ha gustado.
(No es gratuito el calificativo de "poeta del rock 'n roll" que se ha ganado Springsteen)

algo más?: claro, siempre 😉 Si solo conocen a Springsteen por Dancing in the Dark (como me pasó a mi hace muchos años), entonces les invito (casi hasta les imploro 😄) que se animen a escuchar más canciones de él; si les agradó esta canción, pueden animarse a escuchar el resto del álbum Wrecking Ball (Death To My Hometown es una favorita personal) , o si no pueden comenzar por las más populares, como Born to Run, Born in the U.S.A. o Thunder Road.

Hasta aquí llegamos este fin de semana; espero que tengan una gran semana por delante, y que la música los acompañe 🤘🏽🤘🏽🤘🏽.

Hola a todos! Buenas noches (o buenos días, si leen esto de mañana) y bienvenidos a un fin de semana más de música aquí en Friday Songbird, el blog que aprovecha los feriados para hacer honor a su nombre una vez a las quinientas 😁. Este fin de semana nos toca escuchar los inicios de una banda indie de Los Angeles que luego ha tenido una evolución interesante. Con ustedes, Silversun Pickups.

La banda: Formados en el mero inicio del siglo, Silversun Pickups es un cuarteto con un estilo de rock alternativo / indie que ha ido evolucionando de forma interesante con el tiempo. Después de unos años de tocar juntos en la escena musical de Silver Lake, en Los Angeles, lanzaron su primer EP, Pikul, con el cual empezaron a acumular seguidores; poco después vendría su primer álbum de longitud completa, Carnavas. Tanto en estos dos primeros lanzamientos como en el siguiente, Swoon, se nota un estilo marcado por las guitarras con distorsión, el ritmo potente y este estilo vocal que suena a la vez suave pero potente, con una voz andrógina pero que sabe darle intensidad a las canciones cuando es necesario.
Para sus siguientes álbumes, la banda decidió explorar nuevas direcciones y hacer su sonido más rico con la adición de instrumentos electrónicos, lo cual dio como resultado pistas bastante interesantes como The Pit, de su tercer álbum, Neck of the Woods, o Circadian Rhythm, del cuarto álbum, Better Nature. Y como para que no nos olvidemos de ellos, este año han sacado su álbum más reciente, Widow's Weeds, en el cual mantienen la diversidad de sonidos de álbumes anteriores; una buena muestra es el single It Doesn't Matter Why.

La canción: forma parte de su primerísimo lanzamiento, el EP Pikul, y por tanto es una muestra de su sonido original, más sencillo, compuesto en parte por instrumentos acústicos (justo para esta canción tuvieron el apoyo de Tanya Haden, también de Silver Lake, tocando el cello). Este sonido más básico no quiere decir, sin embargo, que sea menos potente; de hecho creo que es al contrario, la sencillez aporta un poco a la fuerza de la canción, que se basa mucho en las guitarras con distorsión y las voces por momentos desgarradoras.

cómo la descubriste?: En esta ocasión, se la debo al algoritmo de Spotify, que creo que me la recomendó en uno de los playlists semanales; sospecho que debe haber sido porque ya antes los había escuchado. Esta vez fue un acierto espectacular.

qué es lo que más te gusta de la canción?: Que a pesar de tener el sonido más sencillo, tiene mucha fuerza; cómo comienza solamente con unos golpes de la guitarra acústica, y luego de a pocos va entrando la guitarra eléctrica y la canción va alzando vuelo, llegando a la estratosfera con el estallido vocal de Brian Aubert (vocalista de la banda).

algo más: claro! Como les comentábamos, la banda ha tenido una evolución interesante y ya tienen 5 discos de longitud completa en su haber, de modo que escucharlos será de todos modos un viaje interesante y altamente recomendado. Si quieren algunas guías en dicho viaje, mis favoritas personales son Circadian Rhythm y The Pit.

Eso es todo por esta ocasión. Sigan disfrutando el fin de semana largo, y que la música los acompañe! 🤘🏽🤘🏽🤘🏽

Hola a todos! Buenas tardes y bienvenidos a un fin de semana más de música. En esta ocasión, nos toca escuchar a Magpie Jay, que vienen desde Costa Rica a impresionar nuestros oídos con algo de rock alternativo. Vamos a escucharlos...

La banda: Magpie Jay es un quinteto relativamente joven, pero no por ello menos prolífico: se formaron tan recientemente como en el 2014, pero después de poco más de un año de hacer música juntos, se mandaron con su primer álbum, Monte Claro, donde se puede notar ese estilo de rock sencillo y directo, conducido siempre por las guitarras eléctricas. Al año siguiente sacaron su segundo álbum, Islita, manteniendo un estilo similar; de este álbum proviene la canción que estamos escuchando. Después de un par de años más trabajando sin parar en su música, decidieron hacer una pausa para contemplar cuál sería el futuro de la banda. Afortunadamente, decidieron continuar, y este año han sacado su más reciente álbum, Tragaluz, con la colaboración de dos productores musicales que les han ayudado a explorar otras direcciones musicales y eventualmente a encontrar un sonido más propio.
(Ellos mismos cuentan acerca de su historia, su pausa y las nuevas direcciones que está tomando su música en esta entrevista, súper interesante para conocerlos más de cerca.)

La canción: forma parte de su segundo álbum, y comienza muy tranquila, solamente con las notas de la guitarra eléctrica, a las cuales se unen luego, de forma discreta, los golpes de la percusión; en un momento, las guitarras se contienen y dejan sola a la percusión, para luego entrar con fuerza y darle a la canción su potencia central.

cómo así la descubriste?: Vía recomendación personal: un amigo con quien solemos intercambiar música compartió en un grupo una playlist de canciones de grupos latinoamericanos menos conocidos (probablemente porque la mayoría va por la vena del indie rock o indie pop, a diferencia de la música urbana o el latin pop que se suele asociar más frecuentemente con Latinoamérica). Me llamó mucho la atención el sonido de esta canción, que estaba incluida en el playlist (y también, todo hay que decirlo, el nombre de la banda 😄). Y hace unos días, revisando entre mis guardados de Spotify, me volví a cruzar con ellos y me volví a enganchar con la canción.
(otro punto para las recomendaciones personales! 😄)

qué es lo que más te gusta?: La forma calmada en que comienza la canción, cómo después cobra potencia, el gran ritmo que tiene y sobre todo que tiene ese estilo de rock sencillo y directo, y que a estos muchachos les funciona bien.

algo más?: claro! Le voy a dar una escuchada a su álbum más reciente para descubrir este nuevo sonido que ellos dicen que tiene; les invito a hacer lo mismo, a lo mejor y nos gusta tanto o más que el estilo de los álbumes anteriores.

Eso es todo por este fin de semana. Sigan disfrutándolo, y que la música los acompañe 🤘🏽🤘🏽🤘🏽

Hola a todos! Buenos días y bienvenidos a una edición más de Friday Songbird, el blog que tarda pero llega 😅. En esta ocasión, desde la lejana Rusia, vienen unos muchachos con un sonido que va entre el post-punk y el New Wave. Con ustedes, Motorama.

La banda: Motorama es un grupo formado en la ciudad rusa de Rostov del Don, allá por el año 2005. Inicialmente tenían un sonido muy similar al de la icónica banda post-punk Joy Division, en especial en cuanto al estilo del vocalista, muy similar al de Ian Curtis (vocalista de Joy Division); eso se nota muy fuertemente en 2 de sus EPs de la época, Horse y Bear. Por fortuna, en los años siguientes afinaron su estilo y añadieron algunas otras influencias, y para cuando sacaron su primer álbum, Alps, ya tienen un sonido propio, un poco menos sombrío que el generalmente asociado al post-punk. Un par de años después vio la luz Calendar, su segundo álbum, que estuvo en rotación por estos lares gracias a una radio local (la gran Doble Nueve), y posteriormente han sacado 3 álbumes de estudio más, el más reciente el año pasado, así que actividad no les ha faltado.
(Eso sin contar que han estado girando seguido, llevando su música desde su natal Rusia primero por Europa y luego hasta China, Japón, México e incluso Perú, por donde han venido ya un par de veces).

La canción: pertenece a su primer álbum, Alps, y tal como comentaba en la historia de la banda, en ella se nota un estilo ya más diferente al de los EPs anteriores, muy influenciados por el estilo de Joy Division; en esta ocasión las notas son un poco más 'alegres', se hace notar un poco más la guitarra melódica sobre el bajo (lo contrario es algo súper característico de las canciones de Joy Division) y la voz del vocalista deja un poco el estilo de barítono y se atreve a explorar otros registros. Todo esto da como resultado una canción que se siente más animada, a pesar de tener un ligero tinte melancólico.

cómo la descubriste?: A la banda, la descubrí hace tiempo, cuando su segundo disco sonaba en Radio Doble Nueve y una de las canciones, Image, era la cortina de una publicidad en dicha radio; los primeros segundos que utilizaban despertaron mi curiosidad lo suficiente como para buscar la canción completa. Eso fue allá por fines del 2012; no fue si no hasta hace unas semanas, que un amigo me compartió una lista de sus favoritas de lo que va de la década, que encontré la canción que estamos escuchando y me volví a enganchar con el grupo.

qué es lo que más te gusta?: Bueno, a mi me gusta Joy Division, así que una de las cosas que me gusta de la banda es que tienen un estilo parecido al de Joy Division 😄, pero de esta canción en particular me agrada el hecho de que es más animada, las notas son un poco más alegres y se han atrevido a explorar una variación de su estilo que, a mi parecer, les funciona genial.

algo más?: claro, siempre 😉 Si también les gusta Joy Division, les invito a que escuchen los primeros EP, solamente para que se den cuenta que suenan igualitos 😆. Y luego, ya que están por ahí, les recomiendo los 2 primeros álbumes, que son los que he escuchado por el momento.

Eso es todo por este fin de semana. Sigan disfrutándolo, y que la música los acompañe 🤘🏽.

Hola a todos! Sean bienvenidos a un fin de semana más de música, en este blog que ya debería llamarse Sunday Songbird porque miren qué día es y recién hay post 😆. Este fin de semana vamos a escuchar a unos muchachos del Reino Unido que hacen esta música que se oye como hip-hop con algunos otros aderezos, y que se oye perfecto para acompañar una tarde relajada o soñar con el verano ahora que estamos muriendo de frío aquí en el hemisferio Sur. Con ustedes, Easy Life.

La banda: Easy Life son una banda relativamente nueva, tal es así que no hay mucha info sobre ellos en ningún lado 😅. Sus perfiles en las redes sociales no nos cuentan mucho sobre la banda, pero gracias a la magia de Google encontramos esta entrevista / cuestionario en NME, donde nos enteramos que estos muchachos provienen de Leicester, Inglaterra, son 5 miembros y ellos describen su sonido como "tu jazz antiguo favorito mezclado con las sucias maravillas de las técnicas de producción modernas" 😆. Este mismo sonido, descrito por NME como "el punto de encuentro entre el hip-hop, el indie y el slacker-rock", les valió ser considerados en la lista de los 100 nuevos artistas a tener en cuenta en el 2018 (elaborada también por NME). Y felizmente para quienes los tuvieron en cuenta, los muchachos han seguido trabajando duro este año, en el que han visto la luz un par de EPs y un single.

La canción: forma parte de uno de los EPs que estos muchachos sacaron este año, llamado Spaceships Mixtape, y se va más para el lado del hip-hop, con el ritmo pegajoso, la prominencia de la percusión y la letra casi hablada o rapeada por momentos. Si afinamos bien los oídos, podemos escuchar por momentos una trompeta que adereza la canción con un toque de jazz y aumenta esta atmósfera de calma y relax que tiene la canción. La letra (que acabo de consultar, la verdad 😁) acompaña el ánimo de la canción: en ella el vocalista habla de una chica que "lo hace sentir como un Domingo", y por el tono de la canción podemos pensar que se refiere a uno de esos Domingos ociosos, de descanso y relajo.

cómo la descubriste?: Pensé que la había descubierto vía el programa matutino de una radio local (la gran Radio Doble Nueve), pero luego, revisando mis playlists de Spotify, resulta que ya la había escuchado en uno de los mixtapes de Noon Pacific, y hasta la había guardado como favorita... hace como 4 meses. Cómo hice para olvidarme de la canción hasta hace poco, no lo sé 😆.
(Creo que eso demuestra que el mejor momento para descubrir buena música es por las mañanas 😉)

qué es lo que te gusta de la canción?: Que es super relajada pero tiene este ritmo pegajoso, es sencilla, no muy elaborada; realmente se siente como un Domingo de verano a la tarde.

algo más?: por supuesto 😉. Si les interesó su música, pueden escucharlos en Spotify y luego seguirlos en todas sus redes, que están en Instagram, Facebook, Twitter y YouTube; de seguro seguirán sacando música interesante a futuro.

Así se acaba la semana, pero no la música; nos vemos el siguiente finde, para más buenas canciones. Tengan una gran semana, y que la música los acompañe 🤘🏽

Hola a todos! Bienvenidos sean a un fin de semana más en Friday Songbird, el blog que espera a que falten 3 horas para que termine la semana para recién postear algo 😆. En esta ocasión nos acompañan dos artistas peruanos a dúo: los muchachos de Mundaka, a quienes ya hemos escuchado por aquí a inicios del año, pero esta vez acompañados por la voz de Gala Briê para traernos una canción con tintes de balada o bolero.

Los artistas: Acerca de los muchachos de Mundaka ya les hemos contado hace unos meses, pero esta vez los acompaña Gala Briê, la reinvención musical de Gabriela Gastelumendi, cantante y compositora peruano-brasileña, antes integrante de la banda Las Amigas de Nadie. Como solista, su estilo va más por el pop suave (dream pop, tal vez?), y ella misma lo describe como "pop inteligente": sus letras y arreglos musicales pueden ser muy profundos y tocar fibras internas, y sin embargo su estilo pop puede sonar también a muy genérico, inauténtico o sentimentalón.
(Lo cual no quiere decir que no sea agradable de escuchar 😁)

En lo que lleva de carrera como solista le ha tocado ser telonera de grandes como Coldplay, Katy Perry o Ximena Sariñana, y además estoy casi seguro que la he visto conducir un programa en Movistar Música (canal de cable peruano dedicado, como su nombre lo indica, a la música).

La canción: es el primer single de Mar Adentro, un EP grabado en vivo, y nos permite escuchar a ambos artistas en facetas diferentes a las habituales: aquí los Mundaka dejan el surf rock y Gala deja el pop para traernos una canción que suena como a un bolero o incluso a un landó, con marcada influencia de música tropical y latinoamericana. Eso le da un toque muy interesante, en especial en el caso de Gala Briê, que en esta canción cambia su estilo de voz suave para adoptar un registro más grave, que se acopla con la cadencia de la canción (y es un gran complemento de la voz del vocalista de Mundaka).
(Me hace recordar - en especial la parte instrumental del medio - a un par de canciones de Marc Anthony que no son salsa, pero tampoco estoy seguro qué son 😅. Yo diría que son boleros, así que dejémoslo en eso)

cómo la descubriste?: Vía Spotify: si no fue en un Daily Mix fue en el playlist de descubrimiento semanal.
(Punto para el algoritmo de Spotify tons 😆)

qué es lo que más te gusta de la canción?: Me gusta mucho la cadencia que tiene, este ritmo como de bolero o balada, que suena a bien relajado; el solo instrumental en medio de la canción suena genial también.

algo más?: Claro, siempre. Los muchachos de Mundaka tienen un playlist donde han compilado todas las influencias que les inspiraron en la composición de esta canción: se llama Influencias de Ermitaño.
También pueden seguir escuchando a Gala Briê en Spotify y luego de eso, seguirla en Facebook e Instagram.

Eso es todo por este fin de semana. Nos vemos la semana que viene!

Hola a todos! Bienvenidos a un fin de semana más de música en este blog pobre pero honrado 😆. Hoy, con ocasión del (próximo) aniversario patrio de Perú, les traemos una de las bandas más populares del pop-rock peruano. Con ustedes, Mar de Copas.

La banda: Formados en el 92, los Mar de Copas se han constituido en una de las bandas más populares de la escena rock peruana, con un estilo más cercano al pop-rock, melódico, con la presencia siempre de las guitarras eléctricas y acústicas. Este estilo es uno que han sabido mantener a lo largo del tiempo, casi sin explorar otras direcciones musicalmente hablando; en mi opinión, esto es lo que les ha permitido ganarse un fanbase muy fiel (porque ellos mismos han sabido mantenerse muy fieles a su estilo), pero a su vez es algo que critican sus detractores, a quienes he escuchado decir que todas sus canciones 'suenan igual'.
(Personalmente, me gusta su estilo, y tuve mi época en la que los escuchaba bastante, pero sí me hubiera gustado verlos explorar otras avenidas musicales. Sé que algunos de los miembros tienen otros proyectos con un estilo distinto)

La canción: forma parte de Suna, su cuarto disco de estudio, pero es una de las menos conocidas. Tiene el 'sello' de la banda, aunque es un poco más melódica que el resto de las canciones del mismo disco; además, es una de las pocas cantadas por Manolo Barrios, el guitarrista de la banda, en lugar de Wicho García, la voz principal en la mayoría de canciones. Comienza muy melódica, y justo a la mitad tiene un quiebre muy interesante, después del cual despega con una fuerza un poco más rockera.

cómo la descubriste?: Resulta que así como yo, mi hermano también fue seguidor de Mar de Copas, pero él se tomó el trabajo de escuchar algunos (si no todos) los discos de la banda; si no me falla la memoria, fue él quien me recomendó la canción, y su recomendación quedó.

qué es lo que más te gusta?: La forma en que la canción inicia, tranquila, melódica, y como hace un quiebre y luego despega con mucha más fuerza, para terminar también con otro quiebre y un par de notas de la guitarra eléctrica. La voz de Manolo le da también un toque diferente al de otras canciones más conocidas, un toque un poco más apacible.

algo más?: claro! Si les gustó el estilo de la canción, les invito a explorar el resto de la discografía de estos muchachos, que como les comenté, han sabido mantenerse fieles a su estilo. Y lo bueno es que no solo lo pueden hacer vía Spotify (que aún no nos auspicia pero algún día lo hará 😆), si no que también pueden hacerlo a través de su página (http://www.mardecopas.com.pe/), en la sección 'Radio Mar de Copas'.
(Si, por el contrario, son de los que _no_ les agrada mucho su estilo, igual denle una oportunidad a la canción, fácil les agrada tantito el estilo)

Eso es todo por este fin de semana. Sigan disfrutando, y que la música los acompañe.
(Y si son peruanos, ¡felices Fiestas Patrias! Disfruten los feriados 😉)

Buenas noches songbirds!! El día de hoy se han alineado los planetas y los signos zodiacales y todo como para que publiquemos en día Viernes 😆, y para hacer honor a dicha afortunada circunstancia (que haremos lo posible por que se repita más seguido), les traemos una artista que acabamos de descubrir por recomendación personal. Con ustedes, Gaby Moreno.

La artista: Nacida en Guatemala, Gaby Moreno descubrió su vocación por la música desde muy joven, y ello la llevó a trasladarse a Los Angeles al terminar la secundaria para estudiar en el Musicians Institute. Ya en Los Angeles, empezó a tocar en vivo y a componer canciones como "Escondidos", que ganó el John Lennon Songwriting Contest del 2006 (el mismo que la artista de la semana pasada 😯). Un par de años después, lanza al mundo su primer álbum, Still The Unknown, del cual forma parte la canción que hoy estamos escuchando. Lejos de detenerse allí, su carrera continuó viento en popa: este primer álbum le ganó el hacer de telonera de Tracy Chapman, y 4 años después compondría la canción de la serie norteamericana Parks and Recreation, lo que la haría merecedora a una nominación a los premios Emmy. Ese mismo año lanzaría su segundo álbum, Illustrated Songs, y al año siguiente haría dúo con Ricardo Arjona en el single Fuiste Tú.
(En esta casa no somos muy fans de Arjona, pero ubicamos la canción, y seguro que ustedes también (no se hagan 😝), así que ahí va, la voz femenina que acompaña a Arjona en esa canción es la artista que hoy escuchamos)
Después de Illustrated Songs, Gaby Moreno ha lanzado 3 álbumes más, casi todos bilingües, con un estilo que acoge varias influencias como el blues, jazz, R&B, soul y Latin folk, además de acompañar a otros artistas como Hugh Laurie (sí, el actor que interpretaba a Dr. House, también es músico) e interpretar temas como la canción principal de la película de Disney Elena of Avalor. Así que, desde su primer álbum, definitivamente ha estado en movimiento.

La canción: es una balada tranquila, apacible, donde solo se notan los instrumentos acústicos: resalta la guitarra, sobre un fondo compuesto por la percusión, muy sutil, y el bajo, más sutil aún. La voz de Gaby, muy dulce y fina, se desliza sin esfuerzo sobre el camino puesto ante ella por los instrumentos (y además tiene este efecto como si fuera ella misma varias veces, su misma voz pero haciendo eco); el resultado es francamente sublime.

cómo la descubriste?: nuevamente, por recomendación personal - este par de semanas justo han coincidido las buenas recomendaciones y la falta de creatividad del algoritmo de Spotify 😁.
(sin los amigos que recomiendan buena música, el mundo no sería el mismo 😄)

qué es lo que más te gusta de la canción?: la cadencia que tiene, la voz de Gaby Moreno y en especial cómo la hace sonar un poco más grave en las estrofas y más aguda en el coro, el hecho de que es súper tranquila, ideal para pasar el invierno, así relajado y bien abrigado
(porque hay días en que toca encarar el invierno, y días en que podemos simplemente dejarlo pasar; esta canción es ideal para el segundo tipo de días 😉)

algo más?: por supuesto, siempre 😉 Les recomendaría que escuchen todo el Still The Unknown, que tiene un estilo variado: por ahí una de las últimas canciones me sorprendió con un toque rockero / bluesero, junto con una versión de una canción tradicional mexicana. Y... por supuesto, sigan a Gaby Moreno en sus redes, porque tiene canal en YouTube, página en Facebook y cuenta en Instagram.

Lo que es nosotros, aquí nos despedimos, esperando que tengan un fin de semana genial, y que la gran música los acompañe siempre. Nos vemos!!

Buen día songbirds! Bienvenidos a un día más de música, en este blog que ha caído víctima de los fines de semana atareados del autor 😅. Esta semana traemos a sus oídos un talento de la rica Colombia, con un gran ritmo, maravillosa voz y letra inspiradora. Con ustedes, Felisa.

El artista: Felisa es una cantautora originaria de Medellín, y según ella misma cuenta, desde muy pequeña está apegada a la música: las lecciones de piano que su madre le hacía tomar por consideraciones prácticas al final se convirtieron en lecciones de guitarra que cultivaron su amor por la música. Al momento de ingresar a la universidad, decidió estudiar Derecho, pero por esas cosas del destino, su facultad estaba ubicada al lado de la facultad de Música, de modo que siguió conectada con su lado musical, interpretando y componiendo, hasta que se decidió a dar el salto con su primer EP, Geometría Natural, que incluye la canción que estamos escuchando en este momento. Después de ello, se decidió a dar otro salto, hacia Nueva York, a profundizar su conocimiento musical; fruto de esta evolución son las 11 canciones de su primer álbum de larga duración, Real, lanzado al mundo el año pasado.

La canción: además de ser parte del EP Geometría Natural, ganó la categoría latina del John Lennon Songwriting Contest el año 2016, según dice Spotify (que no nos auspicia pero algún día lo hará 😆), y para nosotros, eso es mérito suficiente (tiene "John Lennon" en el nombre, fin de la discusión 😄). Tiene este gran ritmo, muy pegajoso, sobre el cual los arreglos de trompeta y saxo la hacen sonar como funk o ska, y sirven como complemento perfecto para la manera sublime en que Felisa despliega su voz.

cómo la descubriste?: pues esta vez no nos la recomendó ningún algoritmo, sino una persona de carne y hueso, que conoce de este blog y nos recomendó de manera espontánea esta canción.
(Lo cual nos cayo a pelo porque no teníamos canción para este fin de semana y estábamos rebuscando nuestros playlists 😆)
(hurra por las recomendaciones personales! 😄)

qué es lo que más te gusta de la canción?: Bueno, quien nos la recomendó nos cuenta que le gusta mucho la letra, que se siente identificada con lo que dice, con este tema de ir "paso a paso / pero con mi ley", por el camino que uno mismo se ha trazado, aunque no sea el que siga la mayoría.
En este blog, por nuestro lado, también nos agrada el tema de la letra, pero nos ha atrapado el gran ritmo de la canción, y sobre todo la voz de Felisa y la manera en que la maneja, como un instrumento más, sabiendo cuándo hacerla más dulce y cuando más fuerte, para darle más punche a la canción.

algo más?: por supuesto, siempre 😄. Si les ha gustado la música de Felisa, pues no duden en seguirla escuchando, en Spotify o en Youtube, y si les interesa saber más de ella, pueden seguirla en Instagram, Twitter o Facebook (de éste último saqué parte de la historia que cuento al inicio).

Eso es todo por esta semana, que esperamos que les esté tratando bien. Nos vemos la semana que viene (o antes, si los planetas se alinean 😆). ¡Que la música los acompañe! 🤘🏽🤘🏽

Buenas noches songbirds! Bienvenidos sean a un fin de semana más de música, en el que no hemos podido evitar ser contagiados por el entusiasmo que ocasionó la llegada hasta la final de la selección peruana de fútbol en la Copa América. Por eso, en honor a esta hazaña, les dedicamos una canción de una de las bandas de rock más épicas de todos los tiempos.

La banda: Ya hemos hablado con anterioridad aquí de Queen (de hecho, en esa ocasión, también se lo dedicamos a la selección peruana 🤩), así que no hay mucho que agregar. Son considerados entre los músicos con mayores ventas del mundo, y en el año 2001 fueron incluidos en el Salón de la Fama de Rock and Roll; todo esto, obviamente, muy bien merecido, dada su capacidad para crear canciones que se han vuelto prácticamente himnos de la cultura popular.
(Un dato curioso para hacerlo interesante: dos de los miembros originales de la banda, el guitarrista Brian May y el baterista Roger Taylor, tocaban antes en una banda llamada Smile. Freddie Mercury, el vocalista, era fan de Smile, y se unió a ellos en el 70, instándolos a experimentar musicalmente; fue él también quien sugirió que cambiaran su nombre a Queen. El último en unirse a la banda fue el bajista John Deacon; con él ya tendrían la formación completa antes de lanzar su primer disco en el 73).

La canción: es la segunda pista en el sexto álbum de estudio de Queen, News Of The World, y según cuenta la leyenda 😄, fue compuesta por Freddie Mercury en respuesta a una reacción de su público después de un concierto, quienes espontáneamente se pusieron a cantar You'll Never Walk Alone (canción también conocida como el himno del Liverpool Football Club). Y realmente sabían lo que hacían, ya que la canción ha sido considerada una de las más pegajosas de la historia, además de un himno infaltable para celebrar u honrar las victorias, especialmente las ganadas después de mucho esfuerzo.

qué la hace tan genial?: Más allá de la ciencia que parece haber detrás, yo creo que la potencia vocal de Mercury y la forma en que la canción comienza primero muy tranquila, solamente con piano y voz, y luego estalla con la tremenda energía propia de un himno del rock, la hacen una gran canción. A esto hay que sumarle también una letra totalmente inspiradora, que habla de retos alcanzados, de victorias ganadas con mucho esfuerzo y de avanzar a pesar de los obstáculos que puedan surgir en el camino.

algo más?: Claro! Este es nuestro pequeño homenaje a lo que ha logrado la selección peruana de fútbol, que esperamos sea solamente un logro más en una larga carrera de grandes éxitos. Dudo que nos lean 😁 pero igual, muchas gracias por las alegrías muchachos 🎉🎉🎉.

Eso es todo por esta semana. Que la semana que nos espera les sea propicia, y que la música los acompañe 🤘🏽🤘🏽. Nos vemos!

Hola a todos! Bienvenidos a una semana más de música aquí en Friday Songbird, el blog que hace todos los esfuerzos habidos y por haber para no respetar su nombre 😅. El día de hoy les traemos rock peruano del bueno, con una banda representativa de los 2000s. Con ustedes, los Fuckin Sombreros.

La banda: Cuenta la historia (relatada por sus propios protagonistas) que allá por Setiembre del 2001, François Peglau y Pipe Villarán se juntaron a componer un par de canciones, en parte gracias a su mutuo interés por la música y en parte porque no estaban tocando en ese momento en otras bandas 😄. Más tarde se les uniría Arturo Ríos, y junto a él comenzaría a surgir el sonido característico de la banda, rock 'n roll con un toque de blues, por momentos muy saltarín, por momentos más melódico (ellos se describen como "una banda de rocanrol sin prejuicios"). Para el verano del 2002, comienza a gestarse lo que sería su álbum debut, Bazuka! (al cual pertenece la canción que estamos escuchando). Lo único que les faltaba era un bajista; después de una agotadora búsqueda, se les unió Miguel Barretos, formando así el cuarteto que pasaría a llamarse Los Fuckin Sombreros.
Del 2003 al 2006 sacan 3 álbumes y se van haciendo un nombre como una de las mejores bandas en vivo de Lima, hasta que en algún momento antes que inicie la década siguiente, la banda se desbanda 😁 y algunos de ellos emprenden proyectos solistas (como François Peglau, a quien ya hemos escuchado anteriormente en este blog). Y si bien no parecen tener en mente volver a agruparse a largo plazo, nada descarta un reencuentro, como el que se llevó a cabo hace poco, en 2 fechas con lleno total, una señal de que todavía mueven a la fanaticada.

La canción: es del primer disco, Bazuka!, y desde el arranque tiene este estilo rocanrolero, casi punk, característico de la banda: la percusión potente, las guitarras ruidosas, todo lo necesario para crear una canción ante la cual es difícil quedarse quieto. Por su lado, la letra tiene este toquecillo irreverente, cuando habla de "destruir para construir" y de alguien que "prefiere vivir / a dejarse morir / sorprendido"; creo que eso combina muy bien con la parte musical.

cómo la descubriste?: fue ligeramente curioso, la verdad: estaba yo buscando mi favorita de la banda, Qué Chucha Blues (gran título para una canción 🤣), y por genial coincidencia, en la lista de las más populares según Spotify, justo después de Qué Chucha Blues, está la canción que estamos escuchando ahora; apenas la escuché, me quedé pegado (no la había escuchado antes), y pasó a formar parte de mis favoritas de la banda.

algo más?: Claro! Escuchen mi favorita de la banda, Qué Chucha Blues (no puedo con el título 🤣), que es todavía más saltarina (los reto a quedarse quietos mientras la escuchan, es imposible 😆). Y ya que están por allí, pueden recorrer toda la discografía de los Sombreros, que está enterita en Spotify (que aún no nos auspicia pero algún día lo hará 😄).

Eso es todo por este fin de semana. Se me cuidan, y nos vemos el próximo finde.

Hola a todos! Bienvenidos sean a un fin de semana más de música (o a una semana más de música, si leen esto el Lunes por la mañana 😅). En esta ocasión les traemos a un dúo peruano que mezclan diferentes estilos de música típica peruana con un toque psicodélico y mucho ritmo. Con ustedes, Dengue Dengue Dengue.

El artista: Dengue Dengue Dengue son un dúo audiovisual conformado por los productores, DJs y diseñadores gráficos Felipe Salmon y Rafael Pereira. Originados en el 2010, pronto comenzaron a llamar la atención en Lima, Perú, no solo gracias a sus mixes de cumbias tradicionales con ritmos electrónicos, si no también gracias a los efectos visuales que acompañaban a sus presentaciones y a las máscaras que suelen usar en cada una de ellas. (Una vez un amigo los calificó como 'los Daft Punk peruanos', y creo que no cae tan lejos de la realidad 😁.)
Su peculiar estilo les ha hecho ganar una considerable cantidad de seguidores en Perú, además de llamar la atención de disqueras extranjeras y permitirles recorrer el mundo, haciendo bailar al público europeo y estadounidense en diversos festivales.

La canción: forma parte del EP Semillero, un álbum con una temática espiritual, que incluso en algunos tracks toma elementos de música de tribus aborígenes de la Amazonía. Eye Acucho, en particular, fue creada en colaboración con Miki Gonzales, conocido músico peruano, que en esta ocasión presenta su faceta electrónica bajo el seudónimo de Mikongo, y le dio acceso al dúo a su amplia colección de grabaciones de instrumentos musicales típicos del Perú. De allí, los muchachos de Dengue tomaron los sonidos de las arpas y los charangos ayacuchanos para dotar a esta canción de un sonido ancestral, que se complementa muy bien con el ritmo de la parte electrónica.

qué es lo que más te gusta de la canción?: justamente la forma en que han podido mezclar estos sonidos típicos, ancestrales, en una canción que también tiene su cuota de ritmo; es casi como si uno pudiera invocar a los espíritus mientras está bailando 😆.
(Me recuerda mucho también a la música que acompaña a la danza de las tijeras, y con el trasfondo místico que tiene esta danza, ya estamos servidos 😁)

algo más: obvio 😄 Los Dengue tienen ya detrás de sus máscaras un buen par de discos y 3 EPs, así que si no los han escuchado antes, vayan a hacerlo ahora mismo, que tienen material de sobra.

Aquí nos quedamos por esta semana; espero que les haya gustado la canción, y que tengan una gran semana. Nos vemos!

Hola a todos! Buen día, y bienvenidos a una semana más de música en Friday Songbird, el único blog que no le hace caso a su nombre y postea en cualquier día menos Viernes 😅. El día de hoy tenemos a una banda norteamericana de synthpop con una canción que ya tiene algunos años, pero que nosotros acabamos de descubrir. Con ustedes, Future Islands.

La banda: Future Islands se formaron en el 2006 con los tres integrantes que quedaron de un proyecto anterior, la banda universitaria Art Lord & the Self-Portraits. Estos tres miembros originales son los que se han mantenido con la banda a lo largo de toda su carrera: Samuel T. Herring en la voz, Gerrit Helmers en los teclados y William Cashion en el bajo. La ausencia de una guitarra eléctrica en el sonido de la banda les da un estilo característico, ya que hace que los teclados tomen su lugar, y con el abanico de sonidos que este instrumento es capaz de lograr, sus canciones tienen una variedad que tal vez no tendrían si recurrieran a la guitarra eléctrica, sin que ello signifique que no tienen un sonido propio. Por otro lado, la voz de Herring, grave pero sin llegar a serlo tanto, y aplicada sobre unas letras casi siempre melancólicas que contrastan con el fondo musical más bien upbeat, contribuyen a redondear este estilo propio de la banda.

(De hecho hay algo muy interesante que dijo una vez el vocalista en una entrevista (según Wikipedia), acerca de este contraste entre la melodía y las letras: )

Mientras que las canciones siempre han sido medio felices y animadas, el mensaje a menudo es melancólico. Me gusta de ese modo, el instinto natural de la gente es bajar la guardia y bailar, y recién luego dejan que las palabras calen en ellos. En lugar de dar la espalda a la oscuridad, acogen la luz y encuentran la oscuridad. Creo que el opuesto también es cierto.

La canción: es parte del álbum Singles, el cuarto de la banda, lanzado en 2014, y es completamente mágica. Comienza con efectos que claramente le pertenecen a los teclados, pero luego, después de unos segundos de haber sido capturados por la voz, entra el bajo y le da un ritmo potente a la canción. Y en adelante, la canción no hace otra cosa que elevarse y elevarnos a nosotros con ella.

Ahora bien, la letra... es otra historia. Tal cual es su estilo, para una melodía poco menos que bailable, los Future Islands nos regalan una letra más bien melancólica, que habla de esta extraña sensación de tener a una persona muy cerca pero a la vez sentir que está lejos, o que es casi inalcanzable, tal como la luna (como dice el título de la canción). Y ese tema tiene una forma casi mágica de encajar con la melodía, de complementarla perfectamente en lugar de estar en desacuerdo.

cómo la descubriste?: De una forma bastante curiosa: resulta que nos pasaron la voz a un grupo de amigos acerca de los #NASAMoonTunes, la campaña de la NASA para armar el playlist para el viaje de regreso del hombre a la Luna. Y un amigo de este grupo (con el cual quien escribe comparte una gran afición por la música y algunos gustos musicales) sugirió ésta canción como propuesta para el mencionado playlist. De más está decir que bastó una sola escuchada para quedarnos enganchados 😁.

qué es lo que más te gusta de la canción?: difícil decidirlo 😄. El bajo, la forma en que toma protagonismo y le da potencia a la canción, la gran voz de Samuel T. Herring, la letra... o como todo se combina para dar forma a una canción alucinante. Con esta canción los astronautas viajarán mientras estén viajando 🤩.

algo más?: claro! Tienen toda la discografía de Future Islands para escuchar; pueden comenzar por sus sencillos más conocidos, como Seasons (Waiting On You) o A Dream of You and Me (ambos también del álbum Singles) y luego profundizar con el resto de discos.

Eso es todo por esta semana. Esperamos que los planetas se alineen para poder publicar la siguiente canción el Viernes de esta semana y no ser tan fallas 😅. Tengan una excelente semana, y que la música los acompañe.

Buen día songbirds!! Bienvenidos sean a un día más de música (porque decir 'fin de semana' últimamente no está resultando 😅). Otras actividades personales nos han mantenido alejados de este blog esta última semana, pero aquí estamos nuevamente, y además tenemos motivo de celebración: consultando los calendarios, resulta que el primer post de este blog se publicó hace poco más de un año, así que estamos de aniversario 🎉🎊. Y casi por mágica coincidencia, la misma artista con la que iniciamos esta aventura acaba de sacar un nuevo single, de modo que, sin más preámbulo, aquí está Lana del Rey para bendecir sus tímpanos.

Los artistas: Sobre Lana del Rey, no hay mucho que podamos decir y que no hayamos dicho ya: es una de las favoritas de esta casa, y este año ha lanzado dos singles supremamente bien ejecutados: el que estamos escuchando el día de hoy, y hope is a dangerous thing for a woman like me to have - but i have it (totalmente recomendado, es más, vayan a escucharlo ahora mismo - por aquí, los podemos esperar 😆). En esta ocasión ha elegido hacer un cover de una canción que se aleja un poco de su estilo sadcore, un reto que termina siendo una prueba de su sublime talento.

Ahora bien, sobre los intérpretes originales no hemos hablado antes, pero resulta que sí los conocíamos: Sublime es una banda que en las radios de música rock nacionales es más que nada conocida por su hit single, Santeria (que si lo escuchan por aquí, seguro lo reconocerán), pero que tienen un par de ases bajo la manga, como la versión original de la canción que estamos escuchando en este momento. Formados en el 88 como una banda de garage punk, alcanzaron popularidad en la década siguiente, aprovechando el impulso de la popularidad de otros actos punk como Green Day o The Offspring; a diferencia de ellos, sin embargo, su música está un poco más influenciada por el ska y el reggae (lo cual se aprecia muy bien en Santeria, que no podríamos calificar propiamente como punk, y en esta canción). Ya iniciada la década de los 90s, lanzaron 3 álbumes, en el 92, 94 y 96, antes de que su carrera terminara con la muerte del vocalista y la posterior disolución de la banda; tendría que pasar más de una década para que los miembros restantes de la banda se juntaran con el cantante Rome Ramirez para formar Sublime with Rome, que desde el 2009 vienen haciendo música hasta la actualidad, si bien con algunos cambios de integrantes. (En el interín, los miembros restantes formaron Long Beach Dub Allstars, pero no lograron el éxito mainstream que alguna vez disfrutó Sublime, se disolvieron en el 2002 y se volvieron a juntar 10 años después, con rumores de que estarían trabajando en nuevo material).

La canción: tiene este ritmo super pegajoso, con un intro casi rapeado, que suena más a hip-hop o a reggae que a otra cosa; se nota claramente la dirección que tomó Sublime al alejarse un poco del punk.
Ahora bien, si tomamos esta canción, super chill, con este gran ritmo, y le añadimos la (sublime) voz de Lana del Rey, y el resultado es... una delicia para nuestros oídos 🤤. Si bien la canción, en mi opinión, no conserva mucho del estilo hip-hop / reggae del original, mantiene este ritmo super relajado, y lo combina espectacularmente con la voz más bien grave de Lana, que sin embargo sabe llegar a grandes alturas cuando la canción lo exige.

Eso es todo por nuestra canción de aniversario 🎉🎉🎉. Que hayamos cumplido un año es bastante especial de por sí, pero igual quisiéramos hacer algo especial; así que manténganse en sintonía 😁, y tengan una genial semana. Nos vemos!

Hola a todos! Buenas noches (o buenos días, si están leyendo esto el Lunes 😉), y bienvenidos a un fin de semana más en Friday Songbird, el blog que debería cambiar su nombre si sigue posteando a horas de que acabe el fin de semana 😅. Este fin de semana nos iremos por un género que no hemos presentado antes en este blog, el reggae, y nos acompañará nada menos que su mayor exponente, Bob Marley.

El artista: Nacido como Robert Nesta Marley en la Jamaica de los años 40, Bob Marley es considerado una de las figuras más trascendentes del reggae, principalmente porque su éxito fuera de las fronteras de su país hizo que dicho género musical fuera primero conocido y luego incluso popular a nivel mundial, frente a audiencias que antes de los 60s y 70s probablemente nunca habían escuchado ese tipo de música. Su carrera musical inició casi a la par de la década de los 60s con el grupo Bob Marley & The Wailers; a mediados de la década lanzaron su primer álbum de estudio, The Wailing Wailers, cuyo single One Love/People Get Ready triunfó a nivel internacional y los puso en la mira como exponentes del reggae. El resto de la década se dedicaron a elaborar más álbumes de estudio y a evolucionar su sonido a algo más rítmico; cuando comenzaba la década de los 70s, lanzaron dos álbumes, Catch a Fire y Burnin', los cuales elevaron su éxito a nivel internacional. Un año después, los Wailers se disolvieron, y Marley continuó con su carrera como solista, con mayor éxito aún, hasta su muerte en el 77 debido a un melanoma; ese mismo año había lanzado el álbum Exodus, considerado en algunas listas como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos.

La canción: es una que me cuesta ubicar en un álbum, pero que al parecer fue escuchada primero en el álbum en vivo Live!, pero que yo escuché primero en un recopilatorio, y cuya versión "de estudio" (porque definitivamente no es en vivo) es la que estamos escuchando ahora (y la que yo recuerdo haber escuchado primero).
La versión que estamos escuchando ahora tiene todos los elementos característicos del reggae: un ritmo muy marcado, generado por el protagonismo de la percusión y acentuado por la guitarra rítmica, que tiene este efecto distintivo del reggae, distinto del "ruido" del rock, que suena algo así como gotas de agua (escúchenlo y me entenderán 😅). Sobre esta base, la voz de Marley y sus acompañamientos vocales crean una canción ante la cual es casi imposible no mover aunque sea una parte del cuerpo, sin ser necesariamente una canción bailable.

cómo así la descubriste?: Ésta sí tiene una historia peculiar: llegó a mí más o menos por el año 2002 o 2003, de manera completamente casual. Un tío mío que vive en Estados Unidos envío por esas fechas cosas que creyó que podían ser de mejor uso por aquí, y entre ellas estaba una recatafila de CDs variados; el único que llamó mi atención fue uno que solamente ponía, en la carátula, "Bob Marley - Soul Shake Down Party" (incluso creo que todo en minúsculas). Movido por mi curiosidad, hice algo que ahora ya no hago tan seguido: me escuché el CD de cabo a rabo, un buen par de veces; de hecho recuerdo que una de esas veces fue mientras hacía alguna labor hogareña como repintar una pared de mi casa. Y recuerdo también que me llamó mucho la atención el sonido como de baja fidelidad de las canciones, y el tono melancólico de muchas de ellas, acentuado por el coro que acompañaba a Marley. De las que más recuerdo (y que más me gustaron), una de ellas fue la que estamos escuchando ahora.
(No ha sido si no hasta ahora, que me puse a buscar información acerca de ésta canción y el resto que recuerdo, que descubrí que se trataba de un disco recopilatorio, de canciones menos conocidas, de la época en que Bob Marley & The Wailers aún no habían firmado con una disquera grande. Es muy probable que yo tuviera entre mis manos una rareza de álbum que, lamentablemente, por un poco de descuido y otro poco de cambio de reproductores musicales, ya se ha perdido 😔).

qué es lo que más te gusta de la canción?: Aparte del ritmo lento pero contagioso, las notas alegres y la forma como Bob Marley la canta, me encanta que los primeros versos dicen "una cosa buena de la música, es que cuando te golpea, no sientes dolor"... Nunca se dijeron palabras más ciertas 🤩.

algo más?: claro! En la búsqueda respectiva para escribir este post, encontré este listado de las canciones del recopilatorio, que es el que más se aproxima a mi memoria. He encontrado este playlist en Youtube, pero no tiene los mismos tracks, así que... me tendré que conformar con mi memoria o buscar en fuentes más clandestinas 😄.

Eso es todo por este fin de semana. Espero que les haya gustado nuestra primera incursión en el reggae, que hayan pasado un gran día de las madres, y que tengan una gran semana. Nos vemos el otro finde!

Buenas noches songbirds! Bienvenidos a un fin de semana más de música (el fin de semana se acaba pero la música no 😁). En esta ocasión, tenemos con nosotros una canción para abrigarse, ahora que el frío ya empieza a hacerse notar aquí en el hemisferio Sur (en especial en la ciudad de Lima), y con un título apropiado para la estación: Autumn Leaves (Hojas de otoño), interpretada por Julian "Cannonball" Adderley.

El artista: Considerado como uno de los maestros del saxofón alto en el jazz, Cannonball Adderley tuvo una carrera musical muy interesante, que comienza a inicios de los 40s y lo lleva a cruzar caminos con el gran Ray Charles, pionero de la música soul. A finales de los 40s se muda a Florida, obtiene el puesto de director de la banda de una escuela secundaria local, y alcanza gran reconocimiento en dicho estado; a pesar de ello, se muda a Nueva York para seguir estudios de postgrado en los conservatorios de la región. Allí, una noche del año 55 en que llevaba su saxofón, lo convencieron para reemplazar al saxofonista del grupo de Oscar Pettiford (otro reconocido jazzista) en una presentación en el Café Bohemia. Su actuación causó tal sensación que en poco tiempo ya había firmado con una disquera y tomó la decisión de quedarse en Nueva York para dedicarse a tiempo completo al jazz.
Poco después cruzaría caminos con otro grande del jazz, el legendario Miles Davis, y juntos colaborarían en 3 discos: Somethin' Else (cuya pista inicial es la que estamos escuchando ahora), Milestones y Kind of Blue (en estos dos últimos participa como parte del sexteto de Miles Davis).

La canción: es una canción popular de jazz, compuesta más de una década antes de que se lanzara Somethin' Else, y que acabo de descubrir que tiene letra en inglés _y_ en francés 😲. La versión que estamos escuchando, como se habrán podido dar cuenta, es completamente instrumental... lo cual, para mí, la hace 10 veces más genial: transmitir tanto o más que una canción con letra, hacer que los instrumentos hablen, tiene mucho mérito; ahora bien, crear una atmósfera con los instrumentos, hacer que te transporten a una tarde de otoño, ya es casi mágico 🤩.

cómo la descubriste?: porque el gran Ricardo Liniers la compartió hace como 7 años en Twitter con el subtítulo / hashtag de 'música para despertarse'... por lo cual le estoy eternamente agradecido 🤩.

qué es lo que más te gusta de la canción?: todo 😆. El inicio lento, despreocupado, del piano; esa entrada sutil de los vientos, que luego se convierte en un estallido; la percusión, con ese estilo pausado, casi se podría decir dosificado; cómo los vientos prácticamente conversan entre sí; cómo el piano, casi al final, tiene una segunda aparición que guía a la canción a un final que es como una dulce despedida, un "buenas noches amigos, que duerman bien"... Son más de 10 minutos de genialidad, es complicado elegir un solo aspecto.

algo más?: claro! Me sorprendió averiguar que Miles Davis había participado en este disco, y más me sorprendió averiguar que, al año siguiente, Cannonball Adderley participaría en Kind of Blue, uno de los mejores discos de jazz de todos los tiempos, pero con un aire mucho más calmado, con canciones que se podría decir que son más sencillas, más destiladas.
(Si no están escuchando ahorita mismo el Kind of Blue, ya se están tardando 😆. Y ya que están en eso, también pueden escuchar el resto del Somethin' Else)

Eso es todo por este fin de semana; es la primera vez que ponemos un poco de jazz por aquí, y les aseguro que no será la última 😉. Hasta el próximo fin de semana, y que la música los acompañe.

Hola a todos! Buenos días y bienvenidos a una edición más de Friday Songbird, que esta vez llega vergonzosamente tarde, por motivos de un fin de semana espantosamente atareado 😅.
En esta ocasión nos toca cerrar el mes de invitados con una canción, literalmente, de película, pero que probablemente muchos la conozcan por un cover más reciente. Con ustedes, Over the Rainbow

La canción: Probablemente la versión que muchos conozcan, y la que yo tenía en mente al comenzar a escribir este post, es la que estamos escuchando en este momento: una versión acústica, interpretada por una voz masculina, acompañada por un instrumento de cuerda, y con un aire más bien melancólico. Después de una búsqueda inicial, aprendí que el intérprete de esta canción es Israel Kamakawiwo'ole, uno de los artistas más famosos en Hawaii (de lo cual deducimos que el instrumento de cuerda que acompaña su voz es un ukulele). Durante los años 70, como parte de un grupo llamado Makaha Sons, ganaron fama interpretando música tradicional hawaiana; ya por los 90s, Kamakawiwo'ole decidió iniciar una carrera como solista, con un estilo más contemporáneo, y fue en esta época en que grabó la canción que estamos escuchando en este momento.

Sin embargo, esta _no_ es la versión original de la canción: después de una breve investigación (en la Wikipedia 😁), descubrí que la canción fue originalmente compuesta para que la interpretara la actriz Judy Garland, en su papel protagónico de Dorothy en la película El Mago de Oz. Esta versión (que se puede escuchar por aquí), una balada con los arreglos propios de la década de los 30s, tiene un sonido más esperanzador, y según se cuenta, acompañó a Judy Garland durante toda su vida, además de convertirse más adelante en inspiración para muchas personas, entre ellas Israel Kamakawiwo'ole.

Pero además, es la canción favorita de Grace, seguidora de este blog, que nos cuenta los siguiente acerca de la canción:

¿Cómo descubriste la canción?
La descubrí en primaria cuando vi una serie en la que en un capítulo el protagonista la toca en piano.

¿Cuál es tu historia con la canción? ¿Te hace acordar a algo, a alguien o a alguna época en particular?
Esa canción me encanta, cuando pienso en mí suena esta canción en mi cabeza. Cuando quiero levantar los ánimos, cuando necesito pensar, cuando voy a descansar, es decir esta canción es perfecta para todos mis momentos. 😊

¿Qué es lo que más te gusta de la canción?
Su melodía, los cambios de sonido, la letra y las emociones que me transmite.

¿Algo más?
Las versiones instrumentales también son muy buenas.

(la canción que estamos escuchando es prueba de la veracidad del último punto 😉)

Y así cerramos con broche de oro el mes de los invitados 🎇. Pero la música seguirá, así que... nos vemos el próximo fin de semana.

Hola a todos! Bienvenidos nuevamente a Friday Songbird, que por milagro de Pascuas hoy sí llega en un Viernes 🎉😄.
Siguiendo con el mes de invitados, regresamos de este lado del Atlántico y aterrizamos en Las Vegas para escuchar a estos muchachos con un nombre un poco agresivo, pero con harto talento. Con ustedes, The Killers.

La banda: The Killers se formaron en Las Vegas, Nevada en el año 2001, cuando el vocalista, Brandon Flowers, conoció a Dave Keuning, quien luego pasaría a ser la primera guitarra de la banda. Después de algunos cambios de alineación, en el 2002 se completó el cuarteto con Mark Stroemer en el bajo y Ronnie Vanucci Jr. en la percusión. Dedicaron el siguiente año a grabar su primer álbum, Hot Fuss, lanzado recién el 2004; el álbum constituyó un gran debut, con canciones como Mr. Brightside, Somebody Told Me y All The Things That I've Done que mostraban un estilo propio del indie rock, casi bailables (o si no, por lo menos 'saltables' 😄). Sus siguientes álbumes los han visto explorar un estilo más cercano al rock and roll, con más prominencia de las guitarras eléctricas (un estilo que he visto descrito como heartland rock) y moverse entre estos dos polos hasta encontrar un estilo propio, con el que siguen moviendo a la fanaticada hasta el día de hoy (su último álbum es del 2017 y dicen ellos mismos que se encuentran trabajando en el siguiente).

La canción: es el tercer single de Sam's Town, su segundo álbum, el que los vio regresar a un sonido más rockero, y si bien la canción inicia con Flowers en los teclados, la guitarra de Keuning es la que le da toda la potencia a la canción, incluyendo un solo que la lleva hasta gloriosas alturas.

Pero además, es la canción favorita de Jorge, seguidor de este blog, buen amigo mío y el tercer invitado del mes, que nos cuenta lo siguiente acerca de la canción:

¿Cómo descubriste la canción?
Había una serie que me gustaba mucho en los 90, dejé de verla, y allá por el año 2007 cuando esta iba por la temporada 14, escuché la que hoy en día es una de mis canciones favoritas.
Era Read My Mind, era el video promocional de dicha temporada.

¿Cuál es tu historia con la canción? ¿Te hace acordar a algo, a alguien o a alguna época en particular?
La canción y algunas escenas calaron muy fuerte en mi. Me hizo acordar parte de la infancia, y hoy en día me hace recordar mi época de veinteañero.

¿Qué es lo que más te gusta de la canción?
Aparte de la letra, es la forma en como Brandon la canta.

¿Algo más?
Una pena que ya no haya tantos locales donde pongan este tipo de canciones, ahora todos son webadas (sic) de Maluma y compañía.

(compartimos el sentir de la última respuesta, así que si tienen recomendaciones de locales que pongan indie rock o afines, somos todos oídos 😉)

Así terminamos este fin de semana de invitados... pero el fin de semana aún no termina, así que aún tienen tiempo para recorrer la discografía de The Killers 😉. Sigan disfrutando del fin de semana doble, y que la música los acompañe.

Hola a todos! Bienvenidos sean a un fin de semana más de música aquí en Friday Songbird (que esta vez llega un Sábado, así que vamos mejorando 😅).
Siguiendo con el mes de invitados, esta vez nos toca escuchar un poco de rock del otro lado del Atlántico: con ustedes, los españoles de Pereza.

El artista: Formados en Madrid, la banda de rock española Pereza se formó originalmente como un cuarteto en los últimos años de la década de los 90s; poco después, en el 2001, lanzaron su primer álbum, Pereza. Reducidos a un dúo para su siguiente disco, afinan su estilo, rockero pero siempre cercano a la vena pop, con algunas letras divertidas y con un toque irreverente. Su trayectoria como banda concluyó diez años después de formados: en el 2011, después de haber regalado al mundo 7 álbumes de estudio, decidieron separarse para emprender proyectos en solitario, sin descartar un posible reencuentro a futuro.
(Si buscan una reseña más detallada, su página en la Wikipedia en español) está magistralmente bien escrita y con un admirable detalle).

La canción: forma parte del álbum Aproximaciones, el penúltimo que grabaron, y tiene un sonido calmado: inicia con el sonido de una guitarra acústica, y lentamente se van sumando los instrumentos más rockeros, para hacer crecer una canción que sabe mantener en todo momento el compás pegajoso del pop rock; todo esto acompañado de una letra que nos habla de la amistad y el apoyo incondicional entre amigos o hermanos.

Pero además, es una de las canciones favoritas de Sofía, seguidora de este blog y la segunda invitada del mes, que nos cuenta lo siguiente acerca de la canción:

¿Cómo descubriste la canción?
Una amiga me la recomendó.

¿Cuál es tu historia con la canción? ¿Te hace acordar a algo, a alguien o a alguna época en particular?
Supongo que me hace recordar a la amiga que me la recomendó. Pero me gusta la frase “tú puedes todo y más”, siento que la canción habla de la amistad.
(Nota del editor: no somos los únicos entonces que pensamos lo mismo acerca del tema de la letra, así que debe ser cierto 🤔)

¿Qué es lo que más te gusta de la canción?
La tonadita inicial, guitarra acústica, suave. Creo que es el tipo de rock que más me gusta.

¿Algo más?
Nada más.

Así llegamos ya a la mitad del mes de invitados; sigan atentos que aún faltan 2 semanas más, y sigan disfrutando del fin de semana, que aún les quedan todo el Sábado y el Domingo 😄. Que la música los acompañe!

Hola a todos! Bienvenidos sean a un nuevo fin de semana de música aquí, en el único blog musical que dice "viernes" en el nombre pero postea los Domingos 😅 (prometemos mejorar eso).
Tal cual lo prometido en Facebook, este mes de Abril será el mes de los invitados, y lo iniciamos con algo de buen rock peruano de los 90s. Con ustedes, Dolores Delirio.

El artista: Dolores Delirio es una banda peruana de rock formada allá por el año 1994. Influenciados por el ambiente de la época, empiezan a formar su estilo, que quienes conocen consideran que está dentro del rock alternativo. Su ritmo feroz, la potencia de sus guitarras y su fuerza vocal les permitieron ganar seguidores, y si bien se les considera una banda de culto, el que los hayan tenido en cuenta en festivales recientes enfocados en lo mejor del rock peruano dice mucho de la huella que dejaron en sus seguidores y en la escena rock de los 90s.

La canción: forma parte de Cero, el primer disco oficial de la banda, y en ella se puede apreciar muy bien las cualidades que los hicieron notorios en sus primeros años de carrera, ese estilo de rock un poco más pegado al post-punk, donde si se escucha con cuidado se puede notar la presencia del bajo como soporte de la guitarra con efecto que más bien lo que hace es envolver a la canción, preparar este ambiente donde las voces pueden explotar en el momento apropiado.

Pero además, es la canción favorita de Catalina, seguidora de este blog y la primera invitada del mes de invitados, que respondió a las mismas preguntas que han respondido otros invitados; aquí lo que nos quiso compartir sobre esta canción:

¿Cómo descubriste la canción?
La escuché cuando existía Radio Insomnio.
(Nota del editor: Radio Insomnio era un programa de radio local aquí en la Lima de los 90s, caracterizada entre otras cosas por emitir rock local y promocionar bandas como Dolores Delirio. La nostalgia nos invade de solo escuchar el nombre :') )

¿Cuál es tu historia con la canción? ¿Te hace acordar a algo, a alguien o a alguna época en particular?
Se la hice escuchar a Gerardo y le gustó la tonada y la letra.
(Nota del editor: Gerardo es el esposo de Catalina, y ambos son muy buenos amigos de quien escribe)

¿Qué es lo que más te gusta de la canción?
La simplicidad de la letra y que es rock peruano.

¿Algo más?
Es una de las canciones que elegimos como fondo de nuestro video de matri.
(Nota del editor: <3 <3 <3 )

Así termina nuestro fin de semana musical... pero el mes de invitados recién comienza, así que atentos la semana que viene. Tengan una gran semana, y que la música vaya con ustedes.

Hola a todos! Buenas tardes, y bienvenidos a un fin de semana más de música en Friday Songbird. Este fin de semana llegamos un poco tarde (para variar 😅), pero llegamos con una canción prácticamente del recuerdo (aunque recuperada hace poco por un artista moderno). Se trata de un éxito de reggae de los 90s, con una historia tan interesante como pegajosa es la canción. Tan interesante es, que comenzaremos primero con la historia de la canción, así que aquí va...

Por los años 90s, cuando un servidor recién iniciaba la secundaria y comenzaba a ir a las primeras fiestas, se puso de moda la canción que estamos escuchando hoy (y por ello empezó a ser una canción regular en dichas fiestas). Recuerdo que a mi puberto gusto le causó gran impresión el ritmo pegajoso y el corito, a pesar de que no entendía absolutamente nada de la canción 😆. Sin embargo, siendo estos los años 90, no existían Google, Spotify, YouTube ni ningún medio parecido (la Internet recién estaba surgiendo en los Estados Unidos, y de Perú ni hablemos), y por tanto de dicha canción solamente quedó el recuerdo del ritmo pegajoso y el corito; nunca supe cómo se llamaba ni quién la interpretaba.

Adelantemos unos 15 años en el futuro, cuando yo hace tiempo que había dejado atrás la secundaria y, habiendo terminado también mis estudios universitarios, ya me encontraba trabajando. Mientras salíamos de un after-office con unos compañeros de trabajo, quien iba conduciendo pone un CD con un mix de canciones bastante diverso, entre las cuales por pura casualidad se encontraba la canción que nos ocupa este fin de semana. Feliz por haber desenterrado un pequeño buen recuerdo de la adolescencia, pregunté por el nombre de la canción y quién la cantaba: resulta que la canción se llamaba Informer, y la interpretaba Snow. Pero de ahí... no indagué mucho más, y ahí quedó el tema... hasta hace unas semanas.

Hace poco, el celebérrimo Daddy Yankee lanzó una canción, titulada Con Calma, cuya melodía se me hizo muy familiar: es la misma que la de la canción que estamos escuchando hoy. Entonces, movido por los recuerdos, busqué la canción en Spotify para volverla a escuchar. Pero esta vez, tal vez como una costumbre adquirida a raíz de este blog, busqué la letra de la canción (tal vez también para descifrarla, porque a pesar de que mi dominio del inglés es mejor que en la secundaria, aún no entendía ni un pepino de la letra). Y así fue como encontré la peculiar historia de Snow y de su éxito más grande, el single de reggae más vendido y con más alta posición en los charts de la historia.

(El artista) Resulta que Snow, cuyo nombre verdadero es Darrin Kenneth O'Brien, es hijo de inmigrantes irlandeses nacido en Canadá, en un barrio de Toronto que en su momento recibió una alta afluencia de inmigrantes, algunos de ellos jamaiquinos. Una de estas familias de inmigrantes eran vecinos suyos, y lo introdujeron a la cultura jamaiquina; pronto O'Brien aprendió la jerga jamaiquina, y cuando menos lo esperaron ya estaba cantando como todo un intérprete de reggae, a pesar de que su apariencia distaba mucho de la de los cantantes de reggae habituales. (De hecho, su tez blanca le valió el apelativo de Snow, que luego tomaría como nombre artístico).

(La canción) Lamentablemente para Snow, antes siquiera de pensar en una carrera musical, se encontró enfrentando ante la ley cargos por intento de homicidio. Pasó 8 meses en prisión antes de ser declarado inocente; en este tiempo, compuso Informer, una canción que es prácticamente una amenaza a quienes lo acusaron y ocasionaron que fuera encarcelado. Terminado su tiempo en prisión, Snow, auspiciado por Marvin Prince, un artista jamaiquino, empezó a promover su composición con otros artistas. La canción pegó, y pronto encontró su camino a las radios de la época, donde su éxito fue arrollador.
Para infortunio de Snow, nuevamente se vió enfrentando cargos y pasando tiempo en prisión; en esta segunda vez encarcelado es cuando la canción realmente empieza a despegar alrededor del mundo, llegando eventualmente a ser escuchada por algún aficionado a la música en Perú, que luego, en su labor de DJ en una fiesta adolescente, la seleccionó como parte del playlist de la noche, llegando así a los oídos de quien escribe en este momento.

Y así, con este viaje alrededor del mundo, de la mano de un canadiense cantando música jamaiquina, terminamos por el día de hoy. Cuídense mucho, tengan una gran semana, y que la música los acompañe. Nos vemos el otro finde!

Hola a todos! Bienvenidos a otro Viernes fin de semana (😅) más de música en Friday Songbird. Hoy tenemos nuevamente una canción invitada: Magic, de Coldplay, que fue la respuesta a la (mágica) pregunta "¿cuál es tu canción favorita?" que solté hace unas semanas en Instagram. Sin más preámbulo, aquí la tienen...

El artista: Los ingleses de Coldplay se conocieron en 1996 en el University College, de Londres, y ya formados grabaron un par de EPs, pero no fue hasta el lanzamiento en el 2000 de Parachutes, su primer álbum de larga duración, que alcanzaron la popularidad que hasta ahora logran mantener. Tanto en este como en los otros 2 discos siguientes, su estilo se balanceaba entre el pop-rock y el rock alternativo; en los álbumes posteriores, han sabido explorar otros estilos e incorporar otros instrumentos a su música, haciéndola más variada, hasta se podría decir que más ambiciosa. Esto, junto con un par de álbumes creados como historias alrededor de un concepto, son muestra de que estamos ante una banda que no ha tenido temor de explorar nuevas direcciones y dejar en ocasiones de lado el estilo que los llevó a la fama inicialmente.

La canción: forma parte del álbum Ghost Stories, el cual representa, justamente, una vuelta al sonido más tranquilo de los álbumes iniciales de Coldplay. Y eso se nota especialmente en esta canción: si bien tiene un ritmo que no podríamos calificar de lento, la melodía tiene un marcado aire melancólico, y la voz de Chris Martin, más calmada que en otras canciones populares de la banda, no hace sino acentuar este sentimiento de melancolía que se puede notar en toda la canción.

Pero además, es la canción favorita de Leila, seguidora también de este blog, que también se animó a compartirnos su historia alrededor de 4 breves preguntas (las mismas de la semana pasada). Así que... dejemos que ella nos cuente:

¿Cómo descubriste la canción?:
Estaba aburrida en Facebook viendo el inicio y encuentro una página que ponía las canciones que más busca la gente en Spotify para cuando van a hacer el amor, escuché casi todas y esa fue una de las que más me gustó 😅
(inserte meme de Pikachu sorprendido) 😄

¿Cuál es tu historia con la canción? ¿Te hace acordar a algo, a alguien o a alguna época en particular?:
No es que me recuerde a algo o alguien, pero creo que es una canción que me gustaría escuchar en mi boda.

¿Qué es lo que más te gusta de la canción?:
Es una canción súper tranquila, súper suave, y la letra es bonita. Aún sigo en duda de si es de amor o desamor, pero supongo que se presta a diferentes interpretaciones.
(nota del editor: de hecho, Chris Martin ha mencionado que uno de los temas que explora el álbum es la capacidad de uno mismo para el amor incondicional, y también se dice que él ha mencionado que el álbum fue inspirado por la ruptura con su esposa, Gwyneth Paltrow, así que cualquiera de las interpretaciones es posible)

¿Algo más?:
Si bien Paramore es mi banda favorita, mi canción favorita es esta 💙.

(Será motivo para empezar a explorar la música de Paramore, entonces 😉)

Y esa fue nuestra canción para este fin de semana, el segundo fin de semana de invitados. Pronto invitaremos a más gente, por ahora... disfruten lo que queda del fin de semana, y nos vemos en el siguiente.

Buenas noches songbirds! Bienvenidos a un viernes más de música, en este su blog favorito de música de fin de semana 😁. Hoy la canción llega a nosotros por una vía diferente: solté hace varios días por Instagram la pregunta "¿cuál es tu canción favorita?", y una de las respuestas fue la canción que estamos escuchando hoy: Lady Blue, de Bunbury.

El artista: Nacido como Enrique Bunbury y reconocido como el vocalista y líder de la banda española de rock Héroes del Silencio, Bunbury ha sabido conducir una carrera marcada por la reinvención y el cambio constante. Héroes del Silencio se formó, como banda, en 1986, y ha dejado temas que han pasado a ser clásicos del rock en español. Pero, lejos de dejar su carrera en el recuerdo al separarse la banda diez años después, Bunbury continuó retando a sus seguidores con cambios de estilo y exploraciones de sus diversas influencias culturales / musicales, regalando a su público casi 20 álbumes desde que inicio como solista hasta el año pasado. (Si eso no es una carrera maratónica, no se qué cosa es 😄)

La canción: es parte del álbum Flamingos, lanzado el año 2002, y en ella se puede notar el cambio de estilo de Bunbury desde los días de Héroes del Silencio: la canción es un poco menos rockera, podría decirse que más melódica, e incluso me parece que hace lucir un poco más la voz de Bunbury, en contraposición a las canciones de Héroes, que iban un poco más por el rock más fuerte y lo llevaban a él a ponerle más fuerza a la voz y dejar un poco de lado la melodía.

Pero además, es la canción favorita de Sheyla, seguidora de este blog y una de las que se animó a contestar la pregunta que solté por Instagram, y que además se animó a compartirnos su historia con la canción alrededor de 4 breves preguntas (que coinciden un poco con las que solemos compartir aquí los fines de semana). Así que... dejemos que ella nos cuente:

¿Cómo descubriste la canción?:
Una amiga de la universidad, la puso en una reunión y me encantó.

¿Cuál es tu historia con la canción? ¿Te hace acordar a algo, a alguien o a alguna época en particular?:
Me recuerda a la universidad.
(nota del editor: en eso coincidimos, a mí también me hace recordar a mis primeros años de la universidad, cuando MTV aún pasaba música 😁)

¿Qué es lo que más te gusta de la canción?:
Que diga "princesa azul".
(nota del editor: la traducción literal de "lady blue" es "dama azul", pero técnicamente una princesa es una dama, así que todo OK con eso 😄)

¿Algo más?:
Es la mejor de Bunbury :)

(Por nuestro lado, la discografía de Bunbury es tan amplia y nosotros hemos escuchado tan pequeña parte de ella que no podemos afirmar con convicción que la última respuesta sea 100% cierta... pero intuimos que tiene un gran porcentaje de verdad 😉)

Y... eso es todo por este Viernes. Seguiremos buscando nuevas formas de hacer colaborar al público, así que esta no será la última vez que tengamos invitados 😄. Tengan un gran fin de semana, y que la buena música los acompañe 🤘🏽.

Hola a todos! Bienvenidos a un nuevo fin de semana de música en Friday Songbird, que esta vez llega un poco tarde 😅. El día de hoy hemos escogido un tema con un ritmo súper interesante, que va más por la avenida del R&B y el funk.
Esto es Redbone, de Childish Gambino.

El artista: Childish Gambino es es seudónimo hiphopero de Donald Glover, artista multifacético con dotes para la actuación - ha formado parte del elenco de la comedia Community, la serie Atlanta e incluso la película Solo: A Star Wars Story. Como Childish Gambino, empezó a sacar mixtapes desde el 2005, en las cuales lucía sus habilidades para rapear con un estilo que su biografía de Spotify describe como "sesudo y a veces disparatado". En los años siguientes, continuó cultivando su talento en el rap, haciendo algunos desvíos para mostrar un estilo de canto pegado al soul (como en el mixtape del 2010 titulado Culdesac). Allá por el 2015 empezó a explorar otras direcciones musicales, añadiendo más canto a sus mixtapes y EPs; esta exploración tendría como producto final el disco del 2017 titulado "Awaken, My Love", en el cual deja de lado el rap para meterse de lleno en géneros como el soul, el R&B y el funk.

La canción: forma parte justamente del disco "Awaken, My Love", y es una muestra del sorprendente resultado que tuvo el cambio de estilo de Childish Gambino. Con un estilo de canto que nunca antes había utilizado - muchos pensaron que había utilizado distorsiones para cambiar el timbre de su voz, pero resultó no ser cierto, era simplemente él utilizando un rango vocal totalmente distinto - y un ritmo mucho más lento, más pegado al funk y al R&B, creó una canción que comenzó sorprendiendo a propios y extraños y terminó seguramente ocasionando que tanto propios como extraños la pusieran en repeat infinidad de veces. Entre dichos propios (o extraños, no sabemos 😆) estaban los miembros del jurado de los Grammys, que decidieron darle el premio por Mejor Performance Tradicional en R&B en el 2017 por esta canción.

cómo la descubriste?: Por mera casualidad: en un grupo de WhatsApp me compartieron una versión de la canción que era simplemente la letra de oootra canción superpuesta sobre la melodía de Redbone. Entre los comentarios en el grupo y la curiosidad, busqué la canción original, que capturó inmediatamente mis oídos y... aquí estamos 😁.

qué es lo que más te gusta de la canción?: pues varias cosas 😁 El ritmo es super pegajoso, tiene cadencia, es más interesante que simplemente un rap, y todas las acrobacias vocales que ejecuta Childish Gambino sobre esta base hacen muy rica la canción. No me sorprende que sea tan pegajosa.

algo más?: claro, siempre 😉 Después de este disco, Childish Gambino sacó un single titulado This Is America, con una letra más controversial y cargada políticamente, sin que por eso deje de ser interesante del lado musical. Les sugiero que le den una escuchada, y luego pueden aprovechar para escuchar el resto del disco "Awaken, My Love", y el resto de su discografía, que les va a interesar si les agrada el rap.

Eso es todo por este fin de semana. Tengan una gran semana y... nos vemos el otro finde con más música.

Buenos días songbirds! Bienvenidos a un nuevo fin de semana de música. Hoy llegamos un poco retrasados 😅, pero en compensación les traemos a un Premio Nobel de Literatura. Con ustedes, Bob Dylan.

El artista: Nacido como Robert Allen Zimmerman y galardonado en el 2016 con el Premio Nobel de Literatura por "haber creado una nueva expresión poética dentro de la gran tradición de la canción estadounidense", Bob Dylan es una figura casi legendaria dentro de la música estadounidense. Su carrera despegó a inicios de los 60s, y sus canciones del género folk con temas sociales y de protesta se adecuaban al ambiente de la época. Pero lejos de quedarse relegado a una década, Bob Dylan ha sabido mantener su carrera en movimiento, interesándose luego por el rock y el blues, y transitando entre estos tres géneros durante ya casi cinco décadas (su álbum más reciente salió hace un par de años, en el 2017). Si a eso le sumamos el Never Ending Tour, la gira musical permanente que inició en junio del 88 (y que, por lo menos hasta mayo del 2014, seguía en curso, con un total de más de 2500 conciertos), estamos ante una real leyenda viva de la música.

La canción: va más por la vena del rock y el blues, y es una de esas que hacen recordar por qué le dieron el Nobel de Literatura. La versión que salió inicialmente al público, en el álbum Blood On The Tracks, tiene una duración de poco más de 5 minutos, en los que Bob Dylan relata la historia de un hombre que recuerda a una mujer de la que se enamoró, que conoció en circunstancias complicadas y de la cual tuvo que separarse. La letra es abierta a unas cuantas interpretaciones, e incluso la versión alterna de la canción (la que estamos escuchando en este momento) tiene una letra ligeramente distinta a la canción en Blood On The Tracks, pero en ambas la historia coincide en que él nunca pudo olvidarla a ella, a pesar del tiempo pasado y las diversas vivencias que ha tenido, y en la última estrofa nos cuenta que él vuelve a ponerse en camino, dispuesto a encontrarla de nuevo.
(Algunas interpretaciones de la canción dicen que está inspirada en el propio Dylan, porque fue escrita en la misma época en que su matrimonio atravesaba por serios problemas)
La historia que nos relata la canción no está en orden cronológico, y la letra tiene muchos matices... todos los cuales están mucho mejor explicados por aquí.

cómo la descubriste?: gracias a los poderes premonitorios de Spotify y su playlist de Descubrimiento semanal, que de vez en cuando regala joyas como esta 😉.

y qué es lo que más te gusta de la canción?: Pues todo 😄: el estilo así medio bluesero que tiene, la guitarra acústica y la voz de Dylan, que armonizan perfectamente con la letra para crear una canción tranquila, de sonido sencillo pero de letra profunda; una canción melancólica pero sin caer del todo en la depresión o en la tristeza, incluso con un final esperanzador.
(Sobre todo me gusta la parte en la última estrofa en la que dice "All the people we used to know / They're an illusion to me now" ("todas las personas que conocíamos en ese entonces / ahora son una ilusión para mi"). Me hace pensar cómo, con los cambios de la vida, a veces las personas que en algún momento fueron parte de nuestro círculo de amigos o conocidos ahora puede que ya no sean más que contactos en el Facebook - "ilusiones" para nosotros).

algo más?: claro! La versión que estamos escuchando _no_ es la original, es una versión alternativa, que figura en un álbum de versiones alternativas y bootlegs sacado el año pasado por Columbia Records. Sin embargo, es la versión que escuché primero, y para ser sinceros es la versión que me gusta más, con su sonido sencillo y melancólico; la versión original, la del álbum Blood on the Tracks (que está por aquí: Bob Dylan - Tangled Up in Blue), aparte de tener todos los arreglos de estudio (y una letra ligeramente diferente), tiene un ritmo más rápido y un tono un poco más alto, lo cual a mi gusto le resta un poco a la melancolía de la letra. Pero... ese soy yo, así que ustedes pueden escuchar la original y decidir cuál les gusta más. Y ya que están por allí, pueden aprovechar para escuchar el resto de la abundante discografía de Bob Dylan, que tendrán material para rato.

Eso es todo por este finde; sigan disfrutándolo, y nos vemos el otro finde, con más música.

Hola a todos! Buenos días y bienvenidos a una edición más de Friday Songbird. Hoy cerramos el mes de los covers con una joya escondida: un cover de Lana del Rey a cargo de dos artistas de YouTube que, si bien puede que no tengan la fama de la artista original, el talento sí que lo tienen. Con ustedes, Daniela Andrade y Gia Margaret.

El artista original: Ya hemos escuchado por aquí antes a Lana del Rey (de hecho suya fue la primera canción compartida en este blog 🤩), pero eso no es impedimento para que la conozcamos un poco más. Su nombre verdadero es Elizabeth Woolridge Grant, y aparte de ser cantautora es poeta e incluso ha obtenido un major en filosofía, con énfasis en la metafísica. Por el lado musical, ha sabido crear un estilo melancólico, un poco grave, descrito por algunos críticos musicales como Hollywood sadcore, aludiendo seguramente a la mezcla entre glamour y melancolía; esta última se ve acentuada por el registro más bien grave de su voz (algo que a nuestro parecer resulta interesante en una intérprete femenina). Su ascenso a la notoriedad comienza justamente con el disco de donde proviene la canción original, titulado Born To Die y lanzado en el 2012; desde ahí ha seguido ganando aceptación y popularidad, duro y parejo, hasta el día de hoy: su más reciente álbum, Norman Fucking Rockwell, está previsto para ser lanzado este año.
(A título personal, me parece que su estilo ha ido evolucionando apartándose un poco de la melancolía al pasar del tiempo: si se fijan en las portadas de sus discos, el último (Lust For Life) es una foto de ella sonriente, a diferencia de los anteriores, en los cuales tenía un aspecto más bien serio o melancólico. Comparen también ésta canción - la original - con Get Free y notarán que el estilo es ligeramente diferente, y menos melancólico en esta última)

El intérprete del cover: Daniela Andrade es una cantante y compositora nacida en Canadá de padres latinoamericanos (no ubico exactamente de dónde, sorry 😅) que viene llenando su canal de YouTube de hermosas demostraciones de su talento, entre composiciones propias y covers, desde hace ya como 10 años :o . La descubrí... realmente no recuerdo cómo 😅, pero hace varios años ya, y me cautivó su estilo suave, fino, muy melódico, y sobre todo sus reinterpretaciones, a su estilo, de varias canciones actuales - desde Beyoncé hasta Radiohead. Y en esta ocasión hace dúo con Gia Margaret, otra talentosa intérprete, esta vez de Chicago, que también tiene en su repertorio varios covers espectacularmente bien ejecutados.

La canción: como ya comentábamos, es parte del primer disco de Lana del Rey, y en ella se puede apreciar de forma muy notoria este elemento melancólico, casi oscuro, tan propio de su estilo: desde las campanas que se pueden oír al fondo (y que le dan un aire casi solemne a la canción) hasta el registro grave de la voz de Lana, pasando por el compás de la canción, que sin ser muy pausado tampoco tiene la rapidez de un pop o rock más dinámico, y finalizando en el hecho de que la canción tiene la palabra sadness (tristeza) en el título.

Por su parte, el cover sabe desnudar la canción, reducirla a sus elementos más básicos, quedarse solamente con lo esencial y sobre eso volver a armar la canción con componentes más sencillos: dos guitarras y dos voces que, sin embargo, logran conservar la melancolía propia del original, esa tristeza de verano de la que nos cuenta el título. Para mi eso es un gran mérito.

el veredicto final!: bueno, aquí sí me van a tener que disculpar los fans de Lana del Rey, pero a mí simplemente me ganó la sencillez del cover 😍. Siempre me ha encantado cómo han podido rearmar la canción solamente con guitarras y voces; sospecho que también me gusta el hecho de que el cover tiene una melodía menos grave, más llevadera, y es algo que sí me provoca escuchar para acompañar una tarde tranquila de verano.
(Me he escuchado ambas canciones unas 5 veces para escribir este post y, créanme, Lana del Rey tiene todo el mérito por haber compuesto el original, pero... simplemente no puedo con el cover 😅)

algo más?: Por supuesto, siempre 😉. La canción original está por aquí: Lana del Rey - Summertime Sadness; después de que la escuchen (y hagan su propia elección), pueden aprovechar para escuchar el resto de la discografía de Lana del Rey.
Y obviamente no podemos dejar de recomendar que se den una vuelta por los canales de YouTube de Daniela Andrade y Gia Margaret para que se convenzan de que nuestra elección ha sido con fundamento 😁.

Y así llega a su fin el mes de los covers en Friday Songbird. Espero que lo hayan disfrutado, y nos vemos el próximo fin de semana para más música.

Hola a todos! Buenas noches y bienvenidos a una edición más de Friday Songbird, que esta vez también llega a tiempo (racha ganadora! qué emoción! 🤩). Tal como la semana anterior, les traemos un cover, esta vez interpretado por uno de los grupos favoritos de la casa: Florence + The Machine, con un tema de los 80s que va por la vena del soul y el disco. Aquí les va...

El artista original: Acabo de aprender que Candi Stanton, la intérprete original del tema, es una cantante del soul y gospel que, por allí de los 70s lanzó varios temas soul que tuvieron pegada, antes de virar un poco hacia la música disco (esta incursión fue la que vio nacer la canción que hoy les compartimos). Luego, entrando a la década de los 80s, empezó a dedicarse de lleno a la música gospel, al parecer motivada por un reencuentro con la religión cristiana. Desde aquel entonces ha mantenido su dedicación al género, sumando un total de más de 20 años de carrera - su último álbum, Unstoppable, fue lanzado recién el año pasado.

El intérprete del cover: ya debe ser conocido para ustedes 😁, porque ya ha pasado por aquí más de una vez (y dudo que esta sea la última). Pero eso no quiere decir que no les dediquemos un parrafito a conocerlos mejor 😄. Florence + The Machine se llaman así por las dos formadoras de la banda, Florence Welch (la de la hermosa y poderosa voz 😍) e Isabella "Machine" Summers (haciendo magia en los teclados). Vienen del sur de Londres, en el Reino Unido, donde precisamente la versión original de la canción que estamos escuchando hoy alcanzó los primeros puestos de los charts musicales, allá por los años 90. Pero, a diferencia de Candi Stanton, Florence + The Machine van más por la vena del rock alternativo / indie, con elementos pop.

La canción: tiene una historia peculiar en su versión original. Fue interpretada por Candi Stanton para un documental directo a video, y por tanto se supone que nunca sería puesta en un disco. Pero luego fue remixeada por un productor inglés llamado The Source y lanzada con el título de You Got The Love (con créditos a 'The Source & Candi Stanton'), y dicho remix fue el que alcanzó alta fama allá por los años 90s en el Reino Unido. Con un estilo muy pegado a la música disco (lo cual se puede notar super claro en el ritmo y los efectos), seguro fue un hit en las discotecas de la época, un hit que hizo bailar hasta el cansancio a nuestra querida Florence. Y seguramente, años más tarde, como Florence + The Machine, decidió rendir homenaje a esas noches de baile y a ese himno al amor, pero a su propio estilo, en el cual el ritmo lo toma la percusión propia del rock y se pueden escuchar las guitarras eléctricas dándole una potencia diferente a la canción.

el veredicto final!: La versión original tiene, además de un ritmo contagioso y la gran voz de Candi Stanton, el mérito de haber inspirado a Florence Welch a crear en primer lugar este cover. Peeeero... como saben, en esta casa tenemos nuestro corazoncito rockero, y uno de nuestros grupos favoritos es Florence + The Machine, así que en toda sinceridad tenemos que decir que nuestra favorita es el cover, en el cual la potencia de las guitarras eléctricas es el complemento perfecto a la voz de Florence Welch, que canta con una fuerza que a nosotros nos arrolla.

algo más: por supuesto, siempre 😉. El tema original está aquí: You Got The Love - The Source & Candi Stanton; hay como 3 remixes, pero este es el más similar al cover. Y ya que están por allí, pueden escuchar el resto de la discografía de Candi Stanton, que como les comentábamos tiene una trayectoria bastante amplia.
(Ya les recomendamos antes a Florence + The Machine pero, si quieren volverla a escuchar / seguirla escuchando, acaba de sacar un single 😉, así que ustedes mismos son)

Eso es todo por este fin de semana; nos vemos la semana que viene para el último cover, que será especial así que no se lo pierdan.
Buen fin de semana!

Hola a todos! Buenas noches y bienvenidos a una edición más de Friday Songbird, que esta vez sí llega en Viernes 😁. Siguiendo con el tema de Febrero, hoy tenemos un cover de una canción de Erasure, por los muchachos de Wheatus. Aquí va...

El artista original: Erasure es un duo ochentero de música dance alternativa, formados en Londres allá por la década de los 80s. Según leo, una mitad del dúo, Vince Clarke, fue antes un miembro fundador de Depeche Mode, otra banda famosa de los 80s. Su estilo es más bien pop, con amplio uso de sintetizadores, ritmos así medio saltarines e instrumentos más tirados para lo electrónico. Y tienen además el mérito de haber mantenido una actividad constante en los ya más de 30 años de formación que tienen.

El intérprete del cover: Wheatus es una banda estadounidense de rock formada allá por el año 1995, pero que lanzó su primer álbum, con el mismo nombre que la banda, en el año 2000. Su primer single, Teenage Dirtbag, se volvió súper popular en la época, un poco por su estilo de rock energético y otro poco por la historia que cuenta la canción (como de un amor no correspondido que al final resulta que sí lo es). Según leo, luego tuvieron algunos problemillas con su segundo álbum, lo cual ocasionó que no se promocionara tanto, y unos cuantos años después retornaron a las giras y sacaron un par de álbumes más, el último de los cuales fue lanzado en el 2009.

La canción: En su versión original, la canción tiene todo el estilo característico de Erasure: sintetizadores, un ritmo bastante sólido, tirando bastante para el pop, y la voz del vocalista, Andy Bell, luciéndose, con una letra un poco melancólica que contrasta con el estilo upbeat de la canción. No es coincidencia, entonces, que haya alcanzado alta popularidad en su momento.

Por otro lado, los muchachos de Wheatus supieron mantener la esencia de la canción pero aportando su propio estilo, mucho más rockero; las guitarras toman el lugar de los sintetizadores y la batería el lugar de la percusión electrónica, para dar como resultado una canción igualmente upbeat pero en género rock. (Y la voz del vocalista, Brendan Brown, encaja muy bien, a pesar de ser más fina que la del vocalista de Erasure.)

el veredicto final!: A pesar de que ambas canciones tienen gran mérito, seguramente ya saben que en esta casa nos inclinamos más por el rock, así que personalmente tengo que decir que mi favorita es la versión de Wheatus... Puede que tenga algo que ver el hecho de que la escuché primero que la original, y que además me trae recuerdos de mis primeros años de la universidad 😁... pero también la prominencia de las guitarras y la batería en la versión de Wheatus apelan a mi corazoncito rockero.

algo más: claro! La canción original de Erasure está por aquí: Erasure - A Little Respect; denle una escuchada y decidan por ustedes mismos. Y si quieren profundizar, pueden escuchar Teenage Dirtbag de Wheatus (también una favorita personal), y luego el resto de su discografía; o por el lado de Erasure, pueden escuchar Love to Hate You o Oh L'Amour (de las que reconozco, porque tengo que admitir que no conozco mucho de ellos).

Eso es todo por este Viernes. Tengan un genial fin de semana, y nos vemos la semana que viene con otro cover. Buenas noches, y buena suerte!

Buenas noches songbirds!! Bienvenidos una vez más a un mes más en este su blog musical de los fines de semana. Hoy que comienza el segundo mes del año, tenemos algo especial: durante los 4 fines de semana de Febrero, nos acompañaran 4 covers, 4 canciones de un artista versionadas por otro artista. ¿Serán los covers mejores que los originales? Ya lo veremos...

Nuestro primer cover viene a cargo de Susan Tedeschi, una cantante de blues americana que en esta ocasión rinde homenaje a Sus Satánicas Majestades, los legendarios Rolling Stones.

El artista original: Cualquiera que se considere por lo menos aficionado al rock 'n roll conoce a The Rolling Stones, la mítica banda de rock londinense, considerados como el acto más influyente del rock 'n roll contemporáneo. Formados en abril de 1962, llevan ya casi cinco décadas en actividad, si bien han pasado por diferentes etapas; su estilo, al inicio fuertemente influenciado por el blues y el R&B, también ha evolucionado a lo largo de su (larga) carrera, aceptando influencias del punk, el reggae o la música country.
Mención aparte merecen los miembros de la banda, algunos de los cuales son famosos por derecho propio: Mick Jagger, vocalista de la banda, ha incursionado como solista con relativo éxito, y Keith Richards, guitarrista, incluso ha participado en una que otra película (quién no recuerda su papel en Piratas del Caribe 3?). (Y ya quisiera uno llegar a las 7 décadas así como Mick Jagger 😆)

El intérprete del cover: Susan Tedeschi es una cantante, compositora y guitarrista de blues, que mezcla un poco del blues clásico con otro poco de R&B y música gospel; según leo, son las influencias que tenía desde pequeña allá en un suburbio de Boston. De lo que he escuchado, todas estas influencias crean un estilo que tiene todo lo bueno del blues puro y duro, pero con matices un poco más suaves, y su estilo al cantar puede ser todo lo fino que admite su voz, pero con toda la pasión y melancolía del blues.

La canción: En su versión original, es una de las pocas en las que Keith Richards asume la voz, lo cual la hace desde ya interesante; según cuentan, la compuso el propio Richards, inspirada en su novia de aquel entonces. Es una canción que comienza súper relajada, y que ya casi por el final estalla con toda la fuerza rockera, pese a lo cual no deja de sentirse la influencia del blues en toda la canción. (Probablemente por ello Susan Tedeschi la haya elegido).

Ahora bien, el cover es súper interesante en su propio derecho 😮... Se nota primero que es bastante más bluesero que la original, comenzando por la mayor prominencia de la guitarra acústica; eso creo que le da un aire más relajado al inicio, y hace el estallido final más vistoso. Pero lo mejor creo que es la voz de Susan Tedeschi: es más suave y melodiosa que la de Keith Richards (bueno... obvio, no? 😁), y sin embargo tiene todo el punche bluesero, en especial en la parte final, tanto así que te sientes prácticamente arrollado por su fuerza.

el veredicto final!: Si bien en esta casa les tenemos tamaña admiración a los Stones, yo tengo que admitir que me encanta la forma en que la interpreta Susan Tedeschi, con una voz dulce pero potente, y con un estilo un poco más tirado para el blues. De hecho, fue el cover el que descubrí primero, y después de escuchar el original... me siguió gustando un poco más el cover 🙈.

Ahí les dejamos el cover; el original está por aquí: https://open.spotify.com/track/2pbHaKsIRuIqjZHCLpyQMv?si=AGNQTxsZSqqgiFrsfw2-jg, para que ustedes mismos puedan decidir.
Por ahora, eso es todo; nos vemos el próximo fin de semana, con un nuevo cover. Hasta entonces!

Buenas noches a todos! Bienvenidos a una edición más de Friday Songbird, que llega justo antes que se acabe el Viernes con una canción con alta carga nostálgica, a cargo de un artista peruano: Pelo Madueño y su Alma de 80's.

El artista: Jorge "Pelo" Madueño es un cantante peruano que se inició allá por la década de los 90s como vocalista de la banda La Liga del Sueño, cuya carrera transcurrió - con no poca popularidad - desde el año 91 hasta su disolución en el 2000. En la década siguiente, Pelo se embarcó en un proyecto solista que recorría un camino musical similar al de la Liga, por la vena del pop-rock, y que también alcanzó notoriedad durante los primeros años de los 2000s.

La canción: Alma de 80's fue el single promocional del primer disco solista de Pelo, Ciudad Naufragio, que alcanzó alta popularidad allá por el 2004, cuando fue lanzada. El estilo pop-rock de la canción hace buen complemento con la letra, que tiene algunos elementos nostálgicos, como de búsqueda de recuerdos, de las cosas que eran antes y que ya no volverán.

cómo así la descubriste?: Bueno, en la época en que se lanzó (2004), Spotify no existía ni en el pensamiento de sus creadores y YouTube estaba a un año de nacer, así que una de las formas habituales de escuchar música aún seguía siendo la radio. Y con la historia de la Liga por detrás, a Pelo no le resultó complicado promocionar su nuevo disco en todas las radios de rock nacionales, así que lo raro hubiera sido _no_ descubrirla 😆.
Cómo la reencontré es otra historia: resulta que una ilustradora que sigo en Instagram (@aleiree - síganla, es muy capa) puso un boceto en sus stories donde salen un gato, una bruja y una serpiente bailando, y preguntó si alguien conocía de qué canción trataba el dibujo. Y si conocen la letra de la canción (o la están escuchando en este momento), se darán cuenta que el boceto se refiere a Alma de 80's. Así que, ni corto ni perezoso, envié mi respuesta y le achunté, y me acordé de la canción, y así tuvimos canción este fin de semana 😄.

algo más?: Sí! La canción es nostálgica no solo por la letra, si no porque me trae muchos recuerdos del año en que fue lanzada (justo porque la pasaban muy a menudo en la radio). En esa época yo aún estaba en la universidad, cursando ya el cuarto año de mi carrera, y cada vez que la escucho recuerdo aquellas buenas épocas de amanecidas, trabajos y amigos con quienes aún mantengo el contacto, aunque la vida nos vaya llevando por otros senderos.
(Por supuesto, también está la invitación a que escuchen más de Pelo y la Liga del Sueño, que son parte de la historia del rock peruano).

Y con esta dosis de nostalgia, nos despedimos. Tengan un buen finde, y nos vemos el Viernes que viene.

Hola a todos! Buenos días y bienvenidos a una edición más de Friday Saturday Songbird 😄. Nuestros invitados el día de hoy son una banda que viene desde Seattle, probablemente una de las más representativas del género grunge que tuvo su apogeo allá por la década de los 90s.

La banda: Pearl Jam se formó justo en el año 1990, al iniciar la década que vería al movimiento grunge en su punto más alto. Un año después, sacaron el disco Ten, del cual hemos tomado la canción que hoy nos acompaña. Sin embargo, y a diferencia de otros actos de la época, los muchachos de Pearl Jam se han sabido mantener activos desde ese entonces, si bien cambiando un poco su estilo - o tal vez sería mejor decir evolucionando, como creo que es natural en una banda con trayectoria amplia. El último disco que han sacado fue Lightning Bolt, hace poco más de 5 años (si no contamos el recopilatorio de canciones en vivo Let's Play Two, del 2017). Así que de que han estado activos, han estado activos estos muchachos.

La canción: es una super genial del primer disco, pero va un poco más por la vena romántica: el propio Eddie Vedder, vocalista de la banda, dijo en el MTV Unplugged que era "una pequeña canción de amor que escribió acerca de su tabla de surf... no, en realidad es para alguien llamada Beth que espero ver mañana" 😄.
(Y visto de cierto modo, ambas cosas podrían ser ciertas: el tema de la canción es básicamente alguien que le dice a la persona que ama que lo espere, que pronto se encontrarán, pero usa mucho imágenes que tienen que ver con el mar, las olas y la costa... por lo cual también podríamos estar hablando de una tabla de surf perdida o que espera al surfer hasta que llegue la temporada de olas 😉).

qué es lo que más te gusta de la canción?: Que, aunque es de temática romántica y es más melódica, sabe ser todo eso dentro del estilo grunge, aprovechando bien las guitarras y la gran voz de Eddie Vedder. Y además siempre me ha gustado el mar y la playa, y por eso me gustan mucho las imágenes acerca del océano que evoca la letra.

algo más?: obvio 😌. Como les contaba, Pearl Jam tiene una discografía amplia, así que si los buscan en Spotify tendrán para entretenerse un buen rato. Si les da flojera escucharse tooooda la discografía, hay 2 recopilatorios muy buenos: rearviewmirror (greatest hits 1991-2003) (que como su nombre lo indica, recopila las canciones más conocidas / populares de la banda) y Lost Dogs, que recopila más bien las canciones menos conocidas (pero no por ello menos valiosas - todo lo contrario, diría yo). Varias de mis favoritas de la banda las escuché primero en uno de estos dos discos.

Eso es todo por este fin de semana. Sigan disfrutando del verano!

Hola a todos! Bienvenidos a una nueva edición de Friday Songbird, que esta vez si llega a tiempo (😭 lágrimas de emoción!). Este Viernes hemos invocado nuevamente al amo y señor de la guitarra eléctrica, el gran Jimi Hendrix, que nos viene a contar sobre las largas y calurosas noches de verano.

El artista: Cuenta la leyenda (otra leyenda) que, en la década de los 60s, los dioses vudú decidieron que era tiempo de ayudar a la humanidad, y por lo tanto escogieron a su enviado, un tal James Marshall Hendrix, a quien otorgaron habilidades sobrenaturales con la guitarra eléctrica. Bajo el nombre de Jimi Hendrix, llevó el poder de su música a las masas, ávidas de una experiencia fuera de este mundo 😆.
Fuera de bromas, ya hemos hablado aquí de Jimi Hendrix y sus habilidades fuera de este mundo; en este disco en particular (Electric Ladyland), lleva el sonido de la guitarra a rincones más psicodélicos, con canciones un poco menos convencionales, que hacen de la escucha del disco entero toda una experiencia.

La canción: esta poco antes de la mitad del disco, y todavía es una canción 'normalita' (a mi parecer, las más experimentales vienen como en la segunda mitad). Como en todo el disco, la guitarra se luce maravillosamente, es casi como si cantara junto con Jimi; aparte de eso, la canción tiene un ritmo vivo pero relajado, marcado por el solo de guitarra del inicio; hasta se podría decir que es un ritmo acorde con una noche relajada de verano.
(Si no les gusta el verano, espero que la canción los ayude a relajarse 😉)

cómo la descubrí?: hace muchos veranos (9 para ser exactos), encontré en un blog de música una lista de 25 álbumes que se deben escuchar antes de morir 😱 y... la verdad no recuerdo bien los otros 24 😅, pero sí recuerdo que fue allí donde encontré listado el Electric Ladyland. Y, como ya he contado antes, me escuché el álbum completo y mi cerebro estalló 🤯; cuando pude recoger los pedazos de mi cerebro, ésta canción estaba pegada a uno de ellos 😆, y por lo tanto se quedó conmigo (entre varias otras).

algo más?: claro que sí! Ya lo he recomendado antes, y lo vuelvo a hacer: escuchen el genial Electric Ladyland completo (Si pueden darse el lujo de sentarse solamente a escuchar el disco, háganlo). Es psicodélico, un poco desafiante, pero muy alucinante; que no los sorprenda la Parca sin haber escuchado este disco.
(Se me cuidan mucho primero 😄, y luego denle una escuchada)

Eso es todo por este Viernes. Tengan un gran fin de semana, y nos vemos el siguiente Viernes para más música 🤘🏽.

Hola a todos! Buenos días / buenas noches, y bienvenidos a una edición más de Friday Songbird, que llega tarde para variar 😅. Esta vez tenemos para ustedes producto peruano de exportación, algo de pop con influencias de surf rock de la mano de los muchachos de Mundaka.

La banda: Mundaka es una banda peruana que lanzó su primer disco en conjunto con otra banda peruana, Almirante Ackbar, allá por el 2014. Un par de años después, lanzaron su primer disco propio, Sonata Tropical del Ártico; la primera pista de éste álbum es la que estamos escuchando el día de hoy. Tienen un estilo muy interesante: según su biografía en Spotify, "reúnen influencias del new wave y el post-punk de los 80s, así como el surf rock, el dream pop y el reggae"; sin embargo, lo que más se nota en ésta canción y en otras que he escuchado, es la influencia del surf rock, ese rock que suena a verano, a playa y un poco a década de los 80s.

La canción: como decíamos antes, es la primera pista del primer álbum de Mundaka, y una de las que tiene letra en inglés. Creo que es una en la que se nota mucho más la influencia del estilo surf rock; esto, junto con el nombre ("verano interminable"), la hacen una canción perfecta para la estación, candidata a convertirse en una favorita personal de éste verano en particular.

cómo la descubriste?: no lo recuerdo exactamente (la edad! 😅), pero fue vía Spotify, a fines del año pasado (o sea, hace cuestión de un mes), fácil vía el playlist Descubrimiento semanal. Y me pasó lo que me pasa con algunas canciones: la escuché, me pareció bacán, y la dejé allí guardada en mi playlist de Favoritos, hasta que unas semanas después dije 'oye, yo guardé una canción bien chévere de éste grupo, a ver vamos a escucharla de nuevo', y la escuché de nuevo... y de nuevo... y otra vez... hasta que me di cuenta que estaba pegado sin remedio 😆.

algo más?: claro! Ya que esta es la primera canción del primer álbum, la invitación es que luego escuchen el resto del mismo y decidan por ustedes mismos si Mundaka es lo que están buscando, musicalmente hablando.
Por otro lado, si les gusta el verano, esta canción podría mejorar una estación tan bonita. Y si no les gusta (el verano), tal vez podría hacerles más llevadera la estación más calurosa.

Con nosotros eso es todo por hoy; nos vemos el próximo fin de semana. Tengan una gran semana, y que la música los acompañe 😃.

Buenos días a todos! Bienvenidos a una nueva edición de FridaySaturday Songbird 😄. Ahora que ya ha iniciado oficialmente el verano, y con él los viajes en carretera hacia las playas, aquí tenemos una canción que trata justamente sobre eso; así que si estás en esa onda, escucha atentamente...

La banda: Los Red Hot Chili Peppers (a veces también conocidos por sus siglas RHCP) son una banda californiana súper representativa de los 90s, debido más que nada al álbum Blood Sugar Sex Magik, que les abrió las puertas de la fama al inicio de la última década del siglo XX. Tomando como base el rock, han añadido elementos del funk e incluso del rap a sus canciones, lo cual le da esa dosis de ritmo y punche que caracteriza a muchos de sus temas.

La canción: es parte del álbum Californication, que marcó el regreso a la fama de la banda justo mientras comenzaba la década de los 00s, después de haber caído en popularidad durante el grueso de la década que los vio saltar a la fama por primera vez. Y según leía por aquí, éste álbum marcó un cambio en el estilo de la banda: aparte de empezar a librarse de sus adicciones, los temas de las canciones cambiaron y Anthony Kiedis, el vocalista, empezó a cantar más en las canciones, a diferencia de sus álbumes anteriores, donde rapeaba un poco más porque no se sentía cómodo con su voz; éste último punto se nota mucho más en esta canción, completamente acústica, acompañada incluso por un instrumento de cuerdas (tal vez un cello?), y desprovista de percusión.

qué es lo que más te gusta de la canción?: Todo 😆. Desde que la escuché me atrapó el punteo de guitarra al inicio, el hecho de que fuera mucho más melódica que rítmica, con una melodía suave, relajante, casi de ensueño, y los vocals de Anthony Kiedis (que en buena hora aprendió a confiar más en su voz 👍🏽). Las cuerdas a la mitad de la canción solamente fueron el golpe final que terminó de asentar esta canción como una de mis favoritas de todos los tiempos.
(Y leer luego acerca de la letra, que habla de viajes con amigos, surcando las carreteras, yendo a la aventura, no hicieron más que aumentar mi gusto por la canción).

algo más?: Claro, como siempre 😉. Lo que siempre nos gusta hacer por aquí es tratar de descubrir a las bandas o los artistas más allá de las canciones más conocidas, las que pasan en las radios a cada rato, y los RHCP tienen una cantidad considerable de material que no es el más reproducido en las radios, así que ahí ustedes mismos son; de seguro encontrarán alguna gema escondida (yo ya encontré una por ejemplo 😁).

Eso es todo por este fin de semana. Disfrútenlo, y nos vemos... el año que viene 🎊🎉😄.

Hola a todos! Buenas noches y bienvenidos nuevamente a Friday Songbird, edición navideña 🎄🎅🏼. En esta ocasión, en lugar de algún villancico, hemos escogido una canción que más bien nos trae buenos recuerdos de la infancia, porque las mejores Navidades las hemos pasado de niños, y ese espíritu nos permite disfrutar mejor las fiestas (y la vida en general). Así que aquí va...

El grupo: CrazyGroupTrio son un grupo de músicos de Illinois que hacen covers y remixes de música de videojuegos, generalmente utilizando piano y otros instrumentos clásicos. Lo que para algunos podría sonar como una extravagancia, para otros, que crecimos con los videojuegos, es la idea más genial: muchas de estas melodías, a pesar de lo rudimentarias que podían ser, constituyen el soundtrack de nuestros mejores recuerdos de la infancia.

La canción: forma parte del fondo musical del genial juego Donkey Kong Country 2: Diddy Kong's Quest, que salió para la consola Super Nintendo a mediados de los 90. El segundo juego de la saga de Donkey Kong, considerado por muchos el mejor de la saga, tenía no solo gráficos de una calidad envidiable para la época, si no que contaba con una banda sonora que ha sido catalogada por muchos como una de las mejores bandas sonoras de videojuegos.
Ésta canción en particular tiene, para mi, una belleza especial: la tonada es suave, relajante, y las notas le dan un aire de misterio y melancolía que la distingue de otras canciones del mismo juego. En su versión en piano se pierden un poco los efectos originales, pero también se destila la canción hasta que su esencia permanece, y esa esencia es la que nos transporta a esas felices tardes de verano jugando con nuestros hermanos o primos frente al televisor.
(No se preocupen que también salíamos al parque a jugar de vez en cuando 😄)

por qué la elegiste?: Bueno, ya lo mencioné: esta canción es parte de la banda sonora de mis recuerdos más felices de la niñez. Y a eso hay que añadirle que estoy pasando la Navidad junto con mi hermano, que ha regresado de una temporada fuera del país y con quien comparto estos felices recuerdos 😊.
Además, desde hace poco que he revisitado estas canciones, me doy cuenta que en realidad son pequeñas obras maestras, grandes composiciones que pasaron desapercibidas a oídos de muchos por el hecho de ser parte de juegos asociados exclusivamente a niños; tal vez si se hubieran escuchado fuera de este contexto, hubieran pasado como grandes canciones por derecho propio. El hecho de que además hayan sido compuestas teniendo en cuenta las limitaciones de los chips de sonido del Super Nintendo no hace sino engrandecer su mérito.

algo más?: claro, siempre 😉 Son bienvenidos a escuchar todo el álbum, que contiene todo el soundtrack de Donkey Kong Country 2; si son de los míos, será un viaje nostálgico invaluable. Y después de eso, pueden escuchar el resto de álbumes de CrazyGroupTrio, que también han reinterpretado la música de otros clásicos como Super Mario 64 o Final Fantasy.

Eso es todo por el día de hoy. Espero que les haya gustado este viaje por la nostalgia, y nos vemos el próximo fin de semana!

Hola a todos!! Buenos días y bienvenidos a una edición más de Friday Songbird. Hoy tenemos una canción obligatoria cuando empieza a asomar el sol, a cargo de los cuatro de Liverpool.

La banda: Si no conoces a los Beatles... pues ya tienes tarea, joven saltamontes 😁. Si alguna vez fuiste (o aún eres) fan de alguna boy band, tienes que saber que, antes de que nacieras (y tal vez incluso antes que tus padres nacieran! 🤯), los Beatles causaban una histeria colectiva tal que dejarían pequeños a cualquier banda pop que surgiera después. Y no contentos con ello, después de alcanzar una popularidad nunca antes vista, fueron creciendo como músicos y evolucionando su estilo, experimentando con nuevos sonidos y temáticas para sus letras. (A diferencia, dicho sea de paso, de otras boy bands causadoras de histeria 😁)

La canción: fue compuesta por George Harrison (el Beatle favorito de esta casa 😁) en la primavera del 69, y pasó a formar parte del álbum Abbey Road (el de la famosa portada donde salen los cuatro Beatles cruzando una calle). La historia cuenta que Harrison, que venía pasando por un año complicado, estaba en casa de su amigo Eric Clapton (otro grande de la música de los 60s), y vio el sol asomarse por primera vez después de los días fríos del invierno. Tomándolo como una señal de cosas buenas por venir, compuso Here Comes The Sun en el acto. Y la misma historia nos cuenta la canción: los acordes de guitarra iniciales son como los primeros rayos de sol de la primavera, y la percusión que entra más tarde para darle toda su fuerza a la canción, con la misma fuerza con la que irrumpe el sol en los días de primavera, anunciando todo el esplendor que tendrá en el verano. Todo esto acompañado de una letra que nos habla de un mundo que va despertando del frío invernal poco a poco, que va cobrando vida junto con la canción.

cómo la descubrí?: Con algo de vergüenza confieso que descubrí a los Beatles recién a mitad de la década pasada, a raíz de un especial en la tele por cable, con artistas haciendo covers de las canciones de los Beatles por el aniversario del fallecimiento de John Lennon. Y desde que escuché ésta canción, se convirtió en una fija para acompañar los primeros rayos del sol, que anuncian la cercanía del verano (la estación favorita de ésta casa).

algo más?: por supuesto! Si no conocen a los Beatles, ya saben, tienen tarea 🤓. Su discografía está en Spotify (que aún no nos auspicia pero algún día lo hará 😆); una favorita personal, del mismo disco que ésta canción, es Something (también compuesta por Harrison).

Eso es todo por este fin de semana; sigan disfrutándolo, y nos vemos el otro finde.

Buenos días / noches, y bienvenidos a una edición más de Friday Songbird, el pajarito cantor que también es pajarito votante, y que este fin de semana llega tarde por ir a cumplir con su deber cívico 😁. Este fin de semana tenemos de vuelta a los muchachos de Bareto, con una canción que nos llevará en un viaje alucinante; así que abróchense los cinturones, que aquí vamos...

La canción: Es la primera pista del álbum que lanzó a la fama a los muchachos de Bareto, el ya casi legendario Cumbia. Originalmente interpretada por Juaneco y su Combo, la versión de Bareto es completamente instrumental, sin letra, a diferencia de las canciones más populares del álbum, y tal vez por dicha razón no forma parte de las más conocidas. Sin embargo, yo creo que eso no le hace mucha justicia a un tema que, sinceramente, me parece alucinante (en todo el sentido de la palabra).

¿cómo la descubriste?: Resulta que en la época en que se lanzó el disco Cumbia (hace ya 10 años 😱), comprar discos aún era algo que hacía la gente, y yo y mi hermano decidimos comprarlo. Y para hacer valer nuestra inversión, me senté a escucharlo de cabo a rabo (aunque lo más probable es que fuera mientras hacía alguna otra cosa); fue allí donde descubrí esta joya discreta.
(Lo más raro es que, no sé por qué, pero estaba casi completamente seguro de que era el ultimo tema del álbum; solo ahora que lo he buscado para verificar en Spotify, veo que es el primero.)

¿qué es lo que más te gusta?: Me gusta el hecho de que combina mucho ritmo con algo instrumental, casi escuchable antes que bailable; que empieza con la cadencia típica de la cumbia amazónica, pero que al final estalla en un solo de guitarra alucinante. Pero sobre todo, me gusta el significado que se podría leer detrás del nombre: la ayahuasca es una hierba que se toma de forma ritual en la Amazonía peruana, y que es un potente alucinógeno; ésta canción quiere causar el mismo efecto en nosotros, pero solamente con el poder de la música.
(El autor no puede confirmar ni negar que alguna vez haya participado de un ritual de ayahuasca 😁).

algo más: por supuesto 😉. Como les comentaba, la versión original es de Juaneco y su Combo; si la buscan en Spotify, la encontrarán como parte del álbum Leyenda Amazónica (o como parte de algún playlist recopilatorio). En lo personal, no me gusta tanto la versión original, porque hay una voz femenina que interviene cada tanto en la canción, gritando frases como 'Juaneco, dame tu ayahuasca', y la verdad que suena medio... extraño 😅.
(Ah, y no dejen de chequear la reedición de 10mo aniversario del disco Cumbia, que también he encontrado en Spotify).

Eso es todo por hoy, mis queridos y estimados. Nos vemos el otro fin de semana, para otro viaje musical.

Hola a todos! Buenos días / noches, y bienvenidos a una edición más de Friday Sunday Songbird 😅. Este fin de semana tenemos a una leyenda de la música moderna para ayudarnos a iniciar la nueva semana con fuerza.

El artista: Polifacético como él solo, David Bowie ha alcanzado un status casi legendario en el mundo de la música. Nació en Inglaterra e inicio allí mismo su carrera musical, que tendría altos y bajos pero por sobre todo mostraría su capacidad para dispararse en todas las direcciones, adoptando diferentes imágenes públicas y explorando diferentes conceptos con cada álbum que lanzaba al público.
(Hay un video de una entrevista a él donde explica un poco lo que hay detrás de su filosofía, aquí: https://www.youtube.com/watch?v=cNbnef_eXBMZ; ese video lo encontré a su vez vía este post en Zen Pencils que ilustra magníficamente lo que Bowie cuenta en la entrevista).

La canción: Heroes es parte del álbum con el mismo nombre, que a su vez forma parte de la llamada "trilogía de Berlin", los 3 álbumes que, según Bowie, son los mejores que haya creado jamás. Ha sido utilizada innumerables veces en campañas publicitarias, pero tal vez se recuerda más su aparición como parte de la banda sonora de la película The Perks of Being a Wallflower. Pero lo más interesante de la canción, que acabo de descubrir mientras leía aquí acerca de la letra, es que trata acerca del amor imposible de una pareja, de una relación que no puede ser, y que los versos más conocidos de la canción ("we can be heroes / just for one day") se refieren a que, si bien los amantes no pueden estar juntos, vale la pena que puedan disfrutar de su amor aunque sea solo por un día.

¿cuál es tu historia con la canción?: Antes de conocer los detalles sobre la letra, pensaba en realidad que se trataba de ayudar, o de hacer algo grandioso, aunque sea solo por un día. Por otro lado, yo soy voluntario en Crea+, una ONG que organiza talleres multidisciplinarios para niños y adolescentes de colegios en zonas de riesgo en el Perú, con el objetivo final de que los chicos puedan creer que son capaces de alcanzar sus sueños. Y el colegio donde me tocó apoyar este semestre tiene como nombre Héroes del Pacífico, así que como equipo nos identificábamos mucho con ser "héroes" de los chicos a los que estábamos enseñando, aunque fuera, como dice la letra de la canción, solo por un día. Entonces, cada vez que escuchaba el tema de que éramos "héroes", me venia a la mente esta canción, y este fin de semana en particular, en que nuestra intervención en el colegio ha terminado (por este año - regresaremos con fuerza el siguiente 😉), no podía dejar de pensar en esta canción; para mí, ya se ha convertido en el símbolo de todas las cosas buenas que hemos generado en este semestre que me ha tocado apoyarlos.
(si quieren saber más sobre Crea+, este es el lugar indicado: www.creamas.org)

algo más?: como no 😁 Les invito a explorar la discografía de Bowie (que lamentablemente partió hacia las estrellas hace ya un par de años): es tan variada que les garantizo que no se aburrirán.
(Otra favorita personal, para que se animen, es Space Oddity)

Eso es todo por este fin de semana. Tengan una semana espectacular!

Hola a todos! Buenas noches y bienvenidos a una edición más de Friday Songbird, que si sigue llegando así de tarde va a tener que cambiar de nombre 😅. Este fin de semana les traemos producto nacional del bueno, para que empiecen la semana que viene con las pilas bien cargadas.

La banda: La Mente es una banda peruana que se formó allá por el 2006 (cuando un servidor estaba ya en los últimos ciclos de la universidad). Con su primer disco (del cual forma parte esta canción), mostraron un estilo particular, que ellos llamaron "electropical" y que mezcla géneros como el reggae, el rock, el ska y sonidos tropicales; esta mezcla resulta en canciones súper energéticas, casi todas para ser saltadas antes que ser bailadas.
(Tuve la suerte de verlos hace varios años en vivo y su energía sobre el escenario es impresionante)

La canción: es la primera pista del primer álbum, y comparte el nombre con el de la banda, así que se podría considerar como una especie de carta de presentación de la banda. Como tal, hace un muy buen trabajo, porque se puede notar el estilo propio de la banda en toda la canción: esta fusión de instrumentos electrónicos con ritmos tropicales, la forma que tienen de alternar el compás relajado del reggae con la potencia del rock, y en general la energía rebelde que luego se puede notar que forma parte del estilo de la banda.

cómo la descubrí?: En la época en que salió el disco (2007), aún se compraban discos 😅, así que para apoyar la producción nacional (y porque ya los había escuchado antes), lo compré. (Justo recién había terminado la universidad, así que presumiblemente lo compré con uno de mis primeros salarios 😁). Sin embargo, recién en una segunda escuchada completa, como a finales del 2008, me quedé pegado con esta canción, con su ritmo saltarín y sus letras rebeldes en rima, así que más o menos por esa época la añadí a mi playlist (presumiblemente en un aparato como un iPod o algo así, porque en ese tiempo los smartphones no eran un tema todavía - qué viejo me siento 😆).

algo más?: Pues sí, la recomendación habitual: si les gustó el estilo, escuchen el resto del álbum, y luego el resto de la discografía, ya que estos muchachos han logrado mantener su estilo rebelde y poderoso a lo largo de los años.

Eso es todo por esta edición. Buena semana, y nos vemos nuevamente el próximo finde!!

Hola a todos!! Bienvenidos a una edición más de Friday Songbird, tarde nuevamente 😅. El día de hoy les hemos traído una canción poco conocida, de un cantante no muy conocido tampoco, pero cuya calidad es inversamente proporcional a su popularidad 😉. Aquí les contamos...

El artista: Beck Hansen, conocido principalmente por su primer nombre, es un cantautor estadounidense que saltó a la fama con el single Loser, allá por los 90s. Sin embargo, quedarnos solamente con esa canción sería casi un sacrilegio, porque estaríamos ignorando una carrera vastísima y muy variada, que demuestra una versatilidad casi sin límites. Ha experimentado con infinidad de géneros, y como cualquier artista versátil, ha pasado por distintas fases; de hecho, el álbum al que pertenece esta canción pertenece a una fase en la que estaba más enfocado en hacer algo de humor y sátira de ciertos géneros y estilos musicales.

La canción: forma parte del álbum Midnite Vultures, que está a medio camino entre la sátira y el homenaje al soul y al funk, y eso se nota muy especialmente en ésta canción. Los vientos, la percusión, la línea del bajo y los falsettos de Beck le dan un sabor completamente funky, completamente R&B. Por otro lado, la letra es una parodia de los temas de R&B enfocados en lo sexual; el propio Beck comentaba que le hacía especial gracia como esos temas eran bien suaves, cantados con esta voz grave y melodiosa, pero las letras trataban básicamente de cómo el que cantaba quería tener sexo salvaje con una chica 😏😆.
(Algo así como tener una canción con la melodía de una balada romántica pero la letra de un reggaeton 🤣).

cómo la descubrí?: Pues en realidad fue hace mucho tiempo: hace 8 años, más o menos a la misma altura del año que ahora, el gran caricaturista argentino Liniers posteó en su cuenta en Twitter una versión de la canción en vivo muy chévere (que todavía pueden encontrar por aquí: https://www.youtube.com/watch?v=0lZsEqWV_Yg). De más está decir que en cuanto la escuché, me quede recontra pegado; no podía con el bajo y el ritmo y la voz del barítono que complementa los falsettos de Beck 😄. Y... la verdad que la canción se hubiera quedado ahí, en el recuerdo, y no hubiera venido a parar a éste simpático blog, si no fuera porque así de casualidad vi en el cable un pedacito de Baby Driver, que es justo el pedacito en que el protagonista conoce a su interés romántico en la película, y ella le dice su nombre y le dice que conoce pocas canciones con su nombre, y justo menciona esta canción. Apenas la mencionó, me acordé de ella, la volví a buscar, e incluso encontré la versión en vivo que había escuchado primero, y me volví a pegar 😁. Y como no quiero sufrir solo esta obsesión musical 😆, aquí les va.

algo más?: por supuesto! 😉 Si solo conocen Loser, les invito a escuchar el resto del album Midnite Vultures, y luego, ya que están con viada 😆, pueden escuchar los álbumes más melancólicos, como Sea of Change o Morning Phase; no se decepcionarán.

Eso es todo por este fin de semana. Nos vemos el próximo finde!

Buenas noches a todos! Bienvenidos a una nueva edición de Friday Songbird, que esta vez llega tarde por motivos familiares (muy buenos, así que no hay de qué preocuparse). Este fin de semana nos acompañan los grandes muchachos de Oasis, con una canción que comparte parte de su título con el de este pequeño blog, y que de hecho fue en parte la inspiración para el título.

La banda: Oasis es probablemente el grupo de britpop más popular e influyente de la década de los 90s. Originarios de Manchester, este quinteto debe su fama tanto al talento de sus dos miembros más prominentes, los hermanos Liam y Noel Gallagher, como a la actitud siempre desafiante y a la permanente tensión entre ambos. La forma en que supieron combinar sus diferentes influencias (dicen que tenían algo de la actitud de bandas de rock clásico, más algo de influencia de los Beatles en sus melodías, entre otras cosas) les hizo ganar pronta popularidad con temas como Don't Look Back in Anger y Wonderwall (un clásico de los guitarristas amateur 😆), que son las que hasta ahora mantienen vigencia en las radios de rock aquí en Lima.
(Es una pena que algunas personas solo los conozcan por estos temas).

La canción: es la quinta pista del album Heathen Chemistry lanzado en el 2002, después de los que los hicieran masivamente populares en la década anterior. Para mi, sin embargo, es tan o más bueno que los anteriores de la banda, a pesar de tener un estilo un poco diferente. En algún lugar leí que éste disco lo habían compuesto los Gallagher para las mujeres que amaban, y en realidad se puede notar en varias de las pistas, como The Hindu Times, She Is Love o ésta misma: melodías más dulces, más prominencia de la guitarra acústica y letras que giran alrededor del amor como un sentimiento positivo.

¿y cuál es tu historia con la canción?: Pues sucede que yo, al terminar la década de los 90s, solo conocía a Oasis por Don't Look Back in Anger y Wonderwall, como muchos. Y no sé si tuvo algo que ver este limitado conocimiento de la banda, pero cuando salió el disco Heathen Chemistry, me gustaron muchas de sus canciones (que en ese tiempo solo escuchaba por MTV)(cuando MTV pasaba música 😆), entre ellas ésta canción. Además, creo que fue la primera vez que escuché la palabra songbird (que se traduce como 'pájaro cantor') y me pareció una bonita palabra; un poco por eso es parte del título de este blog.

Y además, comparto el gusto por esta banda con mi hermano, y de hecho juntos descubrimos este disco (y fuimos juntos al concierto de Oasis aquí en Lima), y creo que es algo que nos conecta un poco. Y justamente mi hermano acaba de regresar a Lima después de estar casi un año fuera estudiando, y hemos pasado con él buena parte del fin de semana; en parte es una de las razones por las que este post se ha retrasado (la otra parte vendría a ser mi falta de disciplina con los posts 😅).
(No se preocupen, mi hermano y yo nos llevamos mejor que los hermanos Gallagher).

algo más?: Claro! Si solo conocen a Oasis por las celebérrimas Wonderwall o Don't Look Back in Anger, les invito a recorrer su discografía, que abarca 2 décadas; no me atrevería a decir que una fue mejor que la otra, así que eso mejor lo dejo a su criterio 😁.

Eso es todo por hoy. Tengan una excelente semana!

Hola a todos!! Buenas noches, y bienvenidos a una edición más de Friday Songbird, que llega como la Cenicienta, justo antes de la medianoche 😆. El día de hoy. al igual que ayer, les traemos una canción menos conocida de un grupo conocido principalmente por otra(s) canción(es), en este caso los argentinos de Virus.

La banda: Virus fue una banda argentina de la década de los 80s que transitaron entre el pop y el rock. Si bien tal vez no tenían la misma reputación de one-hit wonder de Blind Melon, si nos dejáramos guiar por lo que ponen las radios ochenteras de Lima, creeríamos que su discografía se reduce a un par de canciones, Luna de Miel en la Mano y Pronta Entrega. Sin embargo, cuando estas canciones se hicieron populares, Virus ya tenía en su haber 3 discos, así que novatos tampoco eran.

La canción: Si bien puede ser conocida por los seguidores de la banda, para aquellos que la conocemos solamente por lo que estuvo de moda en nuestra niñez, es una canción desconocida, y por lo tanto es una grata sorpresa encontrar un estilo un poco diferente al de las únicas canciones que conocíamos. Tiene un ritmo más tranquilo, y hasta se podría decir que suena más misteriosa; tanto las notas elegidas como el estilo que tiene el vocalista en esta canción contribuyen a esta aura de misterio.

cómo la descubrí?: Pues la verdad en un bar aquí en Lima que pasa música muy chévere 😄. Nos juntamos un grupo de amigos de la universidad para celebrar un cumpleaños, y el playlist de la noche nos regaló esta canción. Después de escucharla, bastó con buscar en Spotify la frase 'imágenes paganas' para descubrir que quienes agraciaban nuestros oídos aquella noche eran los muchachos de Virus.

algo más?: Bueno, si les gusta el estilo medio pop, medio New Wave de Virus, no dejen de chequearlos en Spotify (que aún no nos auspicia pero algún día lo hará 😆); allí podrán encontrar no solo su discografía, si no también un playlist recopilatorio bajo el título This is Virus.

Y eso es todo por nuestra edición especial de fin de semana largo. Nos vemos el siguiente Viernes!

Hola a todos! Bienvenidos a una edición especial de Friday Songbird, en Jueves feriado (y en compensación por no haber posteado la semana anterior 😅) Este fin de semana largo se lo dedicaremos a artistas que sean conocidos principalmente por una canción, pero compartiremos otra canción, menos conocida pero igualmente buena (o, en este caso, a mi parecer, mejor). Y la primera parte viene desde los 90s a cargo de los muchachos de Blind Melon.

La banda: Blind Melon fue una banda alternativa de inicios de los 90s que, a diferencia de otras bandas que surgieron en la misma época, no siguieron las tendencias de aquel entonces (que iban más bien por el grunge, teniendo como grandes referentes a Nirvana, Soundgarden, entre otros) y más bien se inspiraron más en el rock clásico, siguiendo la senda de Led Zeppelin o The Grateful Dead. La trágica muerte temprana de su vocalista, por problemas de abuso de drogas, cortó una carrera que podría haber sido estelar, pero no sin antes dejarnos grandes temas como el celebérrimo No Rain, que es masivamente popular como canción de la época, y que en muchos casos es la única canción que alguien conoce de la banda... lo cual a mi me parece una injusticia terrible, porque tienen en su haber 3 álbumes de música genial, y No Rain, a pesar de que es una de mis canciones favoritas, no alcanza para mostrar todo lo que la banda tiene para ofrecer.

La canción: es un gran ejemplo de lo que Blind Melon tiene para ofrecer como banda. Con un tono un poco más calmado (y diría hasta más sombrío) que No Rain, aparece por coincidencia justo antes de esta en su álbum debut, Blind Melon. Comienza más bien calmada, con la guitarra acústica y la armónica, y la voz de Shannon Hoon nos va guiando por la primera estrofa, todo bien, hasta que la batería entra para darle todo el toque rockero, y ahí todo mejor 😄.

cómo la descubrí?: Por un golpe de suerte, diría yo: fue vía el genial proyecto This Is My Jam, y la que descubrí originalmente fue una genial versión acústica que está en YouTube (por aquí: https://www.youtube.com/watch?v=SKUJLGBKt_M). Y, como se habrán dado cuenta, me encantó, me gustó mucho descubrir mucho más detrás del grupo que interpretaba una de mis canciones favoritas, fue como descubrir un antiguo tesoro oculto.

algo más?: Por supuesto, siempre 😉. Si solo conocen a Blind Melon por No Rain, de más está animarlos a que recorran su discografía (sus tres discos están en Spotify) y se den cuenta que detrás del one-hit wonder hay en realidad una bandaza.

Eso es todo por nuestra edición especial de feriado. Nos vemos mañana para la edición regular. Sigan disfrutando su feriado!

Hola a todos!! Buenos días y bienvenidos a un viernes de música más aquí en Friday Songbird. El día de hoy hemos escogido una canción así bien poguera, para saltar, gritar, protestar y hacer un poco de catarsis, dados los últimos acontecimientos en la política peruana.
(No todo está perdido amigos 😁)

La banda: Los Saicos se formaron en Lima, Perú, allá por los años 60, y su sonido crudo y poco producido, de voces guturales que casi gritan en lugar de cantar y potentes guitarras, los marcan como predecesores del punk, a tal punto que hay quienes afirman que el punk se originó en el Perú. Personalmente no iría tan lejos 😁, pero sí me gusta la feliz coincidencia entre el estilo juvenil y salvaje de los Saicos y los exponentes del punk que surgirían más adelante, como The Clash o The Ramones.

La canción: es sumamente divertida 😆. La letra no es gran cosa, pero hay algo de liberador y entretenido en gritar "demoler, demoler, demoler, demoler" mientras vas saltando (o si no puedes saltar, por lo menos vas moviendo la cabeza, porque es bien difícil no moverse con esta canción 😁).

algo más?: claro! Gracias a la magia del Internet 😁, hasta nuestros tiempos han sobrevivido varias canciones de los Saicos, así que si los buscan en YouTube o Spotify, tienen pogo para rato 😆.

Eso es todo por hoy, mis queridos y estimados. Nos vemos el otro Viernes!

Buenos días y bienvenidos nuevamente a Friday Songbird! Esta vez llegamos nuevamente en Domingo, para aderezar sus días de descanso con un poco de música (y porque se nos hizo tarde por razones de un fin de semana atareado)
(pajarito cantor, ya cambia de vida 🐦😆)

Hoy hemos elegido una canción del dúo de rock Aterciopelados, tal vez los más conocidos exponentes del rock en Colombia. Masivamente conocidos en Latinoamérica por temas como Bolero Falaz o Baracunátana, este dúo que conforman Andrea Etcheverri y Héctor Buitrago, rebeldes como ellos solos, ha seguido produciendo buena música en las casi 2 décadas que han transcurrido desde sus temas más populares. De hecho, acaban de lanzar este año un disco que, según ellos mismos comentan, es algo que se debe escuchar con oídos nuevos, sin necesariamente pensar en su ya abundante carrera musical transcurrida.

La canción: Es una no tan conocida (al menos para los oyentes casuales de la banda, como un servidor), que en su versión original se presentó como parte del disco Caribe Atómico, lanzado hace exactamente 20 años. Sin embargo, la versión que yo descubrí primero, y que les comparto en esta ocasión, es una que forma parte de un disco en vivo, y que cuenta con el apoyo de la voz de León Larregui, (ex-)vocalista de la banda mexicana de rock Zoé. Llegó a mí vía un playlist de música alternativa latinoamericana en Spotify que me causó curiosidad, y desde ahí se quedó conmigo.

y qué es lo que más te gusta?: Bueno, tanto la versión original como esta cuentan con el sonido del bandoneón, que le da un aire como de bolero o tango muy interesante. Sin embargo, ésta versión que hoy les comparto tiene un sonido más acústico, menos rockero y más cercano al bolero o al tango que la original; eso, junto con la voz de León Larregui y el sentimiento con el que canta Andrea Etcheverri le dan una fuerza desgarradora a una canción ya de por sí bastante potente.
(Recomendamos por tanto mantener alejados los objetos punzocortantes 😆)

algo más?: claro, siempre 😁. No he escuchado su nuevo disco, pero vi a la banda en un programa musical en la tele, y por lo que comentan el disco promete, así que... acompáñenme a descubrirlos.

Eso es todo por este fin de semana. Nos vemos el otro Viernes!

Hola a todos! Buenos días y bienvenidos de nuevo a Friday Songbird. Aquí nosotros recién nos venimos recuperando del fin de semana electoral en Perú, y para ello, nada mejor que una buena canción antisistema 😆, está vez a cargo de la gente de Sabor y Control.

¿quiénes son?: Sabor y Control es una orquesta peruana de salsa "dura", este tipo de salsa donde predominan mucho la percusión y los vientos, y que tiene este estilo como de barrio, de calle. Según leo, se formaron allá por el año 2000, pero yo los descubrí más o menos por el 2008, y quedé gratamente impresionado por su estilo.

¿qué onda con el estilo?: Me pasa algo peculiar: como se habrán dado cuenta, mis preferencias musicales van más por la vena del rock y géneros afines. Además, no suelo escuchar música bailable así por escuchar (la música bailable es para... bailar, no? 😁😁). Pero con Sabor y Control es distinto: desde que los escuché por primera vez en un programa de música del cable, me llamó la atención su estilo de barrio, crudo, un poco diferente al de salsa que yo conocía. Me atrevería a decir que me gusta porque le encuentro cierta similitud con el rock clásico o el blues, en el sentido en que no son demasiado elaborados, si no que su estilo se basa en pura fuerza del sonido, a la vena.

¿y la canción?: Es parte de su primer álbum y, con ese título, la letra, y toda la potencia de la salsa dura, creo que es una catarsis apropiada para después de este fin de semana electoral, y en general para enfrentar la situación política actual en Perú, que deja mucho que desear.

algo más?: Sí: escúchenlos 😉. Tienen ya una discografía abundante, pero mis favoritas están en los primeros discos; será motivo para darle una escuchada a los más recientes.

Eso es todo por el día de hoy. Espero que les agrade el cambio de estilo por esta semana :), y nos vemos este Viernes.

Hola a todos! Buenas tardes / noches y bienvenidos a otro viernes musical aquí en Friday Songbird. El turno esta vez es para Francois Peglau, ex-integrante de la banda peruana de rock Los Fuckin' Sombreros, que en su nueva aventura como solista creó esta genial canción como parte de su segundo disco, titulado La Crisis del Segundo Disco.

El artista: Antes de lanzarse como solista, Francois Peglau formaba parte de Los Fuckin' Sombreros, que alcanzaron notoriedad en el circuito musical limeño de los 90s... bastante antes de que yo los descubriera 😭. Para fortuna mía y de todos aquellos cuya adolescencia y/o juventud estuvieron puntuada por la música de los Sombreros, Francois no dejó la música de lado, y empezó a crear álbumes por cuenta propia. De hecho, el año pasado sacó el tercero, titulado Francois Peglau y la Fracaso Band.

La canción: Según el mismo Francois contó alguna vez (como respuesta a una pregunta en Instagram :D ), Terminal se le ocurrió después de haber perdido un vuelo de avión (no sabemos a donde), y la letra melancólica refleja un poco esa sensación nada agradable de estar varado por razones ajenas a la propia voluntad, en lugar de estar, tal vez, camino a casa o rumbo a un nuevo destino. Sin embargo, creo que esta melancolía se aligera, hasta se endulza un poco, con la melodía tan tranquila, que comienza con las suaves notas de una guitarra acústica y prosigue con la voz de Francois, ambas complementándose magníficamente.
Es una canción que me imagino escuchando para tranquilizarme si me sucediera lo mismo (que casi me sucede una vez, y no fue para nada bonito :( )

algo más?: por supuesto! Me gusta mucho como Francois juega con la idea del fracaso, sin temor, como aceptándola en lugar de tenerle miedo: su primer disco se llama The Imminent Failure of Francois Peglau ("El inminente fracaso de Francois Peglau") y la banda que lo acompaña ahora se llama la Fracaso Band. Y bueno... tienen 3 discos y han tocado en varios sitios en Latinoamérica y hasta en el Reino Unido; si eso es fracaso, yo también quiero fracasar así 😄.

Y con esta oda al fracaso, nos vamos 😁. Buenas noches, y buena suerte; nos vemos el otro Viernes!

Hola a todos! Bienvenidos una vez más a Friday Songbird, el blog de música de todos los Viernes 😉. Hoy nos toca... retroceder unas décadas en el tiempo en homenaje a un grande del rock 'n roll, el genio de genios Jimi Hendrix.

El artista: Cuenta la leyenda que un día, hace ya más de 40 años, el buen James Marshall Hendrix encontró una guitarra con una extraña inscripción que decía "quien pueda tocar este instrumento, poseerá el poder de Thor" 🤣🤣. Bromas aparte, el abrumador talento que Jimi Hendrix desplegaba en el escenario y su repentino salto a la fama hicieron creer a muchos que era un enviado de otro planeta. En una carrera tan breve como intensa, Jimi supo redefinir lo que era posible lograr con la guitarra electrica y convertirse así en un referente eterno dentro del rock 'n roll.

¿cómo lo descubrí?: Recuerdo 2 momentos: primero, cuando en Radio Doble Nueve (aquí en Lima) pasaban la hora del rock clásico por las mañanas, recuerdo haber escuchado un par de canciones de él y haber pensado que eran lo máximo, en particular por el protagonismo de la guitarra y su fuerza como de un trueno. Y segundo, poco después leí un listado de 25 álbumes de música que se deben escuchar antes de morir 😁, y ahí estaba listado el disco Electric Ladyland. Logré conseguirlo en formato digital (y en ese tiempo no había Spotify), lo escuché, y mi cerebro estalló -; en Electric Ladyland la guitarra se convierte en un enviado de otro mundo, listo para acompañarnos en un viaje alucinante por los confines del Universo.

¿y por qué ésta canción?: Dado que se trata de un artista ya fallecido, no esperaba descubrir nueva música de él, salvo rebuscando en su discografía; por ello fue una grata sorpresa escuchar acerca del lanzamiento de éste disco, que reúne temas nunca antes escuchados. Es casi como si el gran Jimi aún estuviera entre nosotros :').

¿algo más?: obviamente 😉. Si es la primera vez que escuchan al gran Jimi, les recomiendo mis favoritas personales: Bold As Love y Voodoo Child. Y si quieren embarcarse en un viaje hacia donde ningún ser humano ha llegado 😁, les recomiendo el disco Electric Ladyland; es un poco desafiante, pero vale la pena.

Eso es todo por este Viernes. Tengan un excelente fin de semana 🙌.

Hola a todos, y buenos días. Bienvenidos nuevamente a Friday Songbird, edición Domingo (por motivos de un fin de semana atareado 😅). Aprovecharemos este retraso para compartir una canción apropiada para el día: Sunny Afternoon, un cover de los Kinks por los muchachos de Onda Vaga.

La banda: Onda Vaga se formó, según leo, hace más de 10 años en Uruguay, pero yo los descubro recién hace un par de años en Perú 😄, gracias a la magia del Internet y de Spotify. Tienen un estilo que combina un poquito de rock con bastante de algo así como música típica latinoamericana, donde se siente bastante las guitarras acústicas, la percusión y hasta por ahí un trombón, con un ritmo casi bailable y super divertido.
(Mi afición por la música no me ayuda con los términos exactos 😅, así que vayan a escucharlos y entenderán a qué me refiero).

La canción: Para esta pista de su último disco, estos muchachos hacen una pausa con respecto a las raíces latinoamericanas, y eligen una canción de The Kinks, un grupo inglés de los 60s, parte de la llamada Invasión Británica (como los Beatles o los Rolling Stones, pero sin la abrumadora popularidad). La canción es parte de álbum The Kink Kontroversy, que, según leo, tiene varias canciones con comentarios sociales; la misma Sunny Afternoon tiene una letra que hace sátira de las quejas de la clase alta inglesa después de que se promulgaran leyes que les harían pagar más impuestos.

¿por qué la elegimos?: Porque estamos posteando en Domingo por la tarde (aunque no haya sol 😆). Además, cuando la escuché, estaba seguro de haberla escuchado antes, pero cuando vi que la cantaba Onda Vaga se me hizo extraño, porque recién sé de ellos hace un par de años y yo estaba seguro de haber escuchado la canción mucho antes. Recién cuando la busqué caí en la cuenta que era un cover de The Kinks, y luego buscando más info sobre ellos me enteré del comentario social detrás de la letra.

Eso es todo por esta semana. Espero que hayan tenido un gran fin de semana, y que tengan una tarde de Domingo de descanso. Nos vemos el otro finde!

Hola a todos! Buenas noches, y bienvenidos a un episodio más de Friday Songbird. Antes de que llegue el final del Viernes, llegamos nosotros con la canción de esta semana, una así rockerita pero medio tranquila, ideal para una noche tranquila de Viernes.
(Si tu noche de Viernes no será tranquila, lo siento, no hay nada que podamos hacer aquí por ti 😆)

El artista: King Tuff es el alter-ego dedicado al neo-garage rock de Kyle Thomas, músico multifacético. O por lo menos eso es lo que dice la reseña de Spotify 😁. Lo que yo pensaba después de escuchar la canción, era que podía tratarse de una banda, por la manera en que suenan los coros; pero resulta que no, se trataba de un proyecto solista, así que de que el muchacho tiene talento, lo tiene 😄.

La canción: No recuerdo bien cómo la descubrí, pero estoy seguro que fue vía Spotify (que aún no nos auspicia pero algún día lo hará 😆), allá por los últimos meses del 2014. Me gustó mucho que la canción fuera bien rítmica, bien upbeat, pero que a la vez la voz era más bien calmada, suave. Me gusta mucho también cómo hay una parte en el coro (justamente la parte en que dice '... the eyes of the muse') en que es como si la canción se detuviera un poco, para luego volver nuevamente con el ritmo alegre. Y por último, la forma como la canción inicia con el sonido de una guitarra acústica, pero luego entra esta guitarra eléctrica con bastante distorsión, característica del garage rock, es una de las cosas que más me gustan de la canción.

algo más?: por supuesto, siempre 😉. King Tuff ha lanzado este año un nuevo álbum, titulado The Other, que según leo es como una vuelta a las raíces, con canciones que se puedan tocar en shows en solo. He escuchado solamente un par de canciones (como Neverending Sunshine, Ultraviolet o The Other) y la verdad que. aunque sí se podría decir que son más sencillas, y tal vez ya no resalta tanto la guitarra con distorsión, igual prometen, y mucho.

Y eso es todo por este fin de semana. Disfruten la canción, disfruten también el fin de semana, y nos vemos el próximo Viernes.

Hola a todos! Buenos días y bienvenidos a una nuevo viernes de música aquí en Friday Songbird. Hoy hemos escogido una canción recontra bailable, así como para empezar el fin de semana bien animados 😃.

La banda: se llama Bareto y, si no los conoces, o no eres peruano, o has estado viviendo debajo de las rocas 😁. Comenzaron haciendo música tipo funk, pero saltaron a la fama cuando tomaron temas de cumbia amazónica y les agregaron su propio estilo; el éxito fue tal que de pronto, medio Perú, que nunca había conocido a Juaneco y su Combo o Wilindoro Cacique, estaba bailando al ritmo de Mujer hilandera o Ya se ha muerto mi abuelo. Y buena parte de su carrera posterior ha consistido en dicha fórmula: revitalizar temas antigüos para las nuevas generaciones.

La canción: es justamente un caso de estos, un tema antiguo al que le han añadido su toque para convertirlo en una fija de las fiestas de ahora. Pero aparte de eso, tiene su historia en particular: recuerdo claramente haber escuchado esta canción en alguna reunión familiar, e incluso haber escuchado a una de mis tías recordar que éste era uno de los temas favoritos de mi abuelo (que en paz descanse), de los que nunca faltaban en las fiestas de su época. Me dió mucho gusto escuchar, entonces, esta nueva versión de los muchachos de Bareto: es como si hubieran logrado que la alegría de aquellas épocas, la misma que acompañó a mi abuelo, vuelva ahora a animar nuestros momentos de diversión. Si pueden hacer eso, ya es un gran mérito para estos muchachos.

algo más?: claro! Si no conoces a Bareto, ya tienes tarea 😁. Si quieres comenzar desde sus inicios, cuando pocos los conocían, busca el álbum Boleto; si más bien te anima comenzar por el disco que los lanzó a la fama, búscalo con el título Cumbia.

Eso es todo por ahora. Disfruten su fin de semana, y nos vemos el próximo Viernes 👋.

Hola a todos! Buenas noches (es de noche por aquí 🙈) y bienvenidos a una edición más de Friday Songbird. Ya que hablábamos la semana pasada un poco sobre Radiohead, aquí tenemos una canción de esta genial banda inglesa, que se caracteriza por hacer siempre música que podríamos calificar de todo menos de común y corriente.

¿cómo la descubrí?: Hace mucho mucho tiempo, cuando Spotify todavía no era un nombre prominente, mi forma de descubrir más de mis bandas favoritas era recurrir a BitTorrent para descargarme álbumes enteros, escucharlos de cabo a rabo y quedarme con las canciones que más me llamaran la atención 😁. Y en el caso de Radiohead, no fue un solo álbum, sino su discografía completa de los 90s (o algo así, porque no estaban álbumes más recientes como In Rainbows). Y luego, fiel a mi modo de descubrir música, me escuché tooodos los discos (no sé cómo hice la verdad 😆), y en esta búsqueda del tesoro 😆 encontré gemas cómo ésta, entre muchas otras.

¿qué es lo que más me gusta?: no sé cómo describirlo, pero la canción comienza con la voz medio apagada de Thom Yorke, y luego entran las guitarras 🤜 y convierten lo que creeríamos que sería un viaje tranquilo en una montaña rusa cuyo destino final es la locura 😱.

(Es más o menos como subirse a una combi en Lima 🤣)

¿y qué más?: Bueno, esta es una no tan conocida de Radiohead, y eso es lo que me gusta de descubrir música: que a veces te puedes quedar pegado con una canción súper perfil bajo, una de esas que no por ser poco conocidas son menos buenas que las más populares.
Si eso también les llama la atención, les recomiendo de vez en cuando no hacerle caso al algoritmo de Spotify y simplemente lanzarse a explorar; quién sabe lo que podrían encontrar 😉.

Eso es todo por hoy amigos. Tengan buen fin de semana, y que la música los acompañe.

Hola a todos, buen día y bienvenidos a un viernes más de música en Friday Songbird 😃. Hoy tenemos a una banda poco conocida que descubrí vía Spotify y su playlist de Descubrimiento semanal (que hace honor a su nombre).

Lo primero que me llamó la atención es lo mucho que se parecen los primeros compases de esta canción a una de mis favoritas, Paranoid Android, de los siempre magníficos Radiohead. A medida que va avanzando la canción, se puede ir notando que no se trata de una locura rompe-esquemas como Paranoid Android, pero aún así la canción se deja escuchar, y tiene un corito que comienza pegajoso pero que termina de forma original, a mi parecer.

algo más?: pues... no mucho, su página en Spotify solo consigna una dirección Web (https://www.wearevillagers.com) y en ella se muestran solamente las fechas de sus tours y su discografía, así que... tocará juzgarlos por su arte no más 😉.

Eso es todo por este Viernes. Acompañenme a descubrir a estos muchachos, y nos vemos el otro fin de semana. 🙌

Hola a todos! Buenos días y bienvenidos a un viernes más de música aquí en Friday Songbird. Hoy complacen nuestros oídos un grupo de artistas del Viejo Mundo: el dúo inglés HONNE en complicidad con la cantante noruega Anna Of The North.

¿como los descubrí?: estoy casi seguro que descubrí a HONNE gracias a Noon Pacific, y me gustó mucho su estilo de música relajada y el uso que hacen de instrumentos electrónicos para crear canciones rítmicas, que suenan alegres. Y gracias a Spotify (que todavía no nos auspicia pero algún día lo hará 😆), descubrí hace poco esta colaboración suya con Anna Of The North, a quién no conocía de antes pero que, por lo que se puede escuchar en esta canción, promete mucho.

¿qué es lo que más te gusta de la canción?: que tiene un ritmo particularmente relajado, pero que sabe combinarlo con partes en que la canción como que acelera un poco (como cuando comienza la letra), y el efecto final es muy chévere.

¿otras canciones?: de HONNE mis favoritas son Warm On A Cold Night y 3am, son de las que despertaron mi interés en el grupo. Y a Anna Of The North recién la conozco así que... acompáñenme a descubrirla 😉.

Eso es todo por el día de hoy. Tengan un excelente fin de semana, lleno de buena música. Ahí nos vemos...

Buenos días a todos! Bienvenidos a una edición más de Friday Songbird, como (casi) todos los viernes 😁. Hoy tenemos nuevamente con nosotros a Florence + The Machine (les dije que no sería la última vez) y una pista de su álbum más reciente, High as Hope.

¿cómo así la descubrí?: porque Spotify me conoce 😁, sabe que me encanta la música de Florence + The Machine, y entonces no solo me coló algunas canciones de este álbum en el playlist de Descubrimiento semanal, si no que me avisó cuando se lanzó oficialmente el álbum.

¿qué es lo que más me gusta de ésta canción?: la hermosa e hipnótica voz de Florence Welch 😍, que encaja perfectamente con el ritmo lento de la canción. Y ojo, un ritmo lento no quiere decir que la canción no tenga una gran potencia. También creo que la letra aporta bastante: habla un poco de cuando nuestro camino nos conduce a ir muy rápido, o con mucha intensidad, y necesitamos de algo (o alguien) para bajar las revoluciones (en especial la parte que dice 'cógeme de los tobillos / he estado volando por mucho tiempo').
(De vez en cuando me gusta buscar las letras de las canciones y leer los comentarios de los autores o la gente acerca del significado).

¿alguna otra canción?: por supuesto! Hunger, del mismo álbum, es también muy chévere, aunque distinta, mucho más movida.
(Y si aún no conoces a Florence + The Machine, a pesar de que ya pasó 2 veces por este blog, pues ya te estás tardando, eh? 😆)

Eso es todo por éste Viernes. Buen fin de semana, y que la música los acompañe 🙌🏼.

Hola a todos! Bienvenidos a un viernes más de música, edición aniversario patrio de Perú 🇵🇪🇵🇪.

La canción con la que cerramos este mes dedicado a los artistas peruanos es una más bien antigüita. La interpretan Los Destellos, grupo de la década de los 60s, la época de la psicodelia y el movimiento hippie; ellos mismos tienen un estilo que transitó primero por el surf rock y el rock psicodélico antes de tomar la cumbia y fusionarla con el rock de la época. De hecho, me atrevería a pensar que son más conocidos por sus cumbias que por canciones como ésta, lo cual hace a esta canción más interesante aún.

Lo otro interesante es... el título. O más que interesante, gracioso 😆😆. De hecho, fue lo que más me llamó la atención; tal vez si no hubiera sido por el título, no la habría escuchado.
(Y no puedo evitar pensar en gente de la generación de mis padres yendo con la onda de la canción, con su alusión poco disimulada al consumo recreativo de marihuana 😁😁).

Si el título no te convence, te cuento que aquí Los Destellos suenan más parecidos al gran Carlos Santana: grande desempeño de la guitarra eléctrica y un ritmo que, sí bien tiene algo de latino, no deja de ser rock. Recomendada de todas formas.

Si te gustó la canción y nunca has escuchado al gran Carlos Santana, pues qué estás esperando 😆. Si en cambio te da curiosidad saber más sobre Los Destellos, puedes ir por sus temas más cercanos a la cumbia y la chicha, como el clásico Elsa (que a lo mejor lo has escuchado en la versión de Bareto).

Así llega a su fin nuestro especial por el mes de aniversario patrio de Perú. Felices Fiestas Patrias, y nos vemos el otro Viernes.

Hola a todos, y bienvenidos nuevamente a Friday Songbird, edición especial por el mes de aniversario patrio de Perú 🇵🇪🇵🇪. Durante este mes, haremos llegar a sus oídos solo artistas peruanos.

La canción de este Viernes es un hallazgo muy particular. Quienes la interpretan son Uchpa, un grupo de rock peruano (más específicamente, del Cusco) que cantan la mayoría de sus canciones (si no son todas) en quechua. Ésta en particular es una versión en quechua de The House Of The Rising Sun, del grupo The Animals (que pueden escuchar por aquí - de seguro la tonada les parecerá conocida). Y a pesar de que mi dominio del quechua es casi nulo, me parece una canción hermosa.

(Esta canción, que en realidad iba a compartir la próxima semana, es también un pequeño homenaje a mi abuelo paterno, que falleció el fin de semana pasado. Él hablaba el quechua tan bien como el español, y estoy seguro que, con la lucidez y el espíritu joven que lo caracterizaban, esta canción le hubiera parecido interesante, cuanto menos.)

¿cómo la descubrí?: por puro y delicioso azar :) . Fue vía YouTube, y la verdad que no recuerdo cómo llegué al video, pero me pareció alucinante lo que habían hecho los muchachos de Uchpa, que le dan un aire más tranquilo a la canción, reemplazando el sonido marcadamente eléctrico de las guitarras de la versión original por uno más suave (producto de guitarras acústicas, presumo).

¿otras canciones recomendadas?: por supuesto! Solamente hay un disco de Uchpa en Spotify; escúchenlo entero porque es igualmente alucinante. De ahí, me temo que tendrán que recurrir a YouTube, así que pueden comenzar por ésta presentación de la banda en el programa musical Jammin', con el que creo que es su tema más conocido, Corazón contento.

Eso es todo por esta semana; nos vemos el siguiente Viernes, para cerrar con broche de oro el mes patrio 😊.

Hola a todos! Bienvenidos a una edición más de Friday Songbird, que en este mes de aniversario patrio de Perú está compartiendo solamente artistas peruanos 🇵🇪.

Hoy es el turno de GAIA, una genial banda rockera de la escena local, a quienes seguramente has escuchado aunque sea por casualidad si vives en Perú, porque una de sus canciones fue parte de un comercial de la Universidad de Lima (éste comercial). Si solamente los conoces por el comercial (o si no los conoces), te los recomiendo, en particular si te gusta el estilo de la canción, porque sus temas suelen ir por esa vena del rock enérgico, con voces fuertes y riffs de guitarra que acompañan con la misma potencia.

... y más bien esta canción es diferente, mantiene un poco la potencia en la voz, pero la complementa con una guitarra acústica muy suave, y eso da como resultado un tema mucho más tranquilo, hasta romántico si tomamos en cuenta la letra.

¿cómo lo descubrí?: por pura coincidencia en realidad :D Resulta que había encontrado en Youtube otra canción de GAIA en versión acústica (aquí), y me llamó mucho la atención el primer pedacito del video, unos breves segundos de una versión acústica de otra canción, después de los cuales viene la canción del título del video (Tourette y Estocolmo). Después de un buen tiempo, volví a ver el video, y recién allí se me ocurrió buscar en los comentarios, en los cuales un alma caritativa había dejado el nombre de la primera canción, para los que no la conocíamos. La busqué, la escuché completa, y fue amor a primera oída :D, y por eso se las traigo el día de hoy.

¿algún otro tema de la banda?: Todos 😆. Pero pueden comenzar (después de este tema) con Tourette y Estocolmo, La 2da Ley (la canción del comercial de la Universidad de Lima) o Sobrepeso

Por ahora, eso es todo; nos vemos el otro Viernes!

Buenos días y bienvenidos a una edición más de Friday Songbird! Lamentamos la demora 😅 pero tenemos algo especial.

Por el mes de Julio, en el cual se celebra el aniversario patrio de Perú, voy a compartir cada semana una canción de un artista peruano.
Un mes no alcanza de ninguna manera para compartir toda la buena música que se hace en Perú, así que todas serán favoritas personales; espero que alguna sea nueva para ustedes y les ayude a descubrir algún artista nacional que tal vez no tenían en el radar.

Esta semana comenzamos con Alejandro y Maria Laura, un dúo de cantautores peruanos que la Wikipedia me dice que tocan indie folk, pero que, en mi opinión, van un poco más allá, y en algunas de sus canciones mezclan otros géneros, como es el caso de esta canción, que forma parte de su disco más reciente (tan reciente como que salió el año pasado).
Según ellos mismos comentaban, en esta canción partieron de la clásica base que tienen algunas canciones típicas de la sierra peruana (o de los Andes en general), que se obtiene al 'rascar' rítmicamente este instrumento conocido como güiro (que es como un tubo de madera con surcos a lo ancho), y que resulta en el sonido característico que se puede escuchar al inicio de la canción, acompañando la voz de Maria Laura.

¿cómo así la descubrí?: Si mal no recuerdo, fue vía un playlist de Spotify con artistas peruanos notables que me puse a escuchar por curiosidad; y creo que fue justamente ese ritmo del inicio, sencillo pero pegajoso, el que hizo que me quedara con la canción.
(Además, me gusta como cantan ambos, tienen no solo una bonita voz sino un estilo particular al cantar).

¿alguna otra canción?: Matrimonio, del mismo disco, también es bonita; va mas por su estilo indie folk. También me gustó Fiesta para los muertos, del disco con el mismo nombre, que también tiene un ritmo interesante.

Eso es todo por esta semana. Buenas vibras para la semana que viene, y manténganse en sintonía para saber qué artista peruano escucharemos el próximo Viernes (haré un esfuerzo para que esta vez sí sea Viernes 😅).

Buenas noches y bienvenidos a una edición más de Friday Songbird! Hemos aprovechado el feriado para... dormir 😴😆 y luego para rescatar una canción de las favoritas de hace un par de años para compartirla con ustedes.

La canción de este fin de semana nos la regala Major Lazer, un genial trio de DJs, famosos también individualmente por sus propios méritos (en particular Diplo), y que seguramente, si no los ubican mucho, los reconocerán por Lean On, canción que crearon en colaboración con la cantante danesa MØ y DJ Snake (si no sabes de qué estoy hablando, escúchala aquí y de seguro la reconocerás). Esta canción, sin embargo, es menos conocida, y fue hecha en colaboración con Ezra Koenig, que me acabo de enterar que es el cantante líder de la banda indie Vampire Weekend (a quienes seguro tendremos por aquí más temprano que tarde). Y además, es más lentita, más relajada.

¿cómo la descubrí?: Gracias al playlist de Descubrimiento semanal de Spotify, allá por el invierno del 2016. O sea, hace casi exactamente 2 años. Y me gustó tanto la sugerencia que la escuché repetidas veces, tanto así que luego Spotify me la devolvió en el playlist de mis mejores canciones de ese año.
(Spotify me conoce tan bien que a veces da miedo 😱😆)

¿qué es lo mejor de la canción?: Pues... no sé, es todo 😁. Me encanta el compás súper relajado con que inicia (que trae a la mente el reggae), las estrofas más habladas que cantadas, el corito de tono hipnótico (no sé que efecto le ponen a la voz en ese momento, pero suena genial), y sobre todo como los muchachos de Major Lazer combinan todo eso en una pieza final que te atrapa y luego no te suelta por un laaargo rato.

¿otra recomendación?: Bueno, el album Free the Universe es como un desfile de carnaval, cada pista es una colaboración con un artista distinto (entre los cuales está incluso Bruno Mars 😲), así que creo que sería una buena escuchada. Y ya que esta canción es en colaboración con el vocalista de Vampire Weekend, pues denle una escuchada a ellos también (pueden comenzar con Oxford Comma, por ejemplo).

Eso es todo por este Viernes que ya casi termina. Sigan disfrutando su fin de semana, y nos vemos el oootro Viernes.

Buenos días y bienvenidos nuevamente a Friday Songbird, edición almuerzo dominguero 😁. Ésta vez nos agarraron los winter blues, pero dijimos "bueno, si nos vamos a poner melancólicos, que sea con estilo" 😎

La canción de esta semana la trae el gran Jason Kay, cantautor y líder de la extraordinaria banda Jamiroquai, nacida a principios de los 90s, de la cual seguramente muchos recuerdan el hit Virtual Insanity (y el video donde sale Jason Kay (JK) bailando en un cuarto con el piso que se mueve). Pues les cuento que Jamiroquai han seguido activos desde ese entonces (si bien cambiando de miembros), y que la genial canción que hoy bendice nuestros oídos 😁 es parte del igualmente genial álbum Rock Dust Light Star, que salió allá por el 2010 y que yo descubrí gracias a uno de los muchachos de mi chamba.

Lo que más me gusta de la canción: que no entiendo cómo hace Jamiroquai para que la melancolía suene tan cool 😄. La letra es marcadamente melancólica, habla de alguien que ya no está, y el título mismo ("nunca habrá otro / otra") nos describe una canción que definitivamente no trata de un tema alegre... y sin embargo, el ritmo, el bajo, la melodía, terminan por crear una canción que, en lugar de dejarte triste, te deja con ganas de escucharla una vez más. Y eso es algo que solo se logra con magia.

Otras recomendaciones: Pues de todas maneras el resto del disco Rock Dust Light Star (mis favoritas son, además de esta, Goodbye To My Dancer y la que tiene el mismo nombre que el disco).
Y si nunca has escuchado a Jamiroquai, déjame decirte que estás en nada 😝, así que te dejo de tarea escuchar el clásico Virtual Insanity, y luego, si te animas por mas (extracurricularmente 😄), puedes escuchar Cosmic Girl, Space Cowboy, Canned Heat y Seven Days in Sunny June (una de mis favoritas).

Eso es todo por el día de hoy. Sigan disfrutando su Domingo, y nos vemos la próxima semana.

Buenos días y bienvenidos a una edición más de Friday Songbird! Este Viernes seremos breves, porque queremos dedicarle esta canción a la selección de futbol de Perú, para que no se detengan por nada, cualquiera sea el resultado en su debut de mañana en el Mundial de Futbol (vamos muchachos!! 💪🏼💪🏼)

Acerca del grupo: ¿qué se puede decir que no se haya dicho ya? Formados en Reino Unido en la década de los 70s, Queen son sinónimo de épico, de música gloriosa, hasta de extravagancia. Mucho de ello se lo deben, en mi opinión, a la potente voz de Freddie Mercury, el frontman de la banda.

¿y si no los he escuchado antes?: entonces llévanos donde tu líder, porque debes ser de otro planeta 😆. Y después de eso, escucha We Are The Champions, Bohemian Rhapsody, Somebody To Love, We Will Rock You, Another One Bites The Dust, y Crazy Little Thing Called Love, solo para comenzar ;)

Eso es todo por este fin de semana. Sigan pasándola bonito, tengan un feliz Día del Padre y un excelente fin de semana.

Buenas noches y bienvenidos a una nueva edición de Friday Songbird... que esta vez llega tarde nuevamente, mientras todos están de fiesta 😁. La canción de esta semana llega de la mano de JMSN, nombre artístico del productor y compositor Christian Berishaj, y va más por la vena del rhythm & blues y hasta un poco del jazz... lo cual también es buenazo para el frío 😉👍🏽.

¿cómo así lo descubrí?: Resulta que estoy suscrito a Noon Pacific, quienes elaboran todos los lunes, martes y miércoles playlists (o mixtapes, como ellos los llaman) de música nueva e interesante, no tan cercana al rock y ese tipo de cosas que suelen ser más mi estilo (y creo que eso lo hace más interesante). El año pasado, en uno de los mixtapes de Lunes (antes solo salían los Lunes), estaba presente otra de las pistas del álbum Whatever Makes U Happy, titulada Slide. Y como suele ser con las buenas canciones, con una escuchada me enganché, y después de escucharla tropecientas veces más 😁, quise escuchar todo el álbum, y allí encontré la gran canción que nos acompaña hoy.

Lo que más me gusta es: el ritmo así súper lentito, cadencioso, y cómo la voz de JMSN y los coros se superponen a eso, y resultan en una mezcla que es como una explosión en cámara lenta (en especial con el redoble del inicio).

Otra canción recomendada: la que me enganchó primero, Slide, y el single más reciente, So Badly, que también está bacán.

Eso es todo por hoy, sigan disfrutando de su fin de semana 😃.

Bienvenidos nuevamente a otro viernes de música aquí en Friday Songbird! Ponemos nuestro granito de arena para combatir el frío con... más rock! 🤘😄

Hoy nos acompañan The Vaccines ("Las Vacunas" 🤔😆), una banda de rock indie formada en Londres allá por el 2011 más o menos. Me parece haberlos escuchado antes en algún playlist de Spotify, o en una radio (en la única radio en Lima que pasa indie rock 😁), pero recién hace un par de semanas los acabo de descubrir vía el playlist de Descubrimiento semanal de Spotify, y la verdad que ésta canción tiene un no sé qué 😄... Tal vez sea la diferencia entre el corito y las estrofas, o esa guitarra justo en medio del coro, pero el tema es que me pegué bastante.

como a qué suena, joven? 😆: pues... no le encuentro parecido inmediato con algún grupo en particular, sólo podría decir que suena a buen indie rock 👍👍

alguna otra recomendación?: claro! Your Love Is My Favorite Band, del mismo álbum. Nada más romántico que una buena canción rockera que diga en el título "tu amor es mi banda favorita" 😍

Eso es todo por la edición de hoy.
Tengan un buen fin de semana! No olviden abrigarse 😊

Bienvenidos todos a una nueva edición de Friday Songbird... qué más que pájaro cantor parece lechuza, porque se quedó dormido 😅 y está posteando en Sábado.

Así como para combatir el sueño (y el frío), tenemos una canción recontra rockera de la mano de Wolfmother, a quienes acabo de descubrir hace como un mes gracias al playlist de Descubrimiento semanal de Spotify (que está haciendo honor a su nombre 😉).

como a qué suena?: Pues no se ustedes, pero a mí me suenan un toque a Led Zeppelin, por lo menos en la voz del vocalista.

alguna otra curiosidad?: Sí! Mientras estaba curioseando en su perfil de artista en Spotify, encontré que ellos también son los que interpretan Vagabond, que es parte del soundtrack de la genial película 500 Days Of Summer. Es más, mi hermano ya me había recomendado esa canción, pero ahí quedó, no seguí al grupo hasta ahora.
(Recomendada la canción, por supuesto, aunque su estilo es un toque diferente, la guitarra acústica suena más en esa última canción.)
(Y ya que están por ahí, escuchen también Joker and the Thief, no se arrepentirán 😉)

Espero que les guste, y éxitos en la semana que viene 🙌.

Buenos días y bienvenidos a una nueva edición de Friday Songbird! Este Viernes comenzamos el fin de semana con una bien rockerita, así como para contrarrestar el frío que ya comenzó ☃️.

Esta vez la canción viene por cortesía de mi playlist de Descubrimiento semanal de Spotify, que hace unas semanas se hizo una 😄 y me permitió descubrir esta joya rockera de los muchachos de Foster The People.
Ahora bien, si solamente escuchas las radios locales (aquí en Perú) así medio de música moderna / pop, entonces es más que seguro que los conoces por su single Pumped Up Kicks, el que los lanzó a la fama allá por el 2010 más o menos.
Si ese es el caso, el Pájaro Cantor de los Viernes 🐦🎵😄 te recomienda que le des una escuchada a esta canción, porque te vas a llevar una sorpresa muy grata: aquí estos muchachos suenan diferente, y por lo menos a mí me gusta más el estilo saltarín, hasta medio poguero, de esta canción.

(Si solamente conoces Pumped Up Kicks de los Foster The People, yo recomendaría ejercitar tus tímpanos y expandir tu mente 😆 escuchando el resto del album Torches, o por lo menos las otras canciones populares de ese disco, como Call It What You Want o Houdini)

¿como a qué suena?: la primera vez que escuché está canción me hizo recordar a los Arctic Monkeys, la verdad. No sé a qué canción en particular, (Teddy Picker, fácil... o Brianstorm), pero me gustó porque a mi me gustan los Arctic Monkeys, y porque además de Foster The People solo había escuchado canciones del Helena Beat, y esta tiene un estilo muy diferente; me pareció genial que experimentaran con otro estilo.

Así que, espero que les guste, y buen finde!! 🤘🏽

Buenos días y bienvenidos a una nueva edición de Friday Songbird! Este viernes es el turno de una canción que ha estado dando vueltas en mi cabeza un montón 😁, y además es interesante por dos razones: la canción en sí, y quién la interpreta.

La canción: En realidad, la descubrí de un modo peculiar, porque no sigo mucho la música de Elton John (perdón, de sir Elton John ;) ). Ya no recuerdo bien cómo, pero llegué a éste video: https://www.youtube.com/watch?v=R4ajQ-foj2Q de Jimmy Fallon haciendo una fonomímica de esta canción para una competencia 😄. El tema es que no me volví a fijar mucho en la canción hasta que la encontré, de casualidad creo yo, en un playlist de Spotify, y ahí sí se quedó conmigo. Supongo que necesitaba una escuchada completa para apreciar realmente el talento de sir Elton John.

La artista: Según tengo apuntado aquí ;), descubrí a la genial Florence Welch, de Florence + The Machine, allá por el año 2012, con una canción magnífica como Shake It Out (que además de tener todo el power musical, tiene una letra muy chévere). Desde ese entonces más o menos que la sigo (más aún ahora último gracias a la magia de Spotify :D ), y varias de sus canciones se han convertido en mis favoritas (así que dudo que sea la última vez que la vean por aquí ;) ).

¿cómo la encontré?: de hecho, estaba buscando otra canción de Florence + The Machine 😆, pero entré a su página en Spotify y vi este cover en las canciones más populares, y pensé: "tremenda canción, con tremenda cantante, no hay forma de que salga mal"... y no decepcionó, fue amor a primera escuchada.

Así que aquí les dejo este magnífico cover, compuesta por un genio, interpretada por una genia, para que tengan un genial fin de semana 😄.

Hola a todos! Buen día, y bienvenidos a la primera edición de Friday Songbird! 🎊🎉
Este es un pequeño proyecto creado como homenaje a la música, y a proyectos como This Is My Jam, que nos recuerdan nuestro amor por la música. Si todo va bien, cada Viernes publicaré por aquí una canción que es mi favorita, o que alguna vez lo fue, junto con su historia.

El play de honor es para la última pista del álbum más reciente de Lana Del Rey, Lust For Life. La descubrí de un modo que no me estaba ocurriendo últimamente: tomando un playlist en Spotify que me parecía bueno y dándole al play para probar. (Últimamente me estoy guiando solamente por los playlists de 'Descubrimiento semanal' y 'Radar de Novedades'... lo cual a veces da resultados interesantes, y a veces no 😁). Me llamó la atención apenas la escuché, y me pegué mucho con el tono hipnótico del coro... Y luego, buscando la letra y leyendo todos los comentarios alrededor (que es otra cosa que me gusta hacer con algunas canciones que me llaman la atención), me agradó mucho por el significado, en especial la parte del coro:

Sometimes it feels like I've got a war in my mind
I want to get off, but I keep ridin' the ride
I never really noticed that I had to decide
To play someone's game or live my own life

And now I do...

(Y además Lana Del Rey es muy guapa 😁)

Eso es todo por hoy. Disfruten!